Nach langer Pause widmet sich Heinz Mack seit über dreißig Jahren wieder intensiv der Malerei. Ein Querschnitt der "Chromatischen Konstellationen" von 1991 bis heute zeigt, wie er größtmögliche Reinheit der Farbe, Licht und Immaterialität in ein breites Spektrum an Farbfolgen und Strukturen überführt. Texte von Heinz Mack und Robert Fleck erläutern die Essenz dieser Farbwelten.

Das künstlerische Gesamtwerk der gegenständlich und expressiv arbeitenden Künstlerin Ruth Baumgarte (1923–2013) wird auf der Grundlage neuester wissenschaftlicher Forschungen und mit einem auf Vollständigkeit angelegten Verzeichnis in einer opulenten dreibändigen Ausgabe präsentiert. Ebenfalls wird das bisher noch unerforschte Kapitel der Illustrationsgeschichte im Frühwerk der Künstlerin eröffnet.

In ihrer Wahlheimat Mexiko ist die gebürtige Leipzigerin Olga Costa (1913–1993) längst als wichtige weibliche Stimme der mexikanischen Moderne etabliert. Eindrucksvoll erschließt der Band ihr eigenständiges malerisches Werk zwischen mexikanischer und europäischer Moderne und folgt den Spuren ihres Lebens aus Deutschland in die Welt und zurück.

Die Bedeutung der Straße ist vielschichtig: Sie ist Ort der Repräsentation, Selbstinszenierung und Kommunikation, des Widerstands oder Protestes. In diesem reich bebilderten Buch begegnen wir der Bandbreite des hochaktuellen Themas und seiner Umsetzung in Malerei, Grafik, Fotografie, Film, Performance und Installation des 20. und 21. Jahrhunderts.

Wichtige Künstler*innen der ungarischen Klassischen Moderne lebten und arbeiteten temporär an der Spree und waren in der Berliner Avantgarde präsent. Die enge Verbundenheit der Weimarer Kultur mit den kreativen Kräften Ungarns, die mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten endete, tritt nun fulminant illustriert zutage.

Marc Chagall (1887–1985) gilt als Poet unter den Künstlern der Moderne. Wenig bekannt sind seine Werke der 1930er- und 1940er-Jahre, in denen sich seine farbenfrohe Palette verdunkelt. Bereits in den frühen 1930er-Jahren thematisiert Chagall den aggressiver werdenden Antisemitismus und berührt mit seinem künstlerischen Schaffen zentrale Themen wie Identität, Heimat und Exil.

1991 hat die Stadt Pulheim mit dem Kunstprojekt Synagoge Stommeln einen dauerhaften Prozess der Auseinandersetzung mit dem historisch bedeutsamen Ort angestoßen und leistet seither einen Beitrag zu einer Kultur der Erinnerung. Anlässlich des 30-jährigen Bestehens der Synagoge Stommeln entsteht ein umfassender Überblick über die Reihe besonderer Werke.

Warum und vor allem wie stellten Maler sinnliche Erfahrungen, berückende Gefühle und südasiatische Kulturlandschaften in den Mittelpunkt ihres Schaffens? "A Splendid Land" widmet sich dieser Frage erstmals anhand bezaubernder Gemälde aus den 200 Jahren von der Mogulzeit bis zum Kolonialreich Indien. Viele der Bilder wurden bisher noch nie publiziert oder ausgestellt.

Der jüngste Blaue Reiter stand lange im Schatten seiner Malerkollegen Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke und Paul Klee. Seit wenigen Jahren erfährt Heinrich Campendonk eine unvergleichliche Wiederentdeckung, die mit einer Neubewertung seines umfangreichen Œuvre einhergeht.

Der international renommierte Künstler Georg Baselitz macht der Albertina in Wien und dem Morgan Library & Museum in New York je eine Schenkung von Arbeiten auf Papier. Die Publikation vereint die 100 Blätter, die eine repräsentative Retrospektive darstellen und in dieser Konzentration einen wichtigen Beitrag zum Verständnis des gesamten Werks leisten.

Kabul war einst als Stadt der blühenden Gärten berühmt. Heute bestimmen Bilder von Leid und Zerstörung unsere Wahrnehmung. Ausgehend von den Gärten Kabuls als kulturelles Erbe reflektieren afghanische und nichtafghanische Künstler*innen über ein anderes Kabul, ohne die vergangenen und aktuellen Krisen auszublenden.

Die von Rudolf Leopold 1972 verfasste Monografie Egon Schieles ist der Grundstein für Egon Schieles Weltruhm. Lange vergriffen, ist das wichtige Dokument der kunsthistorischen Literatur nun in der überarbeiteten Version mit umfassend bebildertem Werkverzeichnis wieder erhältlich. Gleichzeitig gewährt der prächtige Band durch Briefe, Skizzen und Dokumente Einblicke in das Leben des Künstlers.

Die jüngsten Ereignisse inspirieren Kunstschaffende, das Konzept Nähe neu zu visualisieren. "Kinship" begleitet die neue Ausstellung der Reihe "Portraiture Now" in der National Portrait Gallery in Washington. Gezeigt werden Arbeiten von acht führenden Künstlerinnen und Künstlern, die Verwandtschaftsbeziehungen mit den Mitteln der Fotografie, Malerei, Bildhauerei und Performance in Szene setzen.

Der Band beleuchtet die facettenreiche Sammlung, die an der Schnittstelle von moderner Kunst und sozialer Gerechtigkeit entstand. 1963, als die Civil-Rights-Proteste im Staat Mississippi tobten, wurde das allen Studierenden offenstehende Tougaloo College unerwartet zu einem zentralen Ort, an dem die freien Künste als magnetischer Anziehungspunkt wirkten.

Kubra Khademi (*1989) lebt in Paris und konzentriert sich in ihren Arbeiten auf ihre persönlichen Erfahrungen als Geflüchtete und als Frau. Das macht ihre Werke so hochpolitisch wie aktuell. Zu ihren facettenreichen Sujets gehören ihre eigene Funktion als Sprachrohr und Mitstreiterin im Kampf für die Grundrechte der Frau sowie ihre künstlerische Tätigkeit im Exil und in einer muslimischen Gesellschaft.

Die Künstlermonografie zeigt einen repräsentativen Überblick über das bildnerische Schaffen von Stéphane Zaech (*1966). Technisch anspruchsvoll entsteht sein malerisches Werk aus der Auseinandersetzung mit den alten Meistern – Tizian, Velasquez oder Picasso. Zugleich verkehrt er die »klassischen« Bildtypen und überführt sie in die zeitgenössische Kunst.

Kanishka Rajas prachtvoll gemusterte Werke erkunden, wie er selbst es ausdrückte, "die Schnittstellen zwischen Abbildung, Handwerk und Technologie sowie die Bruchstellen bei der Weitergabe von Informationen." Seine konzeptionell fesselnde, ästhetisch berückende Reihe "I and I" konfrontiert Gemälde mit ihren gewebten, gescannten, gedruckten, gestickten und reproduzierten Pendants.

"Cosmos" eröffnet neue Perspektiven auf das Werk von Eduardo Terrazas (*1936). Vier renommierte Autoren nähern sich mit unterschiedlichen Fragerichtungen der seit Jahrzehnten im Entstehen begriffenen Serie "Possibilities of a Structure", in der das Erforschen von Geometrie und Farbe für Terrazas zum Ausdruck der Hoffnung auf eine Ordnung hinter dem Chaos der Welt wird.

Abstrakt und expressiv – die Werke der Farbvirtuosin Annette Werndl (*1956 in Deggendorf, Bayern) werden international geschätzt und ausgestellt. Die Monografie präsentiert Bilder der letzten Jahre, wesentlich inspiriert von Aufenthalten in den USA – vor allem in New York – sowie von der Musik (Jazz, Blues und Pop), die sie beim Malen hört.

"Cosmos" eröffnet neue Perspektiven auf das Werk von Eduardo Terrazas (*1936). Vier renommierte Autoren nähern sich mit unterschiedlichen Fragerichtungen der seit Jahrzehnten im Entstehen begriffenen Serie "Possibilities of a Structure", in der das Erforschen von Geometrie und Farbe für Terrazas zum Ausdruck der Hoffnung auf eine Ordnung hinter dem Chaos der Welt wird.

"Americans in Paris" stellt die spannenden Künstlerkreise vor, die nach dem Zweiten Weltkrieg in Frankreich lebten und arbeiteten. Anhand aktuellster Forschungsergebnisse und fundierter Essays präsentiert der Band einen Schatz an Gemälden, Skulpturen, Zeichnungen, Drucken, Fotos und Filmen aus diesen fruchtbaren Jahren in einem ganz neuen Licht.

Seit sieben Jahrzehnten steht Twinka Thiebaud dreißig Künstler*innen aus den Bereichen Fotografie, Malerei und Grafik Modell. Der Band präsentiert ihr Schaffen im Licht technologischer Neuerungen in der Fotografie und geht der Frage nach, welche Rolle die Natur für das Selbstverständnis der experimentierfreudigen Kunstszene der West Coast spielt.

Blumen verkörpern ein seit Jahrhunderten verbreitetes Motiv der Kunst. Seit dem Barock Ausdruck von Naturschönheit und irdischer Vergänglichkeit haben Blumen im 20. und 21. Jahrhundert für Künstlerinnen und Künstler nicht an Faszination verloren. Warum greift die moderne und zeitgenössische Kunst dieses facettenreiche Motiv so intensiv auf?

Das Saint Louis Art Museum konnte 2021 die außergewöhnliche Sammlung von Ted L. Simmons und Maryanne Ellison Simmons erwerben. Der attraktiv bebilderte Katalog stellt die wichtigsten Werke dieser Sammlung vor, von den 1960er-Jahren bis in die Gegenwart.

Die Jahrhundertwende ist die Blütezeit der polnischen Kunst. Der Band zeigt Meisterwerke der Malerei dieser Epoche zwischen Dekadenz und Aufbruchsstimmung und beleuchtet ihre Wurzeln in der polnischen Geschichte, Kultur und Natur ebenso wie die engen Verflechtungen mit dem europäischen Kunstgeschehen.

Gerd und Helga Plewigs Sammlung von Rindenmalereien aus Nordaustralien mit Werken vor allem aus den 1950er- bis 1970er-Jahren gilt gegenwärtig als die beste derartige Sammlung außerhalb Australiens. Sie beinhaltet Arbeiten aus dem Kimberley, Wadeye, den Tiwi Islands, Arnhem Land und Groote Eylandt von Künstlern wie Yirawala, Mawalan Marika und Mungurrawuy Yunupingu.

Im Dezember 1846 bezog der berühmte amerikanische Landschaftsmaler Thomas Cole (1801–1848) ein neues, selbstentworfenes Atelier in Catskill, nahe New York, voller Pläne für weitere Gemälde und Werkzyklen. Doch sein früher Tod verhinderte die Vollendung seiner künstlerischen Karriere.

Um 1500 tritt Lucas Cranach d. Ä. aus dem künstlerischen Nichts, und zwar in Wien. Der Band widmet sich ausführlich dieser ersten bekannten Schaffensperiode des Malers und stellt sämtliche in ihr entstandenen Werke vor, deren expressiver Stil sich markant von dem der höfisch-eleganten Arbeiten seiner Zeit in Wittenberg unterscheidet.

Zwischen 1933 und 1945 wurde das künstlerische Schaffen im Deutschen Reich nahezu vollständig durch den nationalsozialistischen Staat kontrolliert. Viele Künstlerinnen und Künstler emigrierten. Wie aber erging es denjenigen, die in Deutschland blieben? Unter welchen sozialen und wirtschaftlichen Bedingungen widmeten sie sich ihrer Kunst und welche Handlungsräume standen ihnen offen?

Im Mittelpunkt von René Myrhas (*1939) expressivem Œuvre stehen Landschaft und strenge kompositorische Raumperspektiven, die sich zu bühnenartigen Kulissen wandeln. Sie sind Szenerie für die Choreografie seiner Figuren. Myrha erprobt diese medienspezifisch, in Zeichnung, Öl, Acryl, Skulptur und Relief.

Der Band "Here, Now: Indigenous Arts of North America at the Denver Art Museum" präsentiert zweihundert herausragende Werke indigener Kunst aus dem Kunstmuseum Denver. Eine zeitgemäße Re-Interpretation der Sammlung ermöglicht neue Einblicke in das Schaffen historischer und zeitgenössischer indigener Künstlerinnen und Künstler Nordamerikas.

In der Wüste Kaliforniens fand Agnes Pelton (1881–1961) die Motive für ihre hochsymbolischen Gemälde und widmete sich über drei Jahrzehnte der Malerei spiritueller Abstraktion. Erstmals seit über 22 Jahren rückt die Publikation Pelton und ihr Werk in die Öffentlichkeit und untersucht ihren wichtigen künstlerischen Beitrag zur amerikanischen Moderne.

Katharina Grosse (*1961) gilt als eine der prägenden Malerinnen ihrer Generation, ihre farbgewaltigen Interventionen bestimmen maßgeblich den zeitgenössischen Kunstdiskurs. Mit großer Geste und Vitalität überschreiten ihre Werke räumliche wie gedankliche Grenzen und appellieren an eine neue Rezeptionskultur.

Charlotte Berend-Corinth (1880–1967) brillierte unabhängig von ihrer Position als Ehefrau und Modell von Lovis Corinth (1858–1925) als Künstlerin und gehörte neben Käthe Kollwitz zu den wenigen weiblichen Mitgliedern der Berliner Secession. Die bibliophile Monografie widmet sich dieser hochbegabten, erfolgreichen und zu Unrecht lange in Vergessenheit geratenen Künstlerin mit einer beeindruckenden Zusammenschau.

Das attraktiv gestaltete Werk dokumentiert das englische Programm des Hirmer Verlags von 2010 bis 2020. In dieser Zeitspanne erschienen unter dem Markennamen Hirmer Publishers insgesamt mehr als 500 englischsprachige Titel. Getreu dem Motto »Kunstbücher, die Maßstäbe setzen« steht der Verlag immer im Dienst der Kunst und ist der höchsten Qualität verpflichtet. Ein Buch über Büchermacher und Buchverkäufer, über Buchkunst und Kunst im ...

Florine Stettheimer (1871–1944), der hier erstmals eine umfassende Biografie gewidmet ist, zählt zu den wichtigsten und progressivsten Künstlerinnen im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts. Ihre Werke, darunter Multi-Media-Arbeiten, greifen früh Themen wie Feminismus, weibliche Sexualität sowie Identitätspolitik auf und sind wichtige Zeugnisse des glamourösen New Yorker Gesellschaftslebens zwischen den beiden Weltkriegen.

Der Schweizer Künstler Johannes Itten (1888–1967) war nicht nur ein wegweisender Kunsttheoretiker und prominenter Meister am Bauhaus, sondern er hinterließ auch ein umfangreiches und bis heute lediglich in Ausschnitten bekanntes, vielfältiges Werk. Die gesamte Bandbreite seines künstlerischen Œuvres wird in dem opulent bebilderten Werkverzeichnis umfassend erschlossen und gewürdigt.

Nicolás de Jesús (*1960) wurde mit seinen Radierungen bekannt, die schrille Skelett-Figuren bei der Arbeit, beim Feiern oder Überschreiten von Grenzen zeigen. Sein politisches Engagement stellt der Künstler auch in eindrucksvollen großformatigen Gemälden unter Beweis, die sich mit Themen wie Immigration, Menschenrechte oder Umweltzerstörung befassen.

Eine Geburtstagstorte besonderer Art: Die legendäre Candy Store Gallery hätte dieses Jahr ihr 60-jähriges Jubiläum feiern können.  Nun ist der Galerie ein ausführlicher Katalog gewidmet. Gründerin Adeliza McHugh verhalf der witzigen, unkonventionellen und respektlosen Kunst des California Central Valley zum Durchbruch in der amerikanischen und auch internationalen Kunstszene.

Zwischen Wüsten, Bergketten und Gewässern entwickelte sich im Iran eine faszinierende Kulturlandschaft. 360 Objekte aus der Zeit der ersten Hochkulturen des 3. Jahrtausends v. Chr. bis zum Ende des Safawidenreichs im frühen 18. Jahrhundert veranschaulichen die herausragende Bedeutung des Iran als Impulsgeber und Zentrum interkulturellen Austauschs.

Der Zen-Mönch Sesson Shūkei (ca. 1492–1577), dessen Werke in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts entstanden, nimmt in der Geschichte der japanischen Tuschemalerei einen einzigartigen Platz ein. In einer von Krieg und Aufruhr gezeichneten Zeit schuf er in unkonventionellem Stil berückend schöne Ansichten der wilden Landschaft im östlichen Japan.

Caspar David Friedrich und Alexander Andrejewitsch Iwanow sind die bedeutendsten Künstler der Romantik in ihren Heimatländern Deutschland und Russland. Im Zentrum des opulenten Buches stehen Nacht- und Mondscheinlandschaften, sehnsuchtsvolle Dresdenansichten und Italienbilder, Porträts oder liebevoll geschilderte Interieurs der beiden Meister und ihrer Zeitgenossen.

Historische Ereignisse und unser Wissen darüber prägen unser Verständnis der heutigen Welt. Die interdisziplinäre Autorenschaft dieses Bandes beschäftigt sich mit der Verbindung zwischen Vergangenheit und Zukunft. Die Ansätze und Themen der mutigen Publikation reichen von biografischen Erfahrungen, über intergenerationellen Austausch, bis hin zur Diskussion aktueller gesellschaftlicher Phänomene.

"Landscapes of Extraction" widmet sich der Bergbauindustrie des amerikanischen Westens als landschaftsverwandelnde Kraft, die in ihrer Erhabenheit, in ihren Farben und Formen mit den Motiven der natürlichen Umgebung wetteifert. Tagebau, Kohleminen und Ölfördertürme veränderten in kolossalem Maßstab die Landschaft,wie der eindrucksvolle Band zeigt.

Der Maler Hermann Stenner (1891–1914) gehört zu den herausragenden Talenten des 20. Jahrhunderts. Beeindruckend ist seine rasante künstlerische Entwicklung und eigenständige Bildsprache, zu der er in nur fünf Studien- und Schaffensjahren fand. Das erstaunlich umfangreiche Werk des im Ersten Weltkrieg früh gefallenen Künstlers gilt es heute neu zu entdecken.

Peter August Böckstiegel gilt als der bedeutendste westfälische Expressionist und zählt zu den wichtigen Vertretern der Klassischen Moderne. Gemälde voll expressiver Strahlkraft stehen in seinem Werk neben sensiblen Stimmungsbildern und ausdrucksstarken Plastiken – ein Künstler, der mit seinem hochspannenden Œuvre zu Recht seit Jahren immer stärker in den Fokus der Öffentlichkeit rückt.

Zum Ausklang der Zweihundertjahrfeier des amerikanischen Bundesstaates Missouri präsentiert "Art Along the Rivers" Kunst und Kunsthandwerk der Region um St. Louis. Beginnend mit der alten Mississippi-Kultur erwies sich die Gegend als Sammelbecken reicher künstlerischer Traditionen, die bis heute nachwirken und immer noch sehr lebendig sind.

Die Staatsgalerie Stuttgart setzt in ihrer neuen Sammlungspräsentation Werke aus der privaten Sammlung Scharpff-Striebich mit Arbeiten aus dem eigenen Bestand in einen Dialog. Aktuelle Positionen und Arbeiten seit den 1960er-Jahren, die durch den retrospektiven Blick neue Aktualität gewinnen, verdeutlichen die Komplexität und Widersprüchlichkeit unserer Gesellschaft.

Der in München lebende Videokünstler und Maler Udo Rein (*1960) beschäftigt sich in seinem Werk mit sozialen und kulturellen Kontrasten weltweit. Ausgehend von dokumentarischen Filmaufnahmen, baut seine Bildsprache auf fraktalen Konstruktionen und Dekonstruktionen auf, die er in Collagen aus Film Stills sowie Öl- und Acrylfarben auf Holzpanels übersetzt.

Die Klassische Moderne ist eine unerschöpfliche Inspirationsquelle für die nachfolgenden Künstlergenerationen. Das Katalogbuch wirft ein neues Licht auf das Verhältnis von moderner und zeitgenössischer Kunst durch die generations- und gattungsübergreifende Begegnung von Künstlerinnen und Künstlern aus zwei herausragenden Sammlungen.

Exzentrisch und humorvoll testet Phyllida Barlow (*1944) mit ihren monumentalen Skulpturen räumliche Grenzen aus und reflektiert unter Verwendung von Industrie- und Alltagsmaterialien die Beziehung zu unserer Umwelt. Mit eindrucksvollen Installationsaufnahmen und neuem Archivmaterial präsentiert der Band das einzigartige Schaffen Barlows von ihren frühen Arbeiten in den 1960er-Jahren bis heute.

Die Beschäftigung mit den Alten Meistern bildet in Picassos Spätwerk einen eindrucksvollen Schwerpunkt. Am Beginn dieses neuen Interesses steht die Werkserie "Les Femmes d’Alger", die 1955 in Paris, München, Köln und Hamburg zu sehen war und heute über mehrere Kontinente verstreut ist. Im Band ersteht sie im Kontext ihrer Vorbilder von Delacroix und Matisse wieder.

Mitreißende Gemälde, farbintensive Bildcollagen aus unzähligen Papierschnipseln, aufrüttelnde Fotocollagen – die Kunst von Tammam Azzam (*1980 in Damaskus) ist vielseitig, politisch und aktuell. Das Buch gibt einen umfassenden Überblick über das Œuvre des syrischen Künstlers und zeichnet seinen Werdegang über 20 Jahre nach.

Philip Grözingers Kunst entspringt der Beschäftigung mit zukunftsorientierten Visionen. Mit seiner ganz eigenen malerischen Handschrift nimmt er den Betrachter mit auf eine surreale Reise durch die Bildtraditionen der Pop-Kultur der letzten Jahrzehnte. Als Retrospektive lässt der Band einen umfassenden Blick auf das herausragende Œuvre zu.

In weniger als zwei Jahrzehnten hat Jacoba van Heemskerck (1876–1923) ein kraftvolles Œuvre geschaffen, das Gemälde, Holzschnitte, Glasarbeiten und Mosaike umfasst. Leuchtkraft und zunehmende Transparenz, rhythmische Kompositionen des Bildraums, schwarze Umrisslinien und ein intensiver Farbeinsatz charakterisieren ihre expressiven Landschafts-, Stadt- und Hafenmotive.

Seine letzten Lebensjahre, von 1917 bis 1938, verbrachte Ernst Ludwig Kirchner zur Erholung von einem psychischen Zusammenbruch in Davos. Unter dem überwältigenden Eindruck der Alpen schuf er farbgewaltige, visionäre Landschaften und malte den Alltag der Bauern. Anschaulich zeigt der Band die inspirierende Bedeutung der Bergwelt für Kirchners Spätwerk.

Personen zwischen Licht und Schatten, Liebe und Verzweiflung, Nähe und Distanz, Ruhe und Unruhe. Miwa Ogasawaras Malerei stellt den Versuch dar, sich dem Menschen in all seinen Schattierungen leise anzunähern. Mit ihren Bildern fängt sie dabei die brüchige, flirrende Gegenwart, die Schönheit und Zerbrechlichkeit unseres Daseins ein.

Kein anderes Bildthema wurde in der italienischen Kunst der Renaissance so oft dargestellt wie die Madonna mit Kind. Raffaels Bilder zählen noch heute – 500 Jahre nach seinem Tod – zu den innovativsten Kompositionen. Ihre bahnbrechende Bedeutung wird in diesem Band durch Vergleiche mit anderen Hauptwerken der Zeit, u.a. von Botticelli und Mantegna, erhellt.

Die Wiener Gewitterlandschaft mit Jupiter, Merkur, Philemon und Baucis gehört zu Peter Paul Rubens größten und dramatischsten Landschaftsbildern. Ausgehend von den tiefgreifenden Erkenntnissen der jüngsten Restaurierung gibt der Band einen umfassenden Einblick in den Entstehungsprozess dieses faszinierenden Bildes wie auch in seine kunsthistorische Deutung.   

Ruth Baumgarte (1923–2013) schuf während einer von radikalen Umbrüchen geprägten Zeit ein künstlerisches Lebenswerk, in dem der Mensch und dessen fragiles Dasein im Zentrum steht. Dieser Band stellt sie als passionierte Zeichnerin, vielseitige angewandte Grafikerin und expressive Malerin vor.

Der reich bebilderte Band erforscht die komplexen Bedeutungen und Auswirkungen eines Lebens in der Diaspora – zum Ausdruck gebracht in der Malerei. Die Zusammenschau zeigt die vielgestaltigen Perspektiven von zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstler aufgrund dieser gemeinsamen Erfahrung.

Die Sammlung Jablonka gilt als einer der profiliertesten der US-amerikanischen und deutschen Kunst der achtziger Jahre. Der Kunsthändler, Galerist und Kurator Rafael Jablonka (*1951) gibt mit diesem Katalog erstmalig einen Einblick in seine umfassende Sammlung, die sich vor allem Kunstschaffenden seiner eigenen Generation widmet.

Farb- und formgewaltig sind Helmut Sturms Gemälde, zugleich aber auch lyrisch zart und poetisch. Seine individuelle Bildsprache entwickelte er in Auseinandersetzung mit Kubismus und Informel sowie Künstlern wie Max Beckmann, Asger Jorn oder Willem de Kooning. Der Band würdigt eines der bedeutendsten Zeugnisse abstrakt-expressiver Malerei in Deutschland.

Wie kann man Farbe malen? Diese Frage stellt sich die Münchener Künstlerin Isabelle Dyckerhoff bei jedem Bild aufs Neue. Die materielle Präsenz von Farbe, ihre Ausdruckskraft und räumliche Wirkung sind charakteristisch für ihre Arbeiten auf Leinwand und Papier, die der bibliophile Band gemeinsam präsentiert.

Die private Kunstsammlung der Hilti Art Foundation umfasst über 200 Gemälde, Skulpturen und Fotografien feinster Qualität von der klassischen Moderne bis zur Gegenwart. Band 2 des zweiteiligen Sammlungskataloges präsentiert 120 ausgewählte Werke ab der Mitte des 20. Jahrhunderts bis heute, von Josef Albers bis Thomas Struth.

Der Bauhaus-Meister Johannes Itten gehört zu den prominenten Protagonisten der frühen Moderne in der Kunst des 20. Jahrhunderts. Wenig bekannt ist, wie sehr seine künstlerischen Anfänge mit der Landschafts- und Naturerfahrung in der Stadt Thun und dem Thuner See verbunden sind.

Seit mehr als zwanzig Jahren sammelt Heinz R. Böhme Kunstwerke der Verlorenen Generation. Im Mittelpunkt der Salzburger Privatsammlung steht die Würdigung von mehr als achtzig Künstlerinnen und Künstlern, die unter dem nationalsozialistischen Regime massive Einschränkungen ihres Schaffens erlitten.

Für Paul Klee waren die Eindrücke, die er 1914 auf seiner Tunisreise, insbesondere in der Stadt Kairuan, sammelte, fundamental: »ich und die Farbe sind eins. Ich bin Maler«. Wenige Jahre später stellte 1921 Wilhelm Hausenstein seinen Freund Paul Klee ins Zentrum des Buches Kairuan und war damit einer der ersten, die das Genie des Künstlers erkannten.  

Elvira Lantenhammers Gemälde sind Farbereignisse, die ganz wesentlich auf Farbintensität beruhen. Die Farbwahl und ihr Auftrag erfolgen intuitiv in einem Erspüren der Farbwirkungen und ihres Zusammenspiels, bezogen auf einen bestimmten Ort. Der Begriff Lageplan, unter dem sich die abstrakten Werke subsummieren, wirkt dabei als offenes Aktionsraster, das den Farben neue Räume erobert.

Die Elemente von Astrid Lowacks (*1969) fotografisch-künstlerischer Transzendenz sind Licht, Wasser und Bewegung. Als Motoren des Lebens bewirken sie unaufhaltsam Veränderungen und reflektieren dabei unser Innerstes – unsere Gefühle und Erfahrungen. Ihre Momentaufnahmen sind dabei stete Herausforderungen der menschlichen Wahrnehmung.

Im Jahr 2020 feiert der international bekannte Schweizer Künstler Franz Gertsch seinen 90. Geburtstag. Die Graphische Sammlung ETH  Zürich – dem Künstler seit Langem verbunden und einer der wichtigsten Vermittlungsorte seines druckgrafischen Werks – nimmt dieses Ereignis zum Anlass für eine Ausstellung und bibliophile Jubiläumspublikation.

Kurt Schwitters (1887–1948) zählt als bildender Künstler wie als Autor zu den einflussreichsten Protagonisten der Avantgarde. Mit seiner Utopie des »Merz-Gesamtweltbildes« zielte er auf die »Vereinigung von Kunst und Nichtkunst«. Die Montage- und Materialkunst erlebte mit ihm einen ersten Höhepunkt, sein »Merzbau« gilt als Vorläufer heutiger Installationen.

Der international renommierte Maler und Performancekünstler Helmut Schober (* 1947) beschäftigt sich seit rund 40 Jahren mit dem Wasserstrudel, dem Vortex, und seinen kulturübergreifenden Inhalten. Über die Jahrzehnte blieb der Wirbel eine Konstante in seinem Œuvre, getragen von seinen Hauptanliegen, Licht, Zeit, Raum und Kosmos erfassbar zu machen.

Sie gilt als die wichtigste georgische Künstlerin des 20. Jahrhunderts: Natela Iankoshvili, 1918 in Tiflis geboren, verbrachte ihr ganzes Leben in Georgien. Gekrönt wurde die Laufbahn der vielfach ausgezeichneten Malerin im Jahr 2000 mit der Eröffnung ihres eigenen Museums in der Landeshauptstadt, dem sie über eintausend Stücke ihres unkonventionellen Werkes überließ.

Die private Kunstsammlung der Hilti Art Foundation umfasst über 200 Gemälde, Skulpturen und Fotografien feinster Qualität von der Klassischen Moderne bis zur Gegenwart. Band 1 des zweiteiligen Sammlungskataloges präsentiert 80 ausgewählte Werke vom späten 19. Jahrhundert bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts, von Paul Gauguin bis Alberto Giacometti.

Die in der Publikation zum Teil erstmals veröffentlichten Schriften verfasste der gefeierte palästinensische Maler und Theoretiker Kamal Boullata in mehr als vier Jahrzehnten im Exil in Europa, Nordafrika und in den USA. Sie erforschen die Schnittstellen von Ästhetik, Geschichte und Politik, die zentral sind für die historische Darstellung der modernen arabischen Kunst.

Kamal Boullata war ein palästinensischer Maler und Autor. Die Publikation reproduziert eine Auswahl seiner Malerei und versammelt erstmalig in einem Band relevante Essays führender Kunstexperten über sein Werk. Sie diskutieren Themen wie Kunst und Exil, Moderne und Tradition und eröffnen somit seltene Einblicke in die zeitgenössische Kunst jenseits des westlichen Kanons.

Inwiefern verbindet sich noch heute mit dem Begriff der Ikone kultische Verehrung und die Idee des Übersinnlichen? Dieser Frage geht der Ausstellungskatalog der Kunsthalle Bremen nach. Gerade in der spirituellen Präsenz und auratischen Kraft vieler moderner und zeitgenössischer Kunstwerke wirken Qualitäten der traditionellen Ikone nach. Das Buch präsentiert Meisterwerke, die auf ihre je eigene Art Aspekte der Spiritualität und Andacht ausdrücken.

Wilhelm Leibl (1844–1900) zählt zu den bedeutendsten Porträtisten und wichtigsten Vertretern des Realismus in Europa. Mit großformatigen Abbildungen von 40 Gemälden und 60 Zeichnungen begleitet der Band die erste in der Schweiz und Österreich gezeigte umfassende Museumsausstellung, die auf Bildnisse und Figurendarstellungen fokussiert.

MAKING VAN GOGH nimmt das Œuvre Vincent van Goghs im Kontext seiner Rezeption in den Blick. Der Band thematisiert die besondere Rolle, die deutsche Galeristen, Sammler, Kritiker und Museen für seine Erfolgsgeschichte spielten. Zugleich wird auch die Bedeutung van  Goghs als Vorbild für die Kunst des Expressionismus beleuchtet.

Heinz Mack ist einer der prägenden Künstler unserer Zeit. Für die seit der Nachkriegszeit essenzielle Frage einer neuen Konzeption der Kunst leistete er einen wegweisenden Beitrag. Der Band bietet erstmals eine monografische Gesamtsicht auf Macks Kunstphilosophie und facettenreiches Œuvre: von ZERO über das legendäre Sahara-Projekt und die Lichtkunst bis hin zu den jüngsten Gemälden.

Die Gemälde und Zeichnungen von Michele Melillo (*1977) bestechen durch Leichtigkeit und Farbharmonie. Die umfassende Künstlermonografie reproduziert – begleitet von einem aufschlussreichen Essay von Veit Ziegelmaier – erstmalig Arbeiten aus allen Werkzyklen des jungen deutschen Malers und Zeichners.

Die New York University besitzt mit der Abby Weed Grey Collection eine weltweit einzigartige Sammlung an Kunstwerken des Modernismus aus dem Iran, der Türkei und Indien. Das Buch zeigt mit Gemälden, Skulpturen, Zeichnungen und Drucken ausgewählte Highlights der 1960er-­ und frühen 70er-­Jahre. Kulturübergreifende Essays und biografische Ausführungen zu jedem Künstler runden den Band ab.

In den letzten fünf Jahrzehnten ist die Popularität von Art Brut und Laienkunst exponentiell gestiegen und die jenseits des etablierten Kunstbetriebs entstandenen Werke haben Einzug in Museen und Galerien gehalten. Der Band stellt in separater Betrachtung 40 Outsider anhand ausgesuchter Werke aus der Victor F. Keen Sammlung vor.

Faszinierende Persönlichkeit, beispielhafter Selfmademan: Franz Hauer avanciert gleichsam aus dem Nichts zu einem herausragenden Kunstsammler. Mit untrüglichem Gespür trägt er Werke etlicher namhafter Künstler zusammen. Der aufwendig bebilderte Band porträtiert Hauer und rekonstruiert erstmals seine bedeutende Sammlung, die nach seinem Tod auseinandergerissen wird.

Um 1960 fertigt Hermann Nitsch seine allerersten Schüttbilder. Bei dieser Form der Aktionsmalerei geht es dem Künstler vorrangig um die Substanz der Farbe, die er von Malaktion zu Malaktion erforscht. Der Band präsentiert diese Entwicklung seines malerischen Œuvres von den frühen 1960er-Jahren bis heute.

Das Gemälde „Straße in Paris, Regenwetter“ von Gustave Caillebotte (1848–1894) ist eine Ikone des Impressionismus. Der vorliegende Band präsentiert es im Kontext von Caillebottes innovativem künstlerischem Schaffen, stellt ihn als Motor für die Etablierung des Impressionismus vor und erzählt vom intensiven Austausch mit seinen Künstlerkollegen.

Ein Meister der Farben und ...

Ausgehend von den umfangreichen Beständen des Brücke-Museums wird die Alltagsrealität der Künstler im Nationalsozialismus umfassend thematisiert. Dabei werden die Maßnahmen der NS-Kunstpolitik gegen die ehemaligen Brücke-Mitglieder ebenso beleuchtet wie die unmittelbaren Auswirkungen auf ihr künstlerisches Schaffen und das Selbstverständnis der Maler im Kontext dieser Zeit.

Der Band fächert die Entwicklung des Kubismus von 1908 bis 1919 auf. Er vermittelt dessen enorme stilistische Spannweite ebenso wie sein revolutionäres Potenzial für die weitere Kunst des 20. Jahrhunderts. Wie Vertreter der Avantgarde sich die kubistische Bildsprache aneignen und diese wandeln, stellt er entsprechend als Teil der kubistischen Geschichte vor.

Der Schweizer Künstler Johannes Itten (1888–1967) war nicht nur ein wegweisender Kunsttheoretiker und prominenter Meister am Bauhaus, sondern er hinterließ auch ein umfangreiches und bis heute lediglich in Ausschnitten bekanntes, vielfältiges Werk. Die gesamte Bandbreite seines künstlerischen Œuvres wird in dem opulent bebilderten Werkverzeichnis umfassend erschlossen und gewürdigt.

Wilhelm Kuhnert war ein Pionier. Als einer der ersten europäischen Künstler zog es ihn in die nahezu unerforschten Savannen und Urwälder der deutschen Kolonien in Nord- und Ostafrika. Unter abenteuerlichen Bedingungen dokumentierte er lebensnah die faszinierende Tier- und Pflanzenwelt und schuf in seinem Berliner Atelier monumentale Gemälde, die auf dem Kunstmarkt heiß begehrt waren.

LIBRE DHC/ART gibt die Geschichte einer unvergleichlichen Stiftung für zeitgenössische Kunst wieder. An ihrem Standort in Montreal engagiert sich DHC/ART für die Ermöglichung intensiver Erfahrungen mit zeitgenössischer Kunst. Das von der Kritik hochgelobte Ausstellungsprogramm präsentiert namhafte internationale Künstler.

LIBRE DHC/ART gibt die ...

Erhabene und magische Landschaften, die weiche Schönheit von Blumenfeldern, die raue Kälte des Winters: Harald Sohlberg verband in seinen Werken eine romantische Naturwahrnehmung mit einer zeitgenössischen, dem Symbolismus nahestehenden Bildsprache. Der Band versammelt etwa 60 Gemälde sowie Zeichnungen, Drucke und Fotografien des Künstlers und gewährt über seine Korrespondenz Einblicke in seine Gedankenwelt.

Erhabene und magische Landschaften, die weiche Schönheit von Blumenfeldern, die raue Kälte des Winters: Harald Sohlberg verband in seinen Werken eine romantische Naturwahrnehmung mit einer zeitgenössischen, dem Symbolismus nahestehenden Bildsprache. Der Band versammelt etwa 60 Gemälde sowie Zeichnungen, Drucke und Fotografien des Künstlers und gewährt über seine Korrespondenz Einblicke in seine Gedankenwelt.

Die europäische Geschichte und Kultur wurden maßgeblich durch die Erschließung und Nutzung der Europa umgebenden Meere geprägt. Das Katalogbuch spiegelt die Bedeutung des Meeres als Herrschafts- und Handelsraum der Europäer, als Brücke und Grenze, als Ressource und als Sehnsuchtsort wider. Zudem reflektiert es die sich wandelnde Wahrnehmung des Meeres in der Kunst.

Vollkommen eingefügt in die Natur des Kärntner Landes ist das Museum Liaunig gleichermaßen zurückhaltend und spektakulär. Als herausragendes Beispiel zeitgenössischer Museumsarchitektur (Architektenteam »querkraft«) hat es Räume geschaffen für die Sammlungen Liaunig. In deren Zentrum steht die österreichische Kunst von der Nachkriegszeit bis in die Gegenwart.

Ein wichtiger Aspekt in dem künstlerischen Schaffen dreier Impressionisten, die zeitweise eng zusammenarbeiteten, rückt erstmals in den Fokus der Betrachtung. Mary Cassatt, Edgar Degas und Camille Pissarro beflügelten sich gegenseitig zu kühnen und bahnbrechenden Druckgrafiken, die auch ihr malerisches Werk inspirierten.

Das Jahr 1918 markiert das Ende einer großen Ära: Es ist das Todesjahr von Gustav Klimt, Egon Schiele, Koloman Moser und Otto Wagner. Das Kunstgeschehen hatte sich jedoch schon früher von deren Einfluss gelöst. Von politischen Umbrüchen kaum berührt entfaltet sich in den Nachfolgestaaten der Donaumonarchie ein reges Kunstschaffen, geleitet vom Wunsch nach Aufbruch.  

Gerhard Berger (*1933) hat in den Jahrzehnten seiner künstlerischen Arbeit zu einer eigenen, markanten Bildsprache gefunden. Seine zwischen figurativer und abstrakter Malerei wechselnde Darstellung des Menschen hat ihre Wurzeln in den großen Mythen der Menschheitsgeschichte ebenso wie in den religiösen Bildvorstellungen der Weltkulturen.

Mit pionierhaftem Weitblick und Gespür für Kunst gelang dem Sammler Rudolf Leopold (1925–2010) in der historischen Epoche des Neubeginns ab den 1950er-Jahren etwas, das nur wenigen Vertretern dieser Gilde geglückt ist: der Aufbau einer ästhetisch anspruchsvollen wie kunsthistorisch relevanten Großsammlung von internationalem Ruf.

In der Nachfolge des britischen Sozialphilosophen und Malers John Ruskin, der bereits im 19. Jahrhundert in der zunehmenden Industrialisierung die Gefahr einer Verkümmerung sowohl menschlicher Tugenden als auch künstlerischer Schaffenskraft sah, haben sich 52 zeitgenössische Künstler zusammengefunden, um angesichts der Zerstörung der Natur deren Schönheit und Schrecken neu zu benennen.

Im frühen 19. Jahrhundert begeisterten sich Künstler für das innovative Medium der Lithographie, die ihnen ganz neue gestalterische Möglichkeiten bot. Die Highlights der hochkarätigen Sammlung des Zimmerli Art Museums, die frühe Lithografien aus Paris bis zu ikonischen Farbplakaten umfasst, erzählen mit brillanten Abbildungen eines der spannendsten Kapitel der Kunstgeschichte.

Die amerikanische Künstlerin Barbara Hammer (geb. 1939) gilt als eine der Pionierinnen des homosexuellen Dokumentar- und Experimentalfilms, ihre Arbeiten zählen zu den frühesten und umfangreichsten Darstellungen lesbischer Identität, Liebe und Sexualität. Darüber hinaus hat sich die Künstlerin mit weiteren Genres beschäftigt, die erstmals umfassend dokumentiert werden.

Frühe Gemälde des Malers Claude Monet läuteten den Impressionismus ein, doch wie verhält es sich mit den frühen Wegbereitern dieser Stilrichtung? Eine exquisite Auswahl von Gemälden des 19. Jahrhunderts veranschaulicht die Entwicklung der französischen Kunst von den Romantikern über die Schule von Barbizon und dem Künstlerkreis Honfleur bis zu den Impressionisten Monet, Pissarro und Renoir.

Der reich bebilderte Band blickt von beiden Seiten des Atlantiks auf 80 Jahre Fotografie aus Chicago. Am New Bauhaus und späteren Institute of Design vermittelten Lehrer wie László Moholy-Nagy, György Kepes, gefolgt von Arthur Siegel, Harry Callahan und Aaron Siskind einen freien Umgang mit dem Medium, der Generationen von Fotografen prägte.

In der Gegenüberstellung sogenannter »Salonmaler« und »Erneuerern der Malerei« bietet der Band einen differenzierten Blick auf die kontroversen Stilrichtungen in der französischen Malerei zwischen 1820 und 1880 sowie auf die Entwicklungen innerhalb der traditionellen Bildgattungen.

Otto Dix, Franz Marc, Emil Nolde, Paul Cézanne, Wassily Kandinsky oder Claude Monet – als über 1000 Kunstwerke herausragender Künstler der Moderne 2012 auftauchten, wurde dies als Sensationsfund gefeiert, doch auch der Verdacht auf NS-Raubkunst stand im Raum. Das Begleitbuch zu den Ausstellungen der Bundeskunsthalle und des Kunstmuseums Bern und anschließend im Martin-Gropius-Bau Berlin dokumentiert erstmals eine Auswahl von Werken aus dem Nachlass des ...

Rivera, Kahlo, Tamayo, Covarrubias, Weston, Modotti, Álvarez Bravo, Spratling – Namen, die eng verbunden sind mit der international gefeierten amerikanisch-mexikanischen Kunst-, Fotografie- und Designszene der 1920er und 30er Jahre. Opulent bebildert spürt die Publikation dem dynamischen kulturellen Austausch nach, der für beide Seiten prägend war.

Der 300. Geburtstag der Monarchin Maria Theresia bietet den Anlass, ihr besonderes Interesse an der bildenden Kunst zu beleuchten. Auf Einladung der Reformerin hin fand eine Vielzahl an Malern, Bildhauern und anderen Künstlern aus dem In- und Ausland ein reiches Betätigungsfeld vor. Dementsprechend prägt diese Epoche die Länder der ehemaligen Habsburgermonarchie bis heute.

Die Bilder von Alice Teichert sind bekannt für ihre unendliche Tiefe und einzigartige Leuchtkraft, ihre visuelle Poesie, für ihre Vielschichtigkeit und die Nähe zur Musik. Mit Linien, Formen und Farben lässt sie eine neue Welt entstehen, die sich dem Betrachter erst erschließt, wenn er aufhört „entziffern“ zu wollen.  

Gerhard Richter (*1932) ist eine Ausnahmeerscheinung – nicht weil seine Bilder weltbekannt sind, sondern weil er der Malerei neue Wege gewiesen hat. Seine Kunst bewegt sich souverän zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit, Sinnlichkeit und Verweigerung – Ambivalenzen, die sich schon im Frühwerk des Künstlers zeigen.

»Kann es in Sachen deutscher Expressionismus noch Überraschungen geben?«, fragt der Schriftsteller Michael Kumpfmüller. Ja, kann es, beweist dieser bibliophile Band, der mit selten gezeigten Bildern und Texten berühmter Autoren zu einem kurzweiligen wie inspirierenden Spaziergang durch die Welt des Expressionismus einlädt.  

Anlässlich des 500. Reformationsjubiläums lädt der opulente Band zu einer Reise durch die Welt und die Zeit ein, die sich über fünf Jahrhunderte und über vier Kontinente erstreckt: Die globale Vielfalt und Wirkungsgeschichte, aber auch die Konfliktpotenziale des Protestantismus zwischen den Kulturen werden umfassend vorgestellt.  

Ernst Ludwig Kirchners Umzug von Dresden nach Berlin im Jahr 1911 markiert einen Wendepunkt in seiner Kunst. In den Jahren von 1912 bis 1915 schuf der Künstler unter dem Eindruck dieser modernsten Großstadt Europas Werke, die in ihrer übersteigerten und verdichteten Art als eigentliche Metaphern für das Lebensgefühl des beginnenden 20. Jahrhunderts gelten können.

Die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen genießen Weltruhm. Jahr für Jahr strömen Besucher aus allen Ländern in die Pinakotheken Münchens. Doch wissen die Wenigsten, dass sich der hochkarätige Bestand dieser einzigartigen Sammlung weit über die Stadt hinaus erstreckt. Dieser attraktive Band führt nun erstmals durch alle 19 Galerien der Staatsgemäldesammlungen in Bayern.

Die US-Künstlerin Sherrie Levine verwirklicht in ihren Werken die künstlerische Praxis der Aneignung, Wiederholung und Variation vorgängiger bekannter Kunstwerke. Gleichzeitig schafft sie dabei ein eigenes Œuvre, indem sie über die Kopie hinaus die Werke konzeptuell und mit historischen Versatzstücken weiterentwickelt und dem Betrachter zur Wiedervorlage reicht.

Hans Hofmann, Hauptvertreter des Abstrakten Expressionismus und der amerikanischen Moderne des 20. Jahrhunderts mit europäischen Wurzeln, prägte die Entwicklung der modernen Kunst in Amerika als Kunstlehrer auf grundlegende Weise. Seine starkfarbigen Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen können nun in einer europäischen Retrospektive entdeckt werden.

Der Band beleuchtet die Entwicklung der mitteleuropäischen Kunst von 1830 bis 1860 – eine Zeitspanne, die noch im Biedermeier beginnt, aber weit über diese Epoche hinausreicht. Anhand einer Auswahl repräsentativer Werke zeigt sich, wie sich die Kunst dieser Zeit eigenständig herausbildete und nicht an die historische Epoche Biedermeier gebunden war.

Welchen Ort, welche Relevanz und welche Realität haben gemalte Bilder? Um diese Frage kreisen die kühlen, meist menschenleeren Bildkonstruktionen des international beachteten Malers Thomas Huber. In akribisch komponierten, surreal anmutenden Szenarien entsteht eine Welt paradoxer Kombinationen und Spiegelungen, die die Wirklichkeit herausfordert.

Das Kunstmuseum Bern besitzt eine der bedeutendsten Kunstsammlungen der Schweiz. Seit der Gründung der Staatlichen Kunstsammlung in Bern 1809 und der Eröffnung des ersten Museumsbaus 1879 ist die Sammlung stets gewachsen und hat Weltruf erreicht. Durch neue kunsthistorische Analysen und zahlreiche Farbabbildungen werden zum ersten Mal über 170 Meisterwerke der Sammlung in einer Publikation vereint und einem breiten Publikum zugänglich gemacht.  

Bilder von poetischer Kraft und Lebensfreude, in Malschichten versteckte Schriftzeichen oder auch Wortsilben und Zahlen: Wie kaum eine Künstlerin regt Maria Beykirch mit ihren Zeichnungen und ihrer Malerei die Fantasie an und lässt im Auge des Betrachters und in seinem Kopf immer wieder neue Vorstellungswelten entstehen.

Apokalypse, Stadt, Krieg, Religion, Porträt, Exil und existentielle Erschütterung – Ludwig Meidner (1884–1966) zählt zu den herausragenden Künstlern des deutschen Expressionismus, der in seinem bildnerischen wie literarischen Werk mit seismographischem Gespür die Erschütterungen seiner Zeit erfasste.

Das Museum für Lackkunst besitzt die außerhalb Russlands wohl bedeutendste Sammlung russischer Lackarbeiten. Sie datieren aus dem frühen 19. bis in die fünfziger Jahre des 20. Jahrhunderts und dokumentieren lückenlos die Entwicklung eines blühenden Kunst- und Gewerbezweigs.

Kaum ein anderer Künstler versinnbildlicht mehr die deutsch-französische Freundschaft, gleichsam als lebendes Symbol, als Werner Reinisch. Seit über 50 Jahren komponiert er in Frankreich in der Region Ardèche seine expressiven Werke und lässt sich dabei von Licht und Umgebung inspirieren. Die umfassende Monografie ist zugleich Dokumentation und Ehrung des Künstlers und seines Œuvres.   

Die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen genießen Weltruhm. Jahr für Jahr strömen Besucher aus allen Ländern in die Pinakotheken Münchens. Doch wissen die Wenigsten, dass sich der hochkarätige Bestand dieser einzigartigen Sammlung weit über die Stadt hinaus erstreckt. Dieser attraktive Band führt nun erstmals durch alle 19 Galerien der Staatsgemäldesammlungen in Bayern.

Peter Schermuly (1927–2007) schuf Werke einer kunstvollen Realität, deren minutiös erfaßte Gegenständlichkeit die Erscheinungsform reiner Malerei ist. Dieser catalogue raisonné macht das Gesamtwerk seiner Ölbilder und -skizzen sowie der Wandgestaltungen zugänglich und präsentiert eine Kunst, die sich gegen alle Trends ihre eigenen Freiräume verschafft hat.

Das Museum Wiesbaden ist eines von drei bedeutenden hessischen Landesmuseen und bewahrt hochrangige Sammlungen zu Kunst und Natur. Die Kunstsammlungen des Hauses, die vom Mittelalter bis in die Gegenwartskunst – mit einem Schwerpunkt vom 19. bis 21. Jahrhundert – reichen, werden nun erstmals prächtig bebildert vorgestellt.

Gerhard Richter traf 1970 in München auf Brigid Berlin alias Brigid Polk, Andy Warhols legendäre Muse und Enfant terrible der New Yorker High Society. Aus dieser Begegnung heraus entstand Richters bedeutende Serie »Brigid Polk« nach Polaroid- Selbstbildnissen der exzentrischen Künstlerin – ein Dialog zwischen Amerika und Europa, Fotografie und Malerei, Künstler und Muse.

Am 31. Mai 2015 wäre Bernard Schultze einhundert Jahre alt geworden. Anlässlich dieses Jubiläums würdigt der Band mit rund achtzig Werken das umfangreiche Schaffen eines der wichtigsten Vertreter des Informel.

Seit einigen Jahren erfährt die Malerei in der Kunstmetropole New York eine fulminante Renaissance, getragen von einer Künstlergeneration, die sich nicht mehr vorschreiben lässt, was künstlerisch zu tun oder zu lassen ist. Elf Positionen zeigen in diesem Band die Aktualität und Vielfältigkeit einer lange totgesagten Gattung.

Zitrusfrüchte und leere Austernschalen, Hühnereier mit Haltbarkeitsstempel oder verharrende Akte in leerem Raum: Inspiriert von der Malerei des 17. Jahrhunderts überführt Pavel Feinstein Künstlertraditionen in die Gegenwart, spielt mit den Wahrnehmungen des Betrachters und verwischt bisweilen die Grenzen zwischen Maler und Modell.

Der in Leipzig geborene Künstler Herbert Beck (1920–2010) ist für seine ungewöhnlich großformatigen Aquarelle bekannt. Zeitgleich schuf er aber auch zahlreiche kleine Aquarellarbeiten, die er selbst als »Miniaturen« bezeichnete. Eine reiche Auswahl dieser Meisterstücke wird erstmals präsentiert und entführt in die poetische, von Expressionismus und Surrealismus inspirierte Bildwelt des Malers.

Herbert Nauderer nimmt den Betrachter seiner Werke mit in eine Parallelwelt. Die Zeichnungen, Collagen und Bildbearbeitungen seines Zykluses »Mausmannsland« fügen sich zu düsteren Traumsequenzen zusammen. Verbindende Figur ist dabei der »Mausmann« - eine schwarz maskierte Figur deren bedrohliche Silhouette an Micky Maus erinnert.

Das farbstarke, expressive Werk Rita De Muyncks zieht den Betrachter in eine eigenständige künstlerische Erlebniswelt. Träume und Synästhesien finden ihren sinnlichen Ausdruck in großformatiger figurativer Malerei und pointierten Tag- & Nachtzeichnungen. Der aufwändig bebilderte Band präsentiert Arbeiten von 1998 bis 2013 sowie literarische, wissenschaftliche und persönliche Beiträge.

Sein virtuoser Umgang mit der Farbe und die unvergleichliche Ausdrucksstärke seiner Gemälde, Aquarelle und Ungemalten Bilder beglücken sein Publikum immer wieder aufs Neue und garantieren jeder seiner Ausstellungen größte Resonanz. Emil Nolde gehört zu den wichtigsten Protagonisten des Expressionismus und gilt als einer der zentralen Wegbereiter der Moderne. In enger Zusammenarbeit mit der Nolde Stiftung Seebüll widmet sich der neueste Band der Jungen ...

Für Grafiker, Designer und Kunsthandwerker sind die Vorlageblätter mit ihrem überwältigendem Formenreichtum eine unerschöpfliche Quelle. Sammlern und Kunsthistorikern ermöglichen sie, Werke zu datieren und Stile einzuordnen. Mit dieser erlesenen Selektion aus dem berühmten, bisher vergriffenen Standardwerk von Rudolf Berliner kehrt eine bibliophile Kostbarkeit ersten Ranges auf den Buchmarkt zurück.

Kunstsammlerin Anna Lenz hat mit den Lebenspartnerinnen von berühmten Malern und Bildhauern wie Günther Uecker, Heinz Mack und Otto Piene gesprochen, die in die Kunstgeschichte eingegangen sind. Sie dagegen treten nur selten in Erscheinung. Dabei haben die Frauen der Künstler oft einen großen Anteil an ihrem Erfolg. Der Hirmer Verlag veröffentlicht in dem Buch „Starke Frauen für die Kunst" 20 spannende Interviews. Darin geben die Frauen Einblick in ihr ...

Die Malerin Verena Landau (*1965), die bei Arno Rink und Neo Rauch an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig studiert hat, zählt zur Neuen Leipziger Schule. Nun erscheint erstmals eine umfassende Publikation Ihres Schaffens aus der Zeit von 1999 bis 2013.

Uta Reinhardt malt stille Bilder. Ihre Motive sind Figuren, Tiere und Alltagsgegenstände. Oft erschließen sich die dargestellten Themen nicht auf den ersten Blick. Einige Kompositionen scheinen wie hinter einem zarten Schleier oder im Dunst verborgen. Andere Darstellungen wirken höchst rätselhaft. Mit tastendem Blick muss der Betrachter die Inhalte der Werke erkunden. In zarten Farben gehalten, begeistern die Bilder durch ihre Farbharmonien in Altrosa-, Lila-, Beige- und Grüntönen – ein Fest ...

Benjamin Katz beobachtet seit vielen Jahren seinen Freund Georg Baselitz bei der Arbeit. Immer mit dabei: seine Kamera. Der Hirmer Verlag hat zum 75. Geburtstag des Künstlers den Fotoband »Baselitz at Work« herausgebracht. Dieser präsentiert die einzigartigen Bilder und gibt einen sehr privaten Einblick in die Arbeitsweise des Künstlers.

Blumen und Pilze: Leicht laufen ihre Darstellungen Gefahr, dem Trivialen zugeordnet zu werden. Umso faszinierender, dass moderne Künstler von Andy Warhol bis Robert Mapplethorpe Blumen und Pilze wiederentdecken. Sie greifen das Motiv auf und geben ihm neue Bedeutungen. Der Katalog »Flowers & Mushrooms« zur gleichnamigen Ausstellung zeigt die eindrucksvollen Facetten moderner Blumen- und Pilz-Darstellungen und ordnet die Werke thematisch ein.

Benjamin Katz fotografiert Gerhard Richter seit 30 Jahren in seinem Atelier. Richter gehört zu den bedeutendsten Künstlern der Gegenwart. Seine monumentalen abstrakten und fotorealistischen Werke zeigen die großen Museen der Welt. Die Aufnahmen des Fotokünstlers Katz geben erstmals Einblick in Richters Arbeitsweise, seine künstlerischen und gedanklichen Prozesse. 80 eindrucksvolle Schwarz-Weiß-Fotos sind jetzt in einem Katalog im Hirmer Verlag erschienen.

Nicola und Giovanni Pisano – Vater und Sohn – sind die bedeutendsten Bildhauer der italienischen Gotik. Ihre Kanzeln (1260–1311) in Pisa, Siena und Pistoia, die heute noch jeden Betrachter in Staunen versetzen, sind Meisterwerke der europäischen Skulptur.

Der US-Amerikaner William MacKendree malte, zeichnete und formte bereits als Kind: Er bannte die Gegenstände seiner Umgebung auf Papier oder bildete sie in Lehm nach. Inzwischen sind die Kunstwerke des in Paris lebenden Malers in unterschiedlichsten Sammlungen vertreten. Seine kraftvollen, großformatigen Bilder zeigen meist Alltagsgegenstände – William MacKendree malt, was er sieht. Der Bildband »Vinyl Vocabulary« bietet einen einmaligen Überblick ...

Auf der Suche nach traditioneller europäischer Malerei kam die Koreanerin SEO vor über zehn Jahren nach Berlin, blieb und wurde Meisterschülerin von Georg Baselitz. Heute sind die Werke der international bekannten Künstlerin in vielen der bedeutendsten Museen und Sammlungen vertreten, etwa im MoMA und im Guggenheim Museum, New York.

Berühmt ist der französische Maler Cabanel für seine Geburt der Venus, die Poster, Kunstdrucke, Puzzles oder Taschen gleichermaßen ziert. Erstmals kann die exquisite Feinmalerei seines Schaffens in Deutschland nun umfassend kennengelernt werden.

Der Band zeichnet mit grundlegenden Essays zu Camille Corot (1796–1875) als Figurenmaler den eigenwilligen Weg eines großen Künstlers bis an die Schwelle der Moderne facettenreich nach und veranschaulicht anhand von etwa 30 ausführlich kommentierten Werkbeispielen die Traditionen, aus denen heraus er seinen Standort entwickelt hat.

Eines der berühmtesten Museen der Welt, die Uffizien in Florenz, präsentierte im Herbst 2011 die neuesten Werke von Francesco Clemente. 78 Tarotkarten, teils prominent besetzt: Salman Rushdie, Scarlett Johansson und andere Berühmtheiten blicken den Betrachter aus den Bildern an. Ergänzend schuf der Maler eine Serie von Selbstporträts in Gestalt der zwölf Apostel. Der Band »Francesco Clemente – The Tarots« bildet diese Werke erstmals ...

Anton Romakos »Tegetthoff in der Seeschlacht bei Lissa« wird heute als visionäres Werk gefeiert und gehört zum Kanon der europäischen Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts. Das reich bebilderte Buch zeichnet die Entstehung des Bildes nach und stellt es in den historischen, militärgeschichtlichen und künstlerischen Kontext der Zeit.

Im Jahr der Fußball-Weltmeisterschaft in Südafrika tritt die kulturelle Entwicklung des Landes mit einer Ausstellung internationaler zeitgenössischer Kunst in Berlin in den Blickpunkt. Die Präsentation von rund fünfzig Arbeiten umfasst neben Installationen, Objekten und Konzeptkunst auch Fotografie und Videokunst.

Michael Triegel (*1968) is among the most important representatives of the New Leipzig School. Along with landscape sketches, still lifes and portraits, it is principally mythological and religious subjects that bear witness to his very individual, multi-faceted idiom in the style of the great masters of the Italian Renaissance.

Die fotonahe Malerei des Leipziger Künstlers Aris Kalaizis beflügelt die Vorstellungskraft des Betrachters und entführt ihn an imaginäre Orte, deren rätselhafte Geschichten es zu entschlüsseln gilt. Mit virtuoser Genauigkeit entwirft er Szenarien, deren Stimmung weit in das Unterbewusste des Betrachters eindringt.

Mainly active from 1480 to 1490 in Haarlem, Geertgen tot Sint Jans is considered the first of the major painters of the northern Netherlands. This publication examines the recently restored Winterthur panel, formerly attributed to Geertgen, in juxtaposition with his paintings depicting the biblical “Adoration” scene.

Die Bilder von Julia Avramidis sind nie abschließend erklärbar, es gibt keine einfache Auflösbarkeit für ihre Rätsel und Geheimnisse. Schnell hingeworfen anmutend lassen die Collagen – bei aller Abstraktion des Gegenständlichen – in der Tiefe Leben erkennen, verborgen unter den Schichten der Materialien.

Edward Hopper (1882–1967), dessen Werke als Inbegriff der Darstellung des amerikanischen Lebens gelten, zählt zu den bekanntesten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Dieses Buch wirft einen frischen Blick auf Hoppers Œuvre und analysiert es im Dialog mit Werken Alter Meister, die für Hopper zur Inspiration wurden.

Die reich bebilderte Publikation zeigt herausragende Werke der amerikanischen Nachkriegskunst im Vorfeld der Eröffnung des Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden. Angefangen bei Josef Albers über Helen Frankenthaler bis hin zu Andy Warhol und Julian Schnabel illustrieren sie die eindrucksvolle Vielfalt abstrakter Positionen jenseits des Atlantiks.