Veranstaltungen

Gerd und Helga Plewigs Sammlung von Rindenmalereien aus Nordaustralien mit Werken vor allem aus den 1950er- bis 1970er-Jahren gilt gegenwärtig als die beste derartige Sammlung außerhalb Australiens. Sie beinhaltet Arbeiten aus dem Kimberley, Wadeye, den Tiwi Islands, Arnhem Land und Groote Eylandt von Künstlern wie Yirawala, Mawalan Marika und Mungurrawuy Yunupingu.

Der ganze Heinrich Vogeler am Original-Schauplatz 2022 steht das Künstlerdorf Worpswede ganz im Zeichen Heinrich Vogelers. Die vier Worpsweder Museen – Barkenhoff, Große Kunstschau, Haus im Schluh und Worpsweder Kunsthalle – würdigen den Universalkünstler anlässlich seines 150. Geburtstags am 12. Dezember 2022 mit der Retrospektive »Heinrich Vogeler. Der Neue Mensch«, die sein Leben und alle Werkaspekte und -phasen in einer ebenso facettenreichen wie faszinierenden Zusammenschau erlebbar macht. Im Zentrum stehen dabei das Menschenbild und die persönlichen und politischen Ideale Vogelers, die seine Kunst und sein bewegtes Leben gleichermaßen geprägt haben. Zeitgleich kommt im Frühjahr 2022 eine Doku-Fiktion in die Kinos, die die Lebensreise des Künstlers nachzeichnet. Der Film wurde mit Florian Lukas (Heinrich Vogeler), Anna-Maria Mühe (Martha Vogeler), Naomi Achternbusch (Paula Modersohn-Becker), Johann von Bülow (Rainer Maria Rilke) und weiteren namhaften Schauspielerinnen und Schauspielern teilweise in Worpswede gedreht. Diesem – und allen weiteren Besucherinnen und Besuchern – bietet das Künstlerdorf 2022 die einzigartige Möglichkeit, die originalen Schauplätze kennenzulernen und in den Worpsweder Museen anhand der Originalwerke zu vertiefen.

Feinste Glaskunst und fotorealistische Gemälde im Großformat: Die in Hainfeld (NÖ) lebende Künstlerin Isolde Maria Joham ist eine Pionierin der Glaskunst und eine leidenschaftliche Malerin, deren vielfältiges künstlerisches Schaffen aus dem Blickfeld der öffentlichen Wahrnehmung gerückt ist. In der Landesgalerie Niederösterreich ist die herausragende Künstlerin in einer großen Retrospektive wieder zu entdecken!

In December 1846 Thomas Cole excitedly began work in his new studio, but his early death left his great ambitions unfinished. The studio and its deep impact on future artists is described by renowned Cole scholar, Franklin Kelly and further contributors, bringing new understanding to the critical last phase of Cole’s career.

2022 zeigt das Museum den Werdegang Werner Bergs (1904-1981) in exemplarischer Übersicht. Von dem ersten Selbstportrait des jungen promovierten Staatswissenschaftlers, der 1927 gerade alle Karrierechancen ausschlagend an die Wiener Akademie gewechselt war, über dessen Jahre an der Münchner Akademie und dem lebensentscheidenden Entschluss, sich 1931 mit seiner jungen Familie auf einem entlegenen Bergbauernhof im slowenischsprachigen Teil Unterkärntens anzusiedeln, der Diffamierung als entarteter Künstler und seinem Einsatz als Kriegsmaler in Skandinavien, dem mühsamen Neubeginn auf dem Hof unter prekären Verhältnissen, den persönlichen Lebenskrisen und später erster Anerkennung des in selbstgewählter Isolation entstandenen Werkes bis zur Vereinsamung der letzten Lebensjahre wird ein weiter Bogen gespannt, wobei jedem Lebensjahr zumindest ein Werk zugeordnet und gezeigt wird. Ergänzt wird dieser in seiner Vollständigkeit einmalige chronologische Überblick durch exemplarische Fotos und Audiodateien zu den Ereignissen jeden Jahres mit den wesentlichen programmatischen Selbstzeugnissen Werner Bergs. Zusätzlich bietet die Wiedergabe des Briefwechsels Werner Bergs mit Dr. Heinrich Becker (1881-1972) und dessen Frau Martha (1889-1969) – von den 1930er bis zu den 1970er Jahren waren diese Freunde und Unterstützer durch alle Wechselfälle der Zeit – authentischer als es jeder retrospektiven Schilderung möglich wäre, Gelegenheit, den Künstler in seinem Denken, seiner Entwicklung und seinen Unternehmungen unmittelbar zu begleiten. So ermöglicht die Ausstellung dem Besucher einen bisher nie dagewesenen umfassenden Einblick in Leben und Werk des großen Künstlers vom Rutarhof.

Die Bundeskunsthalle zeigt regelmäßig Ausstellungen mit Werken aus der Sammlung des Bundes. Auch die neue Ausstellung präsentiert ausgewählte Arbeiten, die innerhalb der fünfjährigen Tätigkeit (2017– 2021) von einer ehrenamtlichen Fachkommission für die Sammlung der Bundesrepublik Deutschland angekauft worden sind. Zusätzlich kommen dieses Mal Ankäufe hinzu, die mit Mitteln von NEUSTART KULTUR von einer weiteren Ankaufskommission erworben werden konnten. Das kuratorische Konzept wurde im kollaborativen Prozess von zwölf Kurator*innen unter Moderation der Bundeskunsthalle entwickelt. Das Team verspricht sich von der Durchmischung der beiden Ankaufskonvolute eine größtmögliche Aktualität und einen repräsentativen Querschnitt der zeitgenössischen, mitunter auch der sehr jungen Produktion. Für die dialogische Konzeption der Ausstellung sind Themen und Cluster wie zeitgenössische politische und gesellschaftliche Relevanz, postkolonialer Diskurs, Posthumanität, Geschichtskonstruktionen, Urbanität oder auch eine werkimmanente Bildästhetik maßgeblich. Die Ausstellung trägt der im zeitgenössischen Kontext relevanten Sammlung des Bundes Rechnung und veranschaulicht, wie historische und aktuelle Entwicklungen, kollektive Sehgewohnheiten oder Hinterfragungen von Bildkonstruktionen künstlerisch und modellhaft umgesetzt werden. Die Auswahl der Werke macht deutlich, dass die gegenwärtigen künstlerischen Ausdrucksformen eine breite Palette an Techniken und Medien umfassen – von raumgreifenden Installationen, Zeichnung, Malerei und Skulptur bis hin zu Fotografie, Video und akustischen Arbeiten.

Die Dinge haben eine Bestimmung, und die kommt aus dem Sehen! Dieser einst so prägnant vom Künstler Fritz Schwegler (1935–2014) formulierten Maxime haben sich Barbara Klemm wie auch Christoph Brech in ihrem jeweiligen Oeuvres verschrieben. Beiden gelingt – in der Verdichtung des Bildaufbaus zu einer oft weit über das Sujet hinausweisenden Aussage – ein ganz besonderer Blick auf Menschen, Landschaften und Kunstwerke. Barbara Klemm ist eine der bedeutendsten zeitgenössischen Fotografen Deutschlands. Sie ist bekannt durch minutiös entwickelte, analoge Schwarz-Weiß-Fotografien, die im Bildgedächtnis Deutschlands mittlerweile fest verankert sind – genannt sei hier der berühmte „Bruderkuss“ aus dem Jahr 1979. Christoph Brech schafft Video-Filme, Installationen und Farbfotografien von suggestiver Bildkraft. In seinen Werken spiegeln sich Phänomene der Zeit, der Übergänge, der Erinnerung wider. Die Musik spielt dabei eine große Rolle. Zuletzt schuf er eine Serie von Arbeiten für die Bayerische Staatsoper in München. Beide vermögen mit einem hohen Maß an Sensibilität, Details zu sprechenden Bildkompositionen zusammenzuführen, die eine große Sogwirkung entfalten. Im Diözesanmuseum Paderborn mit seinem offenen, emporstrebendem Innenraum trifft beider Werk zu einem spannungsreichen Dialog aufeinander. Zwischen Digital und Analog, bewegtem Bild und Fotografie, Farbe und Schwarz/Weiß. In die Ausstellung werden einige ausgewählte Objekte der Sammlung des Diözesanmuseums einbezogen, die sich so völlig neu präsentieren.

BMW M erreichte spektakuläre Siege auf allen namhaften Rennstrecken dieser Erde. Darüber hinaus steht die Marke für eine reiche Palette innovativer und leistungsstarker Limousinen, von denen zahlreiche einen Kultstatus und hohen Sammlerwert haben. Mitreißend schildert der Band 50 Jahre BMW M und zeigt, was hinter dem »stärksten Buchstaben der Welt« steckt.

Die Liebieghaus Skulpturensammlung erhält grandiosen Zuwachs: Die Ernst von Siemens Kunststiftung, der Städelsche Museums-Verein und das Städel Museum haben, mit Unterstützung der Kulturstiftung der Länder und der Hessischen Kulturstiftung, eine Sammlung von über 200 kostbaren Elfenbeinskulpturen aus dem Besitz von Reiner Winkler für die Liebieghaus Skulpturensammlung erworben. Mit dieser Erwerbung, die durch die großzügige Schenkung des überwiegenden Teils der Sammlung durch Reiner Winkler überhaupt ermöglicht wurde, gelingt dem Liebieghaus die bedeutendste Erweiterung der eigenen Bestände in der Geschichte des Museums.

Kunstmuseum Den Haag is to present the first solo show in the Netherlands by German mixed-media artist Wiebke Siem (b. 1954, Kiel). Her installations, sculptures, textiles and fashion objects refer to art history and to 20th-century fashion and design. Above all, however, they are about the subordination of women, both in art and in daily life. Using themes like ‘domesticity’, and with great humour, Wiebke Siem exposes the social inequality she experiences.

Die Ausstellung Songlines: Sieben Schwestern erschaffen Australien erzählt eine der zentralen Schöpfungsgeschichten des australischen Kontinents. Songlines sind kulturelle Routen, die ganz Australien durchziehen. Durch Geschichten, Gesang und visuelle Kultur wie zeremonielle Darbietungen oder Felsmalereien erzählen Songlines von den Aktivitäten der Ahn*innenwesen, die auf ihren Reisen das Land erschufen. So auch die Sage der Sieben Schwestern: Sie berichtet von sieben Frauen, die sich klug und listenreich einem männlichen Verfolger mit magischen Fähigkeiten entziehen und auf ihrer Flucht drei Wüsten durchqueren.

Die Künstlermonografie zeigt einen repräsentativen Überblick über das bildnerische Schaffen von Stéphane Zaech (*1966). Technisch anspruchsvoll entsteht sein malerisches Werk aus der Auseinandersetzung mit den alten Meistern – Tizian, Velasquez oder Picasso. Zugleich verkehrt er die »klassischen« Bildtypen und überführt sie in die zeitgenössische Kunst.

Die Ausstellung «Cranach – Die Anfänge in Wien» in der Sammlung Oskar Reinhart « Am Römerholz» würdigt erstmals gemeinsam mit dem Kunsthistorischen Museum Wien die künstlerischen Anfänge Lucas Cranachs d. Ä.. Der aus Franken stammende Künstler schuf seine frühesten bekannten Werke um 1500 in Wien. Sie unterscheiden sich durch ihr ausgeprägt expressives Stilbild deutlich von der späteren höfisch-eleganten Formensprache, welche als typisch für Cranach gilt. Aus der künstlerischen Frühphase ist nur eine verschwindend geringe Anzahl von Arbeiten bekannt – die Schlüsselwerke befinden sich heute in Winterthur und Wien und stehen, ergänzt um hochkarätige Leihgaben, im Mittelpunkt der Ausstellung. Diese bietet einen einmalig umfassenden Überblick über das frühe Schaffen Cranachs.

“Als ich in der Glyptothek vor den Kriegern des Aphaia-Tempels stand, wurde ich Zeuge einer unerwarteten Modernität, die über die Perfektion des Klassizismus hinausgeht.” —Santiago Calatrava Jenseits von Hellas: Santiago Calatrava in der Glyptothek ist die erste Ausstellung, die sich ausschließlich dem bildhauerischen und malerischen Werk des berühmten Architekten Santiago Calatrava widmet. Im Mittelpunkt steht eine neue Skulpturenserie, an der Calatrava seit 20 Jahren arbeitet. Sie umfasst vierzehn großformatige Skulpturen aus Schmiedeeisen auf einem Sockel aus gealtertem Eichenholz, die als moderne, fast abstrakte Variationen der antiken Krieger des Tempels der Aphaia erscheinen. Ergänzt werden diese Skulpturen durch eine Auswahl von 30 Zeichnungen, Aquarellen und vorbereitenden Studien sowie durch Skulpturen aus früheren Serien, die Calatravas Studium des menschlichen Körpers und der Natur verdeutlichen, welches seinen architektonischen Stil kontinuierlich inspiriert. Damit knüpft er gleichzeitig an das große Thema der griechischen Kunst an, die sich beständig mit der Darstellung des menschlichen Körpers beschäftigte.

Die ALBERTINA widmet dem italienisch-US-amerikanischen Künstler Francesco Clemente eine umfassende Personale. Anlass ist die Übernahme der Sammlung Jablonka, die viele bedeutende Werke des Künstlers beinhaltet. Die Schau konzentriert sich auf Clementes Selbstbetrachtungen und, damit in engem Zusammenhang, auf sein Reisen sowie Arbeiten an den verschiedensten Orten der Welt. Eindrücke und Erlebnisse, Geschichten und Mythen werden nicht nur in seinem Schaffen sichtbar, sondern prägen auch ihn selbst und machen ihn letztlich als Person in all ihren unterschiedlichen Facetten aus. Neben Werken aus der Sammlung Jablonka sind einige weitere Schlüsselwerke aus der Sammlung der ALBERTINA zu sehen, sowie die Sirens, eine Serie an Ölgemälden, die erst kürzlich entstanden ist.

Die Kunsthalle München zeigt mit JR: Chronicles die bisher größte Retrospektive des französischen Künstlers JR (*1983) in Deutschland. Die Geschichten, die er mit seinen Projekten erzählt, sollen unseren Blick auf die Welt verändern. Sein Anliegen ist es, Grenzen zu überwinden und Brücken zwischen Menschen zu bauen. Anhand von Fotografien, Videos, Modellen und großflächigen Plakatierungen (Pastings) macht die multimediale Ausstellung die Projekte von JR neu erlebbar.

Die erste große Sonderausstellung im neuen Bereich für Wechselausstellungen, dem Ernst Max von Grunelius-Saal des neu eröffneten Deutschen Romantik- Museums, macht einen weiteren, bislang im Depot verwahrten Bestand des Freien Deutschen Hochstifts für die Öffentlichkeit sichtbar: die einzigartige und bemerkenswerte Sammlung der Handzeichnungen. Diese birgt nicht allein so berühmte Werke wie J. H. W. Tischbeins Darstellung Goethes am Fenster seiner italienischen Wohnung in Rom oder den vom Dichter selbst erdachten und aufs Papier gebrachten Farbenkreis. Sie stellt darüber hinaus die enorme Bandbreite zeichnerischer Ausdrucksformen im 18. und 19. Jahr- hundert vor und beleuchtet die große, heute kaum fass- bare gesellschaftliche Funktion, welche die Zeichnung und das Zeichnen im Zeitalter Goethes hatten. Auch die Besucher der Ausstellung sind eingeladen, selbst tätig zu werden und das Zeichnen neu zu erproben.

Vernissage: Freitag 02. September 2022, 19:00 Uhr

Die Ausstellung «The Other Kabul. Remains of the Garden» versammelt Werke von rund 20 afghanischen und nicht-afghanischen Künstler*innen. Ihre Werke, die grösstenteils extra neu geschaffen wurden, drehen sich um den Garten als Mikrokosmos der ganzen Welt. Er enthält das Leben der Menschen mit den Tieren und Pflanzen, mit all seinen Wundern, in all seiner Schönheit, ohne jedoch die Krisen, die gestern und heute auf der Erde herrschen, unter den Teppich zu kehren. Denn ob aus Afghanistan stammend oder nicht, «The Other Kabul» ist ein Ort der Zukunft, der auf der ganzen Welt liegen kann und somit als Reflexionsebene für alle offen steht.

Reinhard Muchas Werk gilt mit seiner Neubestimmung von Skulptur, Fotografie und Installation als eine der bedeutendsten Positionen der Gegenwartskunst. Mit der Ausstellung des 1950 in Düsseldorf geborenen Künstlers vereint die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen an ihren beiden Standorten, K20 und K21, lange nicht gesehene Installationen mit Werken aus allen Schaffensphasen und entwirft so ein Panorama, das sich auf über vierzig Jahre künstlerischer Arbeit erstreckt. Neben der seit 2002 in K21 rekonstruierten Installation „Das Deutschlandgerät“, [2002] 1990, die ursprünglich für den deutschen Pavillon auf der Biennale di Venezia von 1990 entstand, wird das frühe Hauptwerk „Wartesaal“, [1997], [1986] 1979 – 1982, zu sehen sein, das seit der documenta X, 1997 nicht mehr öffentlich gezeigt wurde. In der Grabbehalle von K20 wird unter anderem mit „Das Figur-Grund Problem in der Architektur des Barock (für dich allein bleibt nur das Grab)“, eine der wenigen noch existierenden größeren Installationen aus Museumsmobiliar und Gebrauchsgegenständen erstmalig seit 1985 aufs Neue realisiert werden.

Well-known for his etchings on bark paper featuring dazzling skeleton-characters working, celebrating, walking the streets, or crossing borders, Nicolás De Jesús’s political commitment is also expressed through powerful large-scale paintings that tackle a wide range of urgent themes including immigration, human rights, and environmental instability.

Ein grundlegendes Interesse an kulturellen Riten sowie dynamischen Prozessen der Spiegelung, Verschiebung und Neubestimmung zwischen Genre und Zeiten kennzeichnet das Werk von Joan Jonas (geb. 1936, New York, USA). Die Werkschau legt den Fokus auf wiederkehrende Themen. Ökologische Fragestellungen klingen bereits in frühen Videoarbeiten wie Wind (1968) an; sie sind zentral für raumgreifende Installationen wie Reanimation (2010–12) oder Stream or River, Flight or Pattern (2016), die den Klimawandel und bedrohte Ökosysteme erzählerisch behandeln. Die Befragung kollektiver Bilder und Figuren aus Mythologie, Märchen und Fabel vor dem Hintergrund sozio-politischer Ereignisse bildet den Ausgangspunkt für Werke wie Juniper Tree (1969), Volcano Saga (1985) oder Lines in the Sand (2002). Ein weiteres Segment der Ausstellung versammelt Masken und Requisiten, die Jonas über die Jahre hinweg in ihren Performances begleitet haben und sich auf Elemente des japanischen Noh-Theaters und des Surrealismus beziehen.