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Eröffnung am Sonntag, 14.2.2021 um 11 Uhr Der Maler Hans Purrmann (1880–1966) zählt zu den bedeutendsten Koloristen der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Im Laufe seines langen und etappenreichen Lebens in den Kunstmetropolen München, Berlin und Paris sowie später in Florenz und der italienischen Schweiz entwickelte er sich zu einem Künstler von europäischem Format mit weitreichenden Verbindungen. Seine Teilnahme an der legendären Sonderbund-Ausstellung 1912 in Köln bis hin zur ersten documenta 1955 in Kassel markiert den weitgespannten Bogen seiner künstlerischen Wirkung.

Neo Rauch zählt international zu den herausragenden Malern der Gegenwart. Sein Werk ist singulär, vielleicht weil es in einem für die zeitgenössische Kunst außerordentlichem Maß aus der Innenwelt oder der vom Unter- und Unbewussten gespeisten Imagination des Künstlers schöpft. Unausdeutbar und beunruhigend erscheinen seine Bildwelten, rätselhaft die Figuren in ihren Handlungen. Die Ausstellung Der Beifang zeigt Papierarbeiten, die nach 2000 entstanden, viele davon in den 2010er Jahren. Die zumeist großformatigen Bilder stammen aus dem Privatbesitz des Malers und kreisen um Themen, die ihm am Herzen liegen – darunter auch biografische Erlebnisse oder sein Selbstverständnis als Künstler.

Seit einiger Zeit prägen angespannte Zustände unseren Alltag. Ob es sich um Ausgangssperren, Gewalt oder der Suche nach der eigenen Identität handelt, wir sind ständig dabei, uns neu zu orientieren. Auf die Verletzlichkeit und Verwirrung, die in Kontrollen, Rassendiskriminierung und Ausgrenzung stecken, nehmen Künstlerinnen und Künstler Bezug. Sie stellen die Unsicherheit und Instabilität, die wir täglich erleben, in ihren Werken dar. Die neue Sammlungspräsentation konfrontiert zeitgenössische Positionen aus der privaten Sammlung Scharpff-Striebich mit Werken aus dem 20. Jahrhundert aus dem eigenen Bestand der Staatsgalerie, die erst durch den retrospektiven Blick eine solche Aktualität gewinnen und die Komplexität und Widersprüchlichkeit unserer Gesellschaft hervorheben.

ICA Miami presents a comprehensive survey for Chakaia Booker, an artist whose iconic works have been under-recognized for their formal vitality and their contributions to American art. Since 1993 Booker has created a striking, beautiful, and political signature style, assembling cast-off tires into monumental landscapes. Spanning four decades of the artist’s work, this exhibition introduces Booker’s vital visual language while showcasing the variety of her explorations.

Das Museum der Moderne Salzburg zeigt anlässlich des 100jährigen Jubiläums der Salzburger Festspiele die erste retrospektive Ausstellung des britisch-nigerianischen Künstlers Yinka Shonibare CBE (1962 London, UK) in Österreich. Shonibare ist einer der bedeutendsten und vielseitigsten Künstler Großbritanniens. In seinen Arbeiten untersucht er das Erbe von Kolonialismus und Sklaverei und dessen Spuren in der Gegenwart. Bekannt wurde er durch Installationen mit kopflosen Figuren in historischen Kostümen aus bunten Batikstoffen, mit denen Shonibare auf theatrale Weise die Vergnügungen und Verhaltensweisen der sogenannten Leisure Class inszeniert. Die Ausstellung versammelt rund 60 Arbeiten der letzten 30 Jahre.

Vor unseren Augen entfaltet sich eine fantastische Welt jenseits unseres Wahrnehmungshorizonts. An Farbgebung und Zusammenstellung wird deutlich, dass Leif Trenkler sich nicht nach der Natur richtet, sondern die Elemente seiner Darstellungen aus seinem Bildgedächtnis bezieht. In der Malerei verbindet er sie dann zu einer frei der Vorstellungskraft entspringenden Komposition. Trenkler wurde 1960 in Wiesbaden geboren. Er studierte an der Städelschule in Frankfurt und an der Kunstakademie in Düsseldorf. Heute lebt er in Köln. In seinem Werk befasst sich der Maler vorrangig mit Menschen, Landschaften und Architekturen, aber auch der Kosmos hat Einzug in seine Bildwelt genommen. Rechtzeitig zur Ausstellung erscheint im Münchner Hirmer Verlag eine große Monografie zu Leif Trenkler.

Die Große Landesausstellung, anlässlich des 500. Jahrestags der Landung des spanischen Eroberers Hernán Cortés im Golf von Mexiko, eröffnet dem Besucher einen neuen, vertiefenden Blick auf die Kultur der Azteken. Beginnend mit der Peripherie des aztekischen Imperiums (ca. 1430 – 1521 n. Chr.) und der natürlichen und kulturellen Vielfalt Mexikos, nähern wir uns dem Inneren des Reiches und seiner Hauptstadt Tenochtitlan. Im Fokus dieses Teils der Ausstellung stehen zwei von weltweit noch vier erhaltenen Federschilde der Azteken sowie eine hochwertige Grünsteinfigur. Nach dem Durchschreiten des Herrscherpalastes des Kaisers Moctezuma betritt der/die Besucher*in das Innerste des Imperiums: den heiligen Bezirk mit dem Haupttempel Templo Mayor. Als Leitfaden der Ausstellung dienen die Tribute, die das aztekische Imperium seinen eroberten Provinzen auferlegte. Sie flossen nach Tenochtitlan und in hoher Zahl weiter in den Templo Mayor, als Gaben an die Götter.

August Gaul (1869– 1921) war der Zoologe unter den Künstlern der Moderne. Seine mal monumentalen, mal possierlichen Skulpturen und Plastiken machen wie seine Zeichnungen die Tiere als gerade das sichtbar, was vielen Menschen an ihnen besonders unverständlich ist: ihr Wesen als nach Form und Charakter souveräne Kreaturen.

Die bislang wenig bekannte Künstlerin Mary Warburg, geb. Hertz (1866-1934), Ehefrau des Hamburger Kunst- und Kulturhistorikers Aby Warburg, steht im Mittelpunkt dieser ersten umfassenden wissenschaftlichen Monografie. In zahlreichen Aufsätzen, einem kommentierten Werkverzeichnis sowie biographischen Dokumenten werden Leben und Werk der bedeutenden Zeichnerin, Grafikerin und Bildhauerin einprägsam vor Augen geführt.

Pakistani American artist Shahzia Sikander is internationally celebrated for bringing Indo-Persian miniature-painting traditions into dialogue with contemporary art practice. This exhibition tracks the first fifteen years of this artistic journey, from her groundbreaking deconstruction of miniature painting in Pakistan to the development of a new personal vocabulary at RISD, expanded explorations around identity as a Core fellow at the Glassell School of Art at the Museum of Fine Arts, Houston, and her global outlook during her first years in New York. During this period, Sikander richly interrogated gender, sexuality, race, class, and history, creating open-ended narratives that have sustained her work as one of the most significant artists working today.

Seit der Renaissance ist die Darstellung des Künstlers – im Porträt oder Selbstbildnis – weit mehr als die Erfassung seiner äußeren Erscheinung. In ihren Bildnissen ging es den Künstlern um eine Standortbestimmung im Hinblick auf ihre Stellung in der Gesellschaft und den Anspruch ihrer Kunst. In diesem Sinn ist das Künstlerporträt immer auch Programm und erschließt sich vor dem Hintergrund der theoretischen Aussagen der Künstler. Künstlerbildnis und Kunsttheorie ergänzen sich wie zwei Seiten einer Medaille.

This exhibition will present 67 masterpieces collected by John D. Rockefeller III (1906–1978) and his wife Blanchette Hooker Rockefeller (1909–1992), illuminating the cultures and history of Asia. This important collection underscores art’s capacity to encourage cross-cultural dialogue and influence economic and public policy. The selection of sculptures, bronzes, and ceramics ranges from the late 6th century BCE to the early 19th century CE, and originates from Cambodia, China, India, Japan, Nepal, Sri Lanka, Thailand, Tibet, and Vietnam.

Die Ausstellung spürt den Entwicklungen und Veränderungen der künstlerischen Industriedarstellung über den Zeitraum von 175 Jahren nach. Mit 40 Gemälden und 150 Fotografien wird dieses Genre im Dialog der Medien präsentiert. Dabei spannt die Ausstellung einen Bogen von den idyllischen Fabrikansichten der 1850er Jahre über die zunehmend sozialkritischen Tendenzen ab 1900 und die Subjektive Fotografie der Nachkriegszeit zu den Bildreportagen der 1960er/70er Jahre. Den Endpunkt bildet die Auseinandersetzung zeitgenössischer Fotograf:innen mit den Veränderungen unseres Planeten durch die industrielle Ausbeutung der Ressourcen.

Inge Dick (*1941) beschäftigt sich mit der Wirkung des Sonnenlichts auf monochrome Flächen, die für das menschliche Auge weitestgehend unsichtbar bleibt. Seit Jahrzehnten untersucht sie systematisch in Serien die Vielfalt der Lichtfarben abhängig von Jahres- und Tageszeiten und versucht diese mittels Fotografie und Film zu erfassen. Dazu filmt sie aus einer statischen Position über Stunden hinweg eine weiße Fläche und montiert im Nachhinein einzelne Filmstills in einem Bild aneinander. Das Ergebnis ist nicht etwa eine weiße Fläche, sondern ein nicht zu erwartendes buntes Farbspektrum.

Over the course of their nearly twenty-year partnership, Anton Kimbel (1822–1895) and Joseph Cabus (1824–1898) developed one of New York City's leading furniture and decorating firms. Sons of German and French cabinetmaking families, they defined a new take on Modern Gothic design, a style that originated in Britain and was embraced by a growing middle class in the post–Civil War United States. Combining British and continental European design sources, Kimbel and Cabus's furniture forms featured bold, clean lines and rich surface decoration, and the firm used innovative production techniques to offer these striking artistic objects at a variety of prices.

Die Präsentation vereint 90 Plakate der Sammlung KÖNA, die erstmalig der Öffentlichkeit vorgestellt wird. Sie widmet sich dem Plakat als eigentümliches Mischwesen zwischen der Welt der Kunst und der Welt des Kommerzes. Die Sammlung KÖNA umfasst französische, amerikanische und deutsche Ausstellungsplakate der 1950er- bis 1980er-Jahre, die Präsentationen von Braque, Chagall, Matisse, Miró und Picasso bewarben. Die farbenfrohen Werke entstanden vornehmlich als Lithographien in der Pariser Druckerei Mourlot, die auch eine Zweigstelle in New York eröffnete. Mit klangvollen Namen wie Jackson Pollock und Keith Haring ist auch die amerikanische Avantgarde in der Ausstellung vertreten. Plakate, so stellte einst der deutsche Philosoph und Schriftsteller Max Wiese fest, sind Netze, in denen sich unsere Wünsche verfangen sollen. In diesem Sinne bietet die Ausstellung dem Auge viel Verfängliches.

Der Expressionismus war nach der Jahrhundertwende mehr als nur eine Kunstströmung, er war ein Lebensgefühl, ein Protest gegen das Bürgertum der Epoche. Meist als Schock wahrgenommen, veränderten die expressionistischen Künstler die Moderne massgeblich. Auch in der Schweiz entwickelte sich vor dem Ersten Weltkrieg parallel zu europaweiten Tendenzen eine radikal neue Bildsprache. Anstelle einer an der Realität orientierten Malerei traten nun stark subjektiv geprägte Gestaltungsformen. Farben und Formen explodierten geradezu und pulverisierten sämtliche vertraute Stile und deren Regeln. Diese progressiven Tendenzen fanden an den verschiedenen Orten des Landes unterschiedliche Ausprägungen. Sie schlossen sich zu kurzlebigen Künstlerkollektiven wie «Der Moderne Bund» 1911 in Luzern und der Basler Gruppe «Rot-Blau» in den 1920er Jahren zusammen. Letztere orientierte sich am prägenden Vorbild des in Davos niedergelassenen Ernst Ludwig Kirchner. Hans Berger war die herausragende Künstlerpersönlichkeit in der Westschweiz und wandte sich bereits um 1910 einer expressiven Bildsprache zu. Mit «Orsa Maggiore» war das Tessin ein weiteres, international vernetztes Epizentrum des Expressionismus in der Schweiz. Es waren indes die zahlreichen individuellen Positionen, welche die neue, wilde Bildsprache hierzulande prägten. Die unterschiedlichen Künstler und die ungestüme Wirkkraft ihres Schaffens werden in der Ausstellung Expressionismus Schweiz seit der Winterthurer Ausstellung 1975 erstmals wieder in einer gesamtschweizerischen Überblicksdarstellung mit erstrangigen Werken vorgestellt. Diese neue Malerei war wegweisend für die Schweizer Kunst des 20. Jahrhunderts; sie gilt als «stärkste und einflussreichste Stilrichtung der helvetischen Moderne». Das grossangelegte Panorama verspricht die umfassendste Aufarbeitung dieses bedeutenden Kapitels Schweizer Kunstgeschichte – und eine Explosion von Farben und Formen.

Berge faszinieren von jeher, auch in der Kunst und Literatur sind sie ein zentrales Sujet. Der Band versammelt 135 Arbeiten von 35 zeitgenössischen Künstlerinnen & Künstlern zum Thema. Die Werke nähern sich den Bergen aus allen denkbaren Blickrichtungen und setzen sie künstlerisch in den verschiedensten Medien um. Entstanden ist ein beeindruckendes Panorama der Bergwelt.

A long overdue recognition of Taeuber-Arp’s pivotal contribution to modern art and design Sophie Taeuber-Arp was one of the foremost abstract artists and designers of the 1920s and 30s. Her multidisciplinary work has enduring influence, inspiring innovative artists and designers around the world. Taeuber-Arp’s creative output was extraordinarily diverse and at times controversial. She made embroideries and paintings, carved sculptures and edited magazines, created puppets and mysterious Dada objects. She combined traditional crafts with the vocabulary of modernist abstraction, challenging the boundaries separating art and design. This is the first retrospective of her work ever held in the UK. It brings together her principal works from major collections in Europe and the US, most of which have never been seen in this country before.

Der Elefant ist ein bewundertes, aber auch gefährdetes Tier. In allen Zeiten und Kulturen war das Elfenbein seiner Stoßzähne begehrt. Was ist dies für ein Material und wie wird es in Geschichte und Gegenwart verwendet, und was kann man heute tun, um die größten Landsäugetiere vor Wilderei zu schützen?

Der Dialog der Klassischen Moderne mit Gegenwartskunst aus der Sammlung Goetz erfreut sich beim Publikum anhaltender Beliebtheit. Die Ausstellung wird deshalb nicht nur bis 16. Januar 2022 verlängert, sondern durch die Kuratoren um weitere Gegenüberstellungen bereichert. Einige der thematisch gegliederten Räume wurden komplett neu konzipiert und zeigen Werke von unter anderem Carla Accardi, Michael Buthe, Marcel Odenbach, Tom Sachs, Egon Schiele, Cindy Sherman, Tatiana Trouvé, Luc Tuymans, die nun die Präsentation ergänzen und weitere Dialoge zwischen Klassischer Moderne und Gegenwartskunst schaffen.

Tanz ist Kommunikation. Von zeitgenössischen Kollaborationen über die ersten Happenings der japanischen Butoh-Tänzer und die Pionier*innen der Tanzmoderne verfolgt Global Groove eine Kulturgeschichte des Kontakts zwischen West und Fernost zurück bis zu den frühen Auftritten asiatischer Tänzer*innen in Europa um 1900. Fotografien, Gemälde, Skulpturen, Filme und LiveAktionen zeigen, welchen Anteil die Sprache des Tanzes an der politischen und kulturellen Transformation von Gesellschaften hat.

In 1969, Angela Davis, a twenty-six-year-old black activist, was fired from her teaching position at UCLA, accused of involvement in a shootout that resulted in the deaths of four men, put on the FBI’s Most Wanted List, and spent several months as a fugitive. In October, she was arrested in New York and returned to California to stand trial. Her image became the focus and the tool of an unprecedented international effort to free an incarcerated black woman. Her trial and acquittal, in 1972, made her a lightning rod for fears and hopes on the right and left about revolutionary change and she has remained an active agent of change in the years since.

Die retrospektive Ausstellung gibt erstmals einen umfassenden Einblick in das facettenreiche Werk des Malers Helmut Sturm (1932–2008) und beleuchtet seine verschiedenen Schaffens-phasen von Ende der 1950er-Jahre bis zu seinem Tod. Die farbmächtigen Arbeiten Helmut Sturms sind bedeutende Zeugnisse einer abstrakt expressiven Malerei in Deutschland nach 1945, die es versteht, das Figurative in die dynamischen Bildwelten einzubinden. Für Sturm war die Leinwand ein »räumlich bewegtes Spielfeld«, in dem sich Geschlossenheit und Expansion, Konstruktion und spontaner Gestus mit »allerlei Gerümpel aus der Spielzeugkiste der Wirklichkeit« vereinen. Die permanente Befragung seiner Malerei hat er sich zur Lebens-aufgabe gemacht. Der langjährige Professor an der Kunstakademie München gehörte zu den Gründungsmitgliedern und zentralen Akteuren der Künstlergruppen ›SPUR‹, ›Geflecht‹ und ›Kollektiv Herzogstrasse‹. SPUR (1958–1965) zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlergemeinschaften der Nachkriegszeit und bildet neben dem Expressionismus und der Künstlergruppe CoBrA einen der Schwerpunkte der Sammlung Selinka im Kunstmuseum Ravensburg. Mit ihren provokanten kulturpolitischen Manifesten und Aktionen trug die Gruppierung maßgeblich zur Aufbruchstimmung im Deutschland der 1960er-Jahre bei, um Bilder einer anderen Wirklichkeit zu schaffen. Die Ausstellung und ein umfangreicher Katalog entstehen in Kooperation mit der Kunsthalle Emden, dem Museum Lothar Fischer und dem Nachlass Helmut Sturm.

Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) und Emil Nolde (1867–1956) lebten zur Zeit der deutschen Kolonialherrschaft, die sie sozialisierte und prägte. Der Band thematisiert ihre intensive Beschäftigung mit Kunst und Kultur aus anderen Teilen der Welt und betrachtet ihre Werke im historischen und ideologischen Kontext des ausgehenden Kaiserreichs.

Textures synthesizes research in history, fashion, art, and visual culture to reassess the “hair story” of peoples of African descent. Long a fraught topic for African Americans and others in the diaspora, Black hair is here addressed by artists, barbers, and activists in both its historical perceptions and its ramifications for self and society today. Combs, products, and implements from the collection of hair pioneer Willie Morrow are paired here with masterworks from artists including James Van Der Zee, Sonya Clark, Lorna Simpson, Mary Sibande and Zanele Muholi. Exploring topics such as the preferential treatment of straight hair, the social hierarchies of skin, and the power and politics of display, Textures is a landmark exploration of Black hair and its important, complicated place in the history of African American life and culture. The exhibition is organized by the KSU Museum with co-curators, Joseph L. Underwood, assistant professor of art history at KSU and Tameka Ellington, associate professor at the Fashion School at KSU.

Oscar Muñoz: Invisibilia is the first mid-career survey of Columbian artist Oscar Muñoz’s work in the United States. Although he has had large-scale retrospectives throughout Europe and Latin America, this exhibition will introduce US audiences to a broad scope of his evolving practice. Beginning with his early, stark charcoal drawings from the late 1970s and early 1980s, whose approach to light and shade continued to impact his aesthetic in later photographic and video works, the exhibition will include approximately 50 exemplary works from his most evocative series created during the late 1980s, 1990s and 2000s to the present day, including site-specific work. In addition, at each venue, Muñoz will recreate local iterations of his Lugar a dudas (Room for Doubt) workshops, which he founded in Cali in 2006 as a hub for young artists to participate in public dialogue and debate about art and politics. Opening at Phoenix Art Museum in the fall of 2020, Invisibilia will be accompanied by the first comprehensive bilingual catalogue of his production, with contributions by leading scholars in the field.

Er war zeitlebens von Armut, Schicksalsschlägen, Drogenexzessen und schwerer Krankheit gezeichnet, konnte nur mit seiner Kunst für Miete und das Nötigste zum Überleben aufkommen. Heute zählt der 1920 im Alter von nur 35 Jahren verstorbene Künstler aus Livorno, Amedeo Modigliani, zu den teuersten Künstlern der Geschichte, dessen Bilder dreistellige Millionenbeträge erzielen.

„In Wiesbaden man erwartet mich schon.“ Alexej von Jawlensky an Karl Im Obersteg, 31. Mai 1921 Vor 100 Jahren – im Juni 1921 traf Alexej von Jawlensky (1864-1941) sehr spontan, die Entscheidung, sich in Wiesbaden niederzulassen. Alles, was in den Jahren bis zu seinem Tod geschah, ist Thema der Jubiläumsausstellung. Es gab viele Erfolge. Er wurde neben Kandinsky, Klee und Feininger Teil der Künstlergruppe „Die Blaue Vier“ und in Amerika populär. Aber Ende der 1920er-Jahre erkrankte er an Arthrose, die Nationalsozialisten stempelten ihn als „entartet“ ab, das Museum Wiesbaden gab seine Werke ab. Nach dem Krieg wurde Jawlensky einer der identitätsstiftenden „Söhne“ der Stadt, sein Leben wurde erforscht und seine Kunst gesammelt. Die 111 Werke im Bestand des Museums, die sein gesamtes Schaffen von den frühen expressiven Köpfen bis zum seriellen Werk umreißen, werden erstmals komplett präsentiert.