Veranstaltungen

George Segal (1924–2000) has been the subject of four major retrospectives and has been included in many national and international exhibitions, including the groundbreaking New Realists show at the Sidney Janis Gallery, New York (1962). While the artist has long been acknowledged as one of the most important sculptors of the twentieth century, his work as a painter, in pastels, and in photography is less well known. George Segal: Themes and Variations examines the artist’s work in all media as a series of variations on themes that he mined throughout his long career—figural groups, the nude, still life, and portraits.

In spring and summer 2024, Nationalmuseum will be hosting an exhibition on Harriet Backer who, besides Edvard Munch, was Norway’s most influential artist in the late 19th and early 20th centuries. Backer was one of the most prominent colourists and portrayers of light and atmosphere in interiors. The exhibition is the result of a collaboration between the National Museum in Oslo, Kode in Bergen, Musée d’Orsay in Paris and Nationalmuseum in Stockholm. Harriet Backer (1845–1932) was a pioneer on many levels and the exhibition highlights the innovative qualities of her art, as well as her central position in the Norwegian art scene at the turn of the twentieth century. How did she become such a prominent figure in Norwegian art? Why did a whole generation of young painters, men and women alike, choose to become her pupils and successors?

Die Kunsthalle München zeigt die erste große Retrospektive des niederländischen Designerduos Viktor&Rolf in Deutschland. Mit atemberaubender Virtuosität loten Viktor Horsting und Rolf Snoeren seit über 30 Jahren immer wieder die Grenzen zwischen Couture und Kunst aus. Ihre Meisterwerke wurden von Künstler:innen wie Madonna, Tilda Swinton, Lady Gaga, Doja Cat und Cardi B getragen sowie in Ballettproduktionen und in einer Oper, unter Regie von Robert Wilson, in Szene gesetzt. Rund 100 der gewagtesten Stücke des ebenso visionären wie leidenschaftlichen Duos werden nun in einer spektakulären Inszenierung erlebbar gemacht. Viele Kreationen sind zum ersten Mal ausgestellt – zusammen mit zahlreichen Videos, Skizzen und handgefertigten Porzellanpuppen, die mit den ikonischen Kreationen der Designer gekleidet sind, sowie mit Werken von renommierten Foto-Künstler:innen wie Andreas Gursky oder Cindy Sherman.

The work of the Chinese-Canadian artist Matthew Wong (1984-2019) is dynamic, colourful and expressive. Of the many artists who inspired him, Vincent van Gogh was the most significant. This exhibition invites you to discover more about Wong’s work and his artistic connection with Van Gogh.

The opening of the retrospective "What Freedom Is To Me", by the internationally renowned artist Sir Isaac Julien, will take place on 8 March 2024. It is the biggest presentation of Julien’s work to date and his first retrospective in a Dutch museum.

During the Edo period (1603–1868), feudal Japan was largely closed off from the outside world. For three hundred years, a loose movement of Japanese artists, often referred to as literati, turned to neighboring China—variably a source for emulation and a source of rivalry—for inspiration. Through painting and calligraphy, they created immersive environments in which artists and viewers alike could mentally withdraw from worldly affairs. As disparate and diverse as the literati movement was, its members were united by a common language that embraced diverse notions of “China”—a place both familiar and foreign, as much imagined as it was known. Throughout a period of modernization during the Meiji era (1868–1912) and after, when all facets of life in Japan were radically changing, China’s historic role in helping shape the fabric of Japanese history and culture remained a touchstone for Japanese artists, even in the context of imperialism and war. Imagined Neighbors presents Japanese artworks from the Mary and Cheney Cowles Collection, given to the National Museum of Asian Art between 2018 and 2022. The Cowles Collection is arguably the largest and most comprehensive group of Japanese literati works outside of Japan. The paintings and calligraphy in this exhibition fuse reality with imagination and remain important to understanding the continuing, complex engagement of Japanese artists with China, to them both a real and an imagined place.

Das Salz­kam­mer­gut war wäh­rend des 2. Welt­kriegs wie kei­ne ande­re Regi­on in Öster­reich Umschlag­platz und Ret­tungs­ort von bedeu­ten­den Kunst­wer­ken der euro­päi­schen Kunst­ge­schich­te. Adolf Hit­ler ließ für sein geplan­tes Lin­zer ​„Füh­rer­mu­se­um“ Kunst­wer­ke im Salz­berg­werk Aus­see ein­la­gern. Bedeu­ten­de öster­rei­chi­sche Muse­en nut­zen eben­falls inte­ri­mis­tisch Stol­len, Kir­chen oder Gast­stät­ten in St. Aga­tha, Bad Aus­see, Alt­aus­see und in Bad Ischl/​Lauffen als tem­po­rä­re Lager- und Schutzorte.

Das Werk von Mike Kelley (1954 in Detroit – 2012 in Los Angeles, Kalifornien) ist experimentell, opulent und irritierend – und es gilt als eines der einflussreichsten seit den späten 1970er-Jahren. Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen zeigt im K21 eine umfassende Retrospektive, die in Zusammenarbeit mit Tate Modern, London, der Pinault Collection, Paris, und dem Moderna Museet, Stockholm entstand. Ob spiritistische Vorstellungen, Heavy Metal oder die Superman-Comics, Kelley greift Bilder und Mythen der Pop- und Subkultur auf, um bleibende Fragen nach dem Ort des Menschen in der Welt und Gesellschaft zu stellen. Prägungen durch Politik und Erziehungssysteme werden ebenso thematisiert wie Klassen- und Genderzugehörigkeit: In den 1990er-Jahren gaben seine „Handarbeits“- und Stofftier-Arbeiten Rätsel auf und es wurde sichtbar, dass hinter den vermeintlich harmlosen Spielzeugen etwas Unheimliches, Bedrohliches, Abseitiges lauert. Einer seiner letzten großen Werkkomplexe – Day Is Done (2005) – bezieht sich auf Schulaufführungen und karnevaleske Aktionen. Kelley versteht sie als Orte ritualisierter Verstöße gegen gesellschaftliche Konventionen. Auch die Kunst selbst kann zu diesen Orten gezählt werden. In ihrer Mitte inszeniert Kelley den Künstler als eine höchst fragile Figur.

Die Ausstellung beleuchtet die facettenreiche Landessammlung Niederösterreich und präsentiert herausragende Meisterwerke vom Barock bis zur Gegenwart. Vertreten sind die prominentesten österreichischen Künstler*innen, die mit ihren Werken die Entwicklung des österreichischen Kunstschaffens der letzten 250 Jahre eindrücklich erlebbar machen.

Sonya Clark: We Are Each Other is a mid-career survey of the artist’s work with a focus on her community-centered and participatory projects. Over her twenty-five-year career, Clark has been committed to issues of history, race, and reconciliation. Clark often undertakes this exploration through everyday fiber materials—hair, flags, found fabric—and craft practices. In Clark’s work, craft and community are intertwined, and the resulting projects facilitate new collective encounters across racial, gender, and socioeconomic divisions. The ethos of her participatory work is embedded in the title We Are Each Other. It is inspired by the poem about civil rights activist Paul Robeson (1971) by Gwendolyn Brooks, which ends with the phrase: “we are each other’s harvest: we are each other’s business: we are each other’s magnitude and bond.”

Mit Bienvenue! feiert das Kunst Museum Winterthur im Frühjahr 2024 den lang ersehnten Wiedereinzug der einzigartigen Sammlung von Hedy und Arthur Hahnloser in die Villa Flora. Nach zehn Jahren kehren die Meisterwerke zurück, die im umfassend renovierten Sammlerhaus in einem neuen Ausstellungsparcours zu sehen sein werden. Der Rundgang zeichnet den Aufbruch der französischen Moderne mit Werken der Sammlung Hahnloser sowie ausgewählten Leihgaben nach: vom Impressionismus und Postimpressionismus, über Vertreter der Künstlergruppe der Nabis bis hin zu den sogenannten Fauves. Neben namhaften Vorreitern wie Vincent van Gogh und Paul Cézanne werden Arbeiten von Henri de Toulouse-Lautrec, Claude Monet, Camille Pissarro, Édouard Manet und Auguste Renoir sowie Werkgruppen der Hahnloser-Künstlerfreunde um Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Odilon Redon und Henri Matisse präsentiert. Mit Auguste Rodin und Aristide Maillol wird auch die Skulptur mit einer bedeutenden Auswahl vertreten sein. Die Ausstellung zur Wiedereröffnung der Villa Flora lässt die Besucherinnen und Besucher die Avantgarde der Jahrhundertwende in seltener Dichte und Qualität erleben. Der Winterthurer Pioniergeist für die französische Moderne, insbesondere das aussergewöhnliche Engagement von Hedy und Arthur Hahnloser, wird damit am Ort der Entstehung der erstrangigen Sammlung neu erlebbar.

Elfriede Mejchar (1924–2020) zählt zu den bedeutendsten Persönlichkeiten der österreichischen Fotografie. Ihr vielseitiges Werk umspannt mehr als ein halbes Jahrhundert, von den späten 1940er-Jahren bis ins 21. Jahrhundert. Am 10. Mai 2024 wäre die österreichische Fotografin hundert Jahre alt geworden.

Elfriede Mejchar (1924–2020) zählt zu den bedeutendsten Persönlichkeiten der österreichischen Fotografie. Ihr vielseitiges Werk umspannt mehr als ein halbes Jahrhundert, von den späten 1940er-Jahren bis ins 21. Jahrhundert. Am 10. Mai 2024 wäre die österreichische Fotografin hundert Jahre alt geworden.

Trinkgefäße und Tafelaufsätze in Schiffsform gehören zu den faszinierendsten Schöpfungen der Goldschmiedekunst im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert. Prachtvoll und detailreich gearbeitet, erzählen diese außergewöhnlichen Gefäße von höfischer Tafelkultur, aber auch von Schiffsbau und Seefahrt sowie von einer durch Globalisierung und Kolonialisierung geprägten Zeit.

1532 begab sich der holländische Künstler Maarten van Heemskerck (1498–1574) auf eine Reise nach Rom. Von seinem fünfjährigen Aufenthalt in der Ewigen Stadt hat sich im Kupferstichkabinett Berlin ein einmaliges Konvolut von rund 160 Zeichnungen erhalten. Dazu gehören neben weiten Panoramen und Stadtansichten auch Studien nach antiken Ruinen und Skulpturen. Dieser herausragende Bestand wird 2024, 450 Jahre nach dem Tod des Künstlers, erstmals vollständig zu sehen sein. Neben den virtuosen Zeichnungen, die zugleich wichtige Bildquellen zur Geschichte Roms zur Zeit der Renaissance darstellen, werden auch Gemälde, Bücher, Druckgraphiken und Gipsabgüsse ausgestellt. Das Kupferstichkabinett Berlin besitzt zwei spektakuläre Klebealben mit rund 160 Zeichnungen des holländischen Künstlers Maarten van Heemskerck (1498–1574), die zwischen 1532 und 1536/37 in Rom entstanden. In diesen Jahren flanierte er durch die Stadt, besuchte Kunstsammlungen und Antikengärten, pilgerte zu den heiligen Stätten und füllte sein Skizzenbuch mit Zeichnungen. Auf diese Weise stellte er einen umfangreichen Motivfundus zusammen, aus dem er zeitlebens schöpfen sollte. Nach seinem Tod wurden die Zeichnungen weitergegeben, zunächst an Künstler, später an Sammler. Einzelne Blätter wurden weiterverkauft und der größte Teil vermutlich im 18. Jahrhundert – zusammen mit weiteren Zeichnungen anderer Künstler – in zwei Sammelalben eingeklebt. So blieb der Kernbestand der römischen Zeichnungen Van Heemskercks bis heute zusammen, ein einmaliger Fall der Kunstgeschichte. 1886 und 1892 gelangten die beiden Alben ins Berliner Kupferstichkabinett; seitdem sind sie noch nie in ihrer Gesamtheit ausgestellt worden.

2024 finden an gleich drei Museen Ausstellungen mit Arbeiten der österreichischen Fotografien Elfriede Mejchar (1924–2020 Wien, AT) statt. Das Museum der Moderne Salzburg ist Teil einer Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich und dem MUSA in Wien, die zum 100. Geburtstag der Künstlerin deren Werk an drei verschiedenen Standorten mit jeweils unterschiedlichen Schwerpunkten würdigt. Salzburgs Beitrag zu diesem gemeinschaftlichen Projekt präsentiert die Künstlerin als Porträtistin. Eine zentrale Rolle dabei spielt eine umfangreichen Porträt-Serie aus den 1980er- und frühen 1990er-Jahren, die zahlreiche Protagonist:innen der österreichischen Fotografieszene, unter anderem den Gründungsdirektor des Museums der Moderne Salzburg, Otto Breicha in Szene setzt.

This exhibition explores the ways in which women have shaped American landscape art. A retrospective of the accomplished American landscape painter Susie Barstow (1836-1923) is presented along with contemporary works that expand and challenge contemporary conceptions of the term “landscape.”

Die erste Ausstellung zum Thema „Bauhaus und Nationalsozialismus“ verdeutlicht die vielfältigen Wege, die Künstlerinnen und Künstler im Umgang mit einem totalitären Herrschaftssystem eingeschlagen haben. Die Jahresausstellung der Klassik Stiftung Weimar setzt sich erstmals öffentlich mit dem Thema „Bauhaus und Nationalsozialismus” auseinander. An drei Orten in Weimar zeigt die Schau rund 450 Kunst- und Designobjekte aus Privatsammlungen und renommierten Museen in Europa und den USA. Die Werke verdeutlichen die komplexe politische Geschichte des Bauhauses bis zu seiner Schließung 1933 und zeigen die äußerst unterschiedlichen Lebenswege der Bauhäusler*innen im Nationalsozialismus. Im Museum Neues Weimar werden unter dem Titel „Politische Kämpfe um das Bauhaus 1919−1933” die künstlerischen und politischen Konflikte beleuchtet, die bereits mit der Gründung der Kunstinstitution in Weimar begannen und sich in Dessau und Berlin unvermindert fortsetzten. Im Bauhaus Museum geht es unter der Überschrift „Abgehängt – Beschlagnahmt – Angepasst 1930/1937” um die Beschlagnahme der „entarteten Kunst“ 1937 und um ihre Vorläuferaktion in Weimar: Bereits 1930 mussten über 70 Werke von Künstlern wie Lyonel Feininger und Paul Klee aus dem Schlossmuseum entfernt werden. Über 450 Werke wurden 1937 beschlagnahmt – ein bis heute spürbarer kultureller Verlust in den Sammlungen. Der Hauptteil der Ausstellung im Schiller-Museum beschäftigt sich mit Bauhaus-Mitgliedern und ihren „Lebenswegen in der Diktatur 1933−1945”. Die Station thematisiert die Gratwanderungen, die sie angesichts der neuen politischen Verhältnisse nach 1933 vollzogen. Viele Bauhäusler*innen hatten kaum eine andere Wahl: Sie verloren ihre Arbeit und flohen aufgrund ihrer Herkunft ins Exil. Mindestens einundzwanzig Bauhäusler*innen wurden in NS-Gefängnissen oder Konzentrationslagern umgebracht. Doch die Mehrheit blieb unbehelligt in Deutschland. Die ehemaligen Bauhaus-Studierenden beteiligten sich an nationalsozialistischen Propagandaausstellungen oder präsentierte ihre Werke auf Designmessen. Sie entwarfen Filmplakate, Möbel, Haushaltswaren und sogar Hitlerbüsten. Die dreiteilige Ausstellung will damit neue, auch unbequeme Perspektiven auf die Bauhausgeschichte aufzeigen. Denn noch lange nach 1945 hielt sich die Illusion einer einzig „guten" und verfolgten Moderne. Eine innovative künstlerische Haltung allein, so zeigen die Schicksale vieler Bauhaus-Angehörigen, schützt noch nicht gegen die Verführbarkeit durch den Faschismus. Dies macht die Rolle der Kunst in einer liberalen und weltoffenen Gesellschaft zu einem zentralen Thema der Ausstellung.

This multimedia examination of photographer and cinematographer Karl Struss celebrates his storied career and influence on American filmmaking during Hollywood’s Golden Age. Featuring archival materials, films, and over 100 photographs from the Carter’s extensive Struss Artist Archive, Moving Pictures: Karl Struss and the Rise of Hollywood highlights Struss’s innovations in image-making and unique contributions to the film industry in the early 20th century. Beginning when he left a successful career as a photographer in New York to start fresh in Los Angeles, Moving Pictures shines light on the innovative artistic approaches and techniques Struss brought to the world of moving pictures. Through behind-the-scenes footage, glamorous film stills and publicity images, and even Struss’s Oscar awarded for cinematography, the exhibition tells the story of how a fine-art photographer became one of the most influential cinematographers in Hollywood.

Afterglow explores Frederic Church’s elegiac use of the landscape genre in depth for the first time, centering on the exciting loans of rarely seen memorial works by Church from major private collections: To the Memory of Cole (1848) and The Evening Star (1858). By uniting the majority of Church’s memorial paintings, this exhibition unveils a little-known aspect of Olana’s legacy: Frederic Church held a reputation as a maker of memorial art, returning to the medium of landscape throughout his career to create solace in times of loss. This sequence of Church’s memorial paintings, also notably including The After Glow (1867, Olana State Historic Site), reveals an iconography of grief and remembrance related to the rising view of nature as a source of comfort, health, and spiritual well-being. The exhibition places these works in the context of the period’s material and visual culture of mourning to present new scholarship on landscape paintings as memorials in 19th-century America, focusing on the distinctive oeuvre of 19th-century America’s foremost landscape painter. At a moment of change in our national discourse around grief, as members of our community faced with loss increasingly turn to landscapes like Olana’s to find sanctuary, Afterglow considers these landscapes in a new light as spaces of remembrance and healing. By connecting the artwork of Church and his circle with contemporary concerns and practices of memorialization, this exhibition explores the significance of landscapes and the natural world in remembrance and finding peace among loss, now and in the past.

Die Ausstel­lung mit dem doppel­deutigen Titel spielt mit den unter­schied­lichen Auf­fas­sungen von Sexua­lität im Juden­tum. Moderne und zeit­genös­sische Kunst, tradi­tio­nelle Arte­fakte, Film und moderne Medien illus­trieren unter­schied­liche jüdischen Posi­tionen, die im Kanon der rabbi­nischen Literatur seit Jahr­hunder­ten disku­tiert wurden. Von der zen­tralen Bedeu­tung von Ehe und Zeu­gung über Begehren, Tabus und Infrage­stellung sozialer Normen, bis hin zur Erotik der Spiritu­alität, präsen­tiert Sex: Jüdische Posi­tionen das Spektrum jüdischer Haltun­gen und zeigt die Aktua­lität traditio­neller Debat­ten in heu­tigen jüdischen Posi­tionen zur Sexua­lität auf. Die Aus­stellung entsteht in Koopera­tion mit dem Jüdischen Museum Amsterdam.

Die Schau verknüpft internationale mit regionaler Urban-Art-Geschichte. Sie setzt mit Brassaï ein und endet, als erste Werke Banksys in England auftauchten. Es werden international bahnbrechende Style Writing und Street Art ab 1960 gezeigt – mit einem Schwerpunkt auf dem Dreieck Paris-Düsseldorf-Zürich. Ausgestellt werden dabei ausschließlich illegal entstandene Werke. Dabei nimmt die Ausstellung nicht nur die verschiedenen internationalen Entwicklungen in den Blick, sondern zeigt ebenso die Multiplikatoren von Graffiti und Street Art, in dem sie die enge Verzahnung von Pop-Musik mit diesen auf Covern von Schallplatten zeigt und diese Musik hörbar macht. Ein weiteres Schlaglicht wird auf die Zusammenhänge von Avantgardekunst mit Street Art und Graffiti gesetzt.

What does it mean to be an American artist? The exhibition probes what it meant to be an American artist when the first art school and museum in the United States was founded and what it meant to be one by the late twentieth century, traversing two hundred years of creativity and change through over 100 significant works.

Die ehemalige Villa des Kunstsammlers Oskar Reinhart (1885-1965) vereint mehr als zweihundert Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen europäischer Kunst von aussergewöhnlicher Qualität. Den Kern der Sammlung bilden Gemälde des französischen Impressionismus und deren unmittelbare Vorläufer, ergänzt durch bedeutende Beispiele älterer Kunst. Courbet, Daumier, Renoir und Cézanne sind mit grösseren Werkgruppen vertreten und führen den bedeutsamen Weg dieser Künstler in die Moderne deutlich vor Augen. Die einzigartige Harmonie zwischen der Sammlung und der Villa mit angebauter Gemäldegalerie lässt das Museum der Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz» als kleines Gesamtkunstwerk in der reichen Winterthurer Museumslandschaft erstrahlen.

Die Ausstellung SURVIVAL IN THE 21st CENTURY bietet mit Werken von rund 40 internationalen Künstler*innen eine Vielzahl von Antworten auf die Frage, wie wir im 21. Jahrhundert überleben wollen. Wie lässt sich Zukunft denken? Was können wir aus der Vergangenheit für unsere Zeit neu entdecken? Wie können Kulturen erhalten bleiben? Welchen Einfluss haben Technologien auf den Menschen im digitalen Zeitalter? Wie kann man den Planeten Erde neu sehen, wie werden sich unsere Ernährung und unser Zusammenleben verändern?

Prächtige Goldgründe und leuchtende Farben, elegante Linienführung und raffinierte künstlerische Techniken – so begeistern kostbare italienischen Malereien von Fra Angelico, Guido da Siena oder Sandro Botticelli. Sie entstanden in bekannten Kunstzentren wie Florenz oder Siena. Die Ausstellung zeigt die Bilderwelt der Kirchen und der privaten Andacht, bietet aber auch Einblicke in die Kunst an herrschaftlichen Höfen. Anlässlich der Sanierung des Lindenau-Museums Altenburg ist seine herausragende Sammlung italienischer Gemälde des 13. bis frühen 16. Jahrhunderts zu Gast in Freiburg.

Der Begriff Secession steht Ende des 19. Jahrhunderts für den künstlerischen Aufbruch in die Moderne. Die Kunst drängt nach Freiheit. Avantgardistische Künstler:innen zeigen ihr neuartiges Schaffen auf Secessionsausstellungen. Damit präsentieren sie dem Publikum innovative Kunstströmungen und verhelfen etwa dem Impressionismus oder Symbolismus im deutschsprachigen Raum zum Durchbruch.

"The Portland Vase: Mania and Muse" asks why and how a singular Classical vase becomes a legend, an “influencer,” and an artistic and commercial muse across time and place to artists such as Josiah Wedgwood, Viola Frey, Chris Wight, Michael Eden, Nicole Cherubini, Clare Twomey and Roberto Lugo. Featuring more than sixty-five artworks, this richly illustrated catalogue examines the role of brands in our culture, considers why Classical traditions dominate the artistic canon, and how that tradition might be reconsidered and disrupted.

Die Sehnsucht nach Ruhm und Ehre spornt bis heute den Erfindungsgeist gefeierter Künstler an. Im aufblühenden Barock um 1600 mit seinen um Renommee wetteifernden europäischen Höfen und einem vermehrt nach Prestige strebenden finanzkräftigen Bürgertum empfahl sich die Strategie, über lokale Grenzen hinweg ferne Kunstmärkte und neue Käuferschichten zu erreichen, um das eigene Werk gewinnbringend bekannt zu machen. Sperrige Skulpturen und fragile Gemälde waren für diese vielfältigen Transaktionen wenig geeignet. Vielmehr sollte die Druckgraphik zum perfekten Gesandten im kunstdiplomatischen Dienst der eigenen Sache werden. Mit graphisch hinreißenden Kupferstichen versuchten die Künstler, das Publikum zu betören und es auf dem Laufenden über die eigenen Neuschöpfungen zu halten. Die in dieser Hinsicht erfolgreichsten Virtuosen um 1600 waren Hendrick Goltzius (1558–1617) und Peter Paul Rubens (1577–1640).

"Xican–a.o.x. Body" is the first major exhibition to examine influential works by artists who foreground the Brown body as a site to explore, expand, and complicate traditional conceptions linked to Mexican, Mexican American, and Xicanx experiences. Consisting of approximately 125 artworks by about 70 artists and artist collectives, Xican–a.o.x. Body weaves a rich tapestry of diverse media, from the late 1960s through today, including Lowrider cars, poetry, pottery, painting, photography, sculpture, and film.

Henri Cartier-Bresson zählt zu den berühmtesten Fotografen des 20. Jahrhunderts. Mit untrüglichem Gespür für den „entscheidenden Augenblick“ erfasste er spontane Begegnungen und Situationen, um aus ihnen zeitlose Kompositionen zu erschaffen. Als herausragender Vertreter der Street Photography wurde er durch seinen künstlerischen Ausdruck stilprägend.

Vom 29. Juni bis zum 20. Oktober 2024 zeigt das Hällisch-Fränkische Museum in einer Einzelausstellung Werke von Yury Kharchenko. Geboren 1986 in Moskau, kam Kharchenko in den späten 90er-Jahren als jüdischer Kontingentflüchtling nach Deutschland. Die Ausstellung konzentriert sich überwiegend auf jene Bilder, die als Reaktion auf die Kriege in der Ukraine und in Israel entstandenen sind.

Samia Halaby: Eye Witness follows Samia Halaby’s (b. Jerusalem, 1936) creative journey to experiment with the ways painting conveys her experiences and reflects how she sees the world around her. Halaby’s paintings, which range from miniature to monumental, 2D to 3D, and monochrome to multicolor, are notably shaped by her experiences, and shift accordingly throughout her itinerant career across the Midwest, the East coast, and the Arab world. As a self-described painter of her time, Halaby also explores how technology can enhance and transform painting. Her experimentations thus render new approaches to capturing ephemeral moments. Halaby’s paintings reflect a life of witness, one we are invited to take part in by looking slowly and closely at the artist’s work.

"Monuments and Myths" is the exhibition to examine the intersecting careers of Augustus Saint-Gaudens and Daniel Chester French, the leading American sculptors of the Gilded Age. With rich new thinking and stunning photographs, this exhibition examines the role of America’s most iconic public sculptures in the complex negotiation of national identity.

Die Ausstellung stellt eine der engagiertesten Sammlerinnen und Kunsthändlerinnen der Nachkriegszeit vor. Hanna Bekker vom Rath begann als Malerin und förderte zahlreiche Künstler:innen des Expressionismus auch durch Ankäufe. Ein Fokus der Ausstellung liegt auf der seit den 1920er Jahren aufgebauten Sammlung im Blauen Haus in Hofheim von Hanna Bekker vom Rath, wo sie auch ihren Lebensmittelpunkt hatte. Hier fanden befreundete Künstler:innen – gerade in Zeiten des Nationalsozialismus – einen Zufluchtsort und ein sicheres Refugium. Zu den besonderen Schützlingen zählten Alexej von Jawlensky, Ida Kerkovius, Paul Klee und vor allem auch Karl Schmidt-Rottluff. Mit Letzterem verband sie eine enge und lebenslange Freundschaft. Er besuchte sie ab 1932 regelmäßig, insbesondere in den repressiven Jahren unter den Nationalsozialisten, wovon ungezählte Gemälde und Aquarelle zeugen. Seit 1954 stellte Hanna Bekker vom Rath ihm ein eigens errichtetes Atelier zur Verfügung. Neben seinen Werken, die vor Ort entstanden, sollen auch Hauptwerke der Sammlung Hanna Bekker vom Raths einen Eindruck von der künstlerischen Strahlkraft des Blauen Hauses geben. Direkt nach dem Zweiten Weltkrieg gründete Hanna Bekker vom Rath in Frankfurt am Main das Frankfurter Kunstkabinett. Ab den 1950er Jahren begann sie eine intensive Reisetätigkeit und wurde eine wichtige Botschafterin der modernen Kunst aus Deutschland. Die Ausstellung mit über 65 Leihgaben entsteht in enger Kooperation mit dem Brücke-Museum in Berlin.

Wilde Soireen, unkonventionelle Tanzabende, groteske Maskeraden und schrille Happenings auf offener Straße, Vorläufer von Performances – Dada war avantgardistisch und prägte die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts nachdrücklich. Die Ausstellung zeigt die noch immer weithin unterschätzte Beteiligung weiblicher Stimmen an der subversivsten aller Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts.

Die Moderne ist ohne den Beitrag von Künstlerinnen nicht zu denken. Neben bekannten Malerinnen und Bildhauerinnen wie Louise Breslau, Ottilie W. Roederstein und Marg Moll haben sich viele weitere erfolgreich im Kunstbetrieb der Zeit um 1900 behauptet. Sie heißen Erna Auerbach, Mathilde Battenberg, Ida Gerhardi, Annie Hopf, Elizabeth Nourse oder Louise Schmidt. Zeit, diesen und weiteren Künstlerinnen erstmals eine große Ausstellung zu widmen und sie neu zu entdecken.

Die im Mudam gezeigte Ausstellung ist die erste Retrospektive des Werks von Xanti Schawinsky (1904, Basel – 1979, Locarno) außerhalb der Schweiz. Schawinskys multidisziplinäre Arbeit ist geprägt vom Geist des Bauhaus, wo der Künstler in den 1920er Jahren studierte, und des Black Mountain College, wo er in den 1930er Jahren unterrichtete. Zu den gestalterischen Mitteln, mit denen der Künstler in den sechs Jahrzehnten seines Wirkens experimentiert hat, gehören Inszenierung, Bühnenbild, Fotografie, Grafikdesign, Malerei und Typografie. Die Ausstellung lässt seine gesamte Karriere Revue passieren, von seinen frühen Werken, die von Fragen des Bühnenraums und der Beziehung zwischen Mensch und Maschinegeprägt sind, bis hin zu seinen prozessorientierten Gemälden aus den 1950er und 1960er Jahren.

Mark Dion and Alexis Rockman: Journey to Nature’s Underworld invites visitors on a voyage of discovery into the depths of our threatened natural world through large-scale painted and sculptural works. This exhibition is the first two-person show of these artists, who share an ongoing and urgent concern for our global environmental and ecological well-being.

Stephan Huber (*1952 Lindenberg/Allgäu) zählt zu den bedeutenden Künstlern in Deutschland. Für sein vielseitiges Gesamtwerk erhielt er 2023 den Kunstpreis des Bezirks Schwaben. Obwohl der Bildhauer bereits früh international tätig war, blieb er seiner Heimat, dem Allgäu, verbunden. Bekannt ist Stephan Huber für die weißen, idealisierten Alpengipfel aus Dentalgips. Die Ausstellung »Stephan Huber. Das große Leuchten« ist speziell für die Räumlichkeiten der Schwäbischen Galerie konzipiert. In der Ausstellung lässt er Bergskulpturen unter dem historischen Dachstuhl schweben: die Höfats (Allgäu), den Watzmann sowie die Drei Zinnen und den Antelao (Dolomiten). Sie beleuchten Tische mit Büchern, die wichtige Quellen seiner künstlerischen Arbeit thematisieren.