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Die Große Landesausstellung, anlässlich des 500. Jahrestags der Landung des spanischen Eroberers Hernán Cortés im Golf von Mexiko, eröffnet dem Besucher einen neuen, vertiefenden Blick auf die Kultur der Azteken. Beginnend mit der Peripherie des aztekischen Imperiums (ca. 1430 – 1521 n. Chr.) und der natürlichen und kulturellen Vielfalt Mexikos, nähern wir uns dem Inneren des Reiches und seiner Hauptstadt Tenochtitlan. Im Fokus dieses Teils der Ausstellung stehen zwei von weltweit noch vier erhaltenen Federschilde der Azteken sowie eine hochwertige Grünsteinfigur. Nach dem Durchschreiten des Herrscherpalastes des Kaisers Moctezuma betritt der/die Besucher*in das Innerste des Imperiums: den heiligen Bezirk mit dem Haupttempel Templo Mayor. Als Leitfaden der Ausstellung dienen die Tribute, die das aztekische Imperium seinen eroberten Provinzen auferlegte. Sie flossen nach Tenochtitlan und in hoher Zahl weiter in den Templo Mayor, als Gaben an die Götter.

Erstmals widmet sich die Große Landesausstellung Kaiser und Sultan den historischen und kulturellen Verflechtungen in Ostmittel- und Südosteuropa. Das im Herzen Europas gelegene und von den Osmanen Rumelien genannte Gebiet war im 17. Jahrhundert Schauplatz von Kriegen, Konflikten und ethnischen Unruhen. Im Spannungsfeld der Großmächte wurden Ungarn, Siebenbürgen und die Balkanhalbinsel zu Transit- und Grenzräumen. Die Große Landesausstellung rückt die zivilisatorischen Neuerungen in den Mittelpunkt, die im Schatten von Machtpolitik und Glaubenskonflikten entstanden: Innovationen in Architektur, Kunst und Mode oder die Einführung neuer technischer Verfahren.

Das 18. Jahrhundert war eine Blüte- und Umbruchszeit der europäischen Kunst, die so unterschiedliche Persönlichkeiten wie Francisco José de Goya y Lucientes (1746–1828), Jean-Honoré Fragonard (1732–1806) und Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770) hervorgebracht hat. Mit »Goya, Fragonard, Tiepolo. Die Freiheit der Malerei« widmet die Hamburger Kunsthalle einem Kapitel der folgenreichsten Epochen der europäischen Kunstgeschichte eine umfassende Schau. Gleichzeitig setzt die Präsentation mit rund 100 bedeutenden Gemälden und Graphiken, versammelt aus den wichtigen nationalen und internationalen Museen, den Schlusspunkt des Jubiläumsjahres 2019 in der Hamburger Kunsthalle.

Taking Shape: Abstraction from the Arab World, 1950s–1980s traces the emergence and development of abstraction in the Arab world through paintings and sculpture dating from the 1950s through the 1980s. Drawn from the collection of the Barjeel Art Foundation based in Sharjah, UAE, the exhibition features some 75 works by a diverse group of artists, including Etel Adnan, Shakir Hassan Al Said, Kamal Boullata, Huguette Caland, Ahmed Cherkaoui, Saloua Raouda Choucair, Rachid Koraïchi, and Hassan Sharif, among others. Taking Shape reveals how artists moved away from figuration toward a process of simplifying and schematizing reality—an approach initiated by both artist collectives as well as by individual practitioners in the region and the Arab diaspora. Accompanying the exhibition will be a fully illustrated publication featuring new scholarship.

Gerald Clarke: Falling Rock is the first mid-career survey and major solo exhibition of contemporary Native American artist Gerald Clarke. A member of the Cahuilla Band of Indians, Clarke utilizes wit and humor to expose historical and present-day injustice, bringing a de-colonial perspective to critical social, economic, and environmental issues facing our world.

Modernisms: Iranian, Turkish, and Indian Highlights from NYU’s Abby Weed Grey Collection explores art from the 1960s and early ’70s from Iran, Turkey, and India via selections from the unparalleled Abby Weed Grey Collection of Modern Asian and Middle Eastern Art at New York University. Featuring approximately 25 to 35 paintings, sculpture, drawings, and prints from each country, the exhibition will shed light on how Iranian, Turkish, and Indian artists created works that drew on their specific heritages while also engaging in global discourses around key issues of modernity. Illuminating our understanding of art made outside the long-dominant North American–West European axis, the exhibition also features historic exhibition brochures, invitations, photographs, correspondence, journals, and invoices from the Abby Weed Grey Papers housed in the NYU Archives.

Die Künstlerin Angelika Kauffmann (1741–1807) vertritt exemplarisch den neuen Typus einer europaweit vernetzten und weltgewandten Künstlerin. Ihr breitgefächertes Œuvre repräsentiert wesentliche Aspekte des internationalen Klassizismus im Zeitalter der Aufklärung und Empfindsamkeit. Schon in jungen Jahren wurde die gebürtige Schweizerin als Wunderkind gefeiert, ihren Durchbruch erlangte sie jedoch in London. Protegiert vom englischen Hof setzte sie sich bald in der englischen Kunstszene als gefragte Porträtistin und Historienmalerin durch und erhielt schließlich aus ganz Europa Aufträge. Viele ihrer Werke prägten die Kunst und Mode ihrer Zeit und lösten einen regelrechten Kauffmann-Kult aus. Von den etwa hundert ausgestellten Werken werden etliche erstmals öffentlich zu sehen sein.

Gefördert von Courbet, beeinflusst von Manet und geschätzt von van Gogh, gehört Wilhelm Leibl (1844–1900) zu den wichtigsten Vertretern des Realismus in Europa. Im Mittelpunkt seines Werks steht die ungeschönte Darstellung des Menschen. Mit seinem Rückzug von der Stadt aufs Land begründete er eine moderne Figurenmalerei, in der die Naturwahrheit über der Idylle und der Erzählfreude der traditionellen Genremalerei steht. Richtschnur war für Leibl nicht, dass ein Modell schön, sondern dass es „gut gesehen“ wurde. Die Ausstellung mit Leihgaben aus Deutschland, Österreich, Ungarn, Tschechien, der Schweiz und den USA entstand in Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich.

Kleinformatige Glasgemälde sind im 16. Jahrhundert in Süddeutschland, vor allem aber in der Eidgenossenschaft sehr weit verbreitet. Mit Glasgemälden in der Schweiz verhält es sich also wie mit Tannenzapfen im Schwarzwald oder Schnee in den Alpen – so behauptet zumindest der Strassburger Gelehrte Johann Fischart (1546/47–1591). Es handelt sich um Kunstwerke von grösster Qualität, die Rats- und Zunfthäuser, Universitäten, Klöster und Spitäler schmückten. Die Ausführung der Scheiben lag in den Händen professioneller Glasmaler, für die Entwürfe beauftragte man namhafte Künstler der Zeit. Auch Hans Holbein d. J., Niklaus Manuel, Urs Graf und Tobias Stimmer haben Vorzeichnungen für Glasgemälde, sogenannte Scheibenrisse, geschaffen. Während von den Scheiben nur wenige erhalten blieben, existieren die gezeichneten Vorlagen heute noch in grosser Zahl.

Mit David Hockney präsentiert das Bucerius Kunst Forum einen der bedeutendsten Gegenwartskünstler Großbritanniens. Die retrospektiv angelegte Ausstellung widmet sich seinem vielseitigen Schaffen als Maler, Zeichner und Grafiker. Hockneys ständige Suche nach neuen Ausdrucksformen sowie die Möglichkeiten und Darstellungen von Perspektive, Wahrnehmung und Realität sind zentrale Aspekte der Schau. Ebenso zeigen seine einfühlsamen Porträts und intimen Aktdarstellungen Hockneys feines Gespür für zwischenmenschliche Beziehungen und sein Interesse am männlichen Körper. Mit Gemälden wie "The First Marriage", "Mr and Mrs Clark and Percy" oder auch "My Parents" sind zum ersten Mal einige der Hauptwerke David Hockneys in einer Ausstellung in Deutschland versammelt. Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit Tate London.

"Still, for convenience, I refer to “outsider” art and “outsider” artists, as a shorthand with the understanding that others may favor other descriptives. Outsider art is not a “school” of art; what sets it apart is the circumstances and characteristics of the artist. The biographical narrative of every outsider artist is unique, but most share one or more of the following: no or only limited art training; living with mental or physical infirmities; poverty; educational deficit; being held back by racial discrimination. Most did not create their art for others, and any made no effort to share the work with anyone; some even affirmatively withheld it from the view of others." -Victor Keen “When it comes to self-taught and outsider art, there is a special barrier to a full embrace by head and heart. In the face of this supposedly raw art, we are often exhorted with evangelical force to renounce analysis and lay aside what we carry of knowledge and experience—what the artist Jean Dubuffet called asphyxiating culture—in favor of genuine response.” –Lyle Rexer

Lee Krasner zählt zu den wichtigsten Vertreterinnen des Abstrakten Expressionismus in den USA. Dennoch stand ihre Kunst lange im Schatten ihres Ehemannes Jackson Pollock. Ihr vielfältiges Werk wird nun erstmals in einer um ­fassenden Retrospektive in Europa gewürdigt. Es erzählt die Geschichte von einer der unbeirrbarsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

500 Werke - 53 Künstler*innen - 4 Orte Mit dem Ausstellungsprojekt Jetzt! Junge Malerei in Deutschland unternehmen das Kunstmuseum Bonn, das Museum Wiesbaden, die Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser und die Deichtorhallen Hamburg den Versuch, den aktuellen Stand des Mediums zu bestimmen. Ziel ist es, einen gültigen Querschnitt durch die junge, in Deutschland entstandene Malerei zu geben und dabei alle Erscheinungsformen des Mediums ohne konzeptuelle oder ideologische Einschränkungen zu berücksichtigen.

Göttin, Teufe­lin, Puppe, Fetisch, Kind­frau oder wunder­ba­res Traum­we­sen – die Frau war das zentrale Thema surrea­lis­ti­scher Männer­fan­ta­sien. Künst­le­rin­nen gelang es oftmals nur als Part­ne­rin oder Modell, in den Kreis rund um den Grün­der der Gruppe der Surrea­lis­ten André Breton einzu­drin­gen. Aller­dings zeigt sich bei genaue­rer Betrach­tung, dass die Betei­li­gung von Künst­le­rin­nen an der Bewe­gung wesent­lich größer war als allge­mein bekannt und darge­stellt. Die SCHIRN betont nun erst­mals in einer großen Themen­aus­stel­lung den weib­li­chen Beitrag zum Surrea­lis­mus. Was die Künst­le­rin­nen von ihren männ­li­chen Kolle­gen vor allem unter­schei­det, ist die Umkehr der Perspek­tive: Oft durch Befra­gung des eige­nen Spie­gel­bilds oder das Einneh­men unter­schied­li­cher Rollen sind sie auf der Suche nach einem neuen weib­li­chen Iden­ti­täts­mo­dell. Auch mit dem poli­ti­schen Zeit­ge­sche­hen, der Lite­ra­tur sowie außer­eu­ro­päi­schen Mythen und Reli­gio­nen setz­ten sich die Surrea­lis­tin­nen in ihren Werken ausein­an­der. Mit rund 260 beein­dru­cken­den Gemäl­den, Papier­ar­bei­ten, Skulp­tu­ren, Foto­gra­fien und Filmen von 35 inter­na­tio­na­len Künst­le­rin­nen bildet die Ausstel­lung ein viel­fäl­ti­ges stilis­ti­sches und inhalt­li­ches Spek­trum ab. Neben berühm­ten Frauen wie Louise Bour­geois, Frida Kahlo oder Meret Oppen­heim sind zahl­rei­che unbe­kannte, aufre­gende Persön­lich­kei­ten wie Alice Rahon oder Kay Sage aus mehr als drei Jahr­zehn­ten surrea­lis­ti­scher Kunst zu entde­cken.

In den Werken ihrer Kunst solle der „weibliche Verstand“ und ihre Hand als eigene Macht zum Ausdruck kommen, forderte 1834 die englische Kunstschriftstellerin Anna Jameson von den deutschen Malerinnen als neues Kriterium. Und beginnend mit Raffael reihte sie deren Werke ein in die lange Geschichte der Malerei – ein Statement, das damals so wenig selbstverständlich war wie überhaupt das Urteil einer Frau in Sachen Kunst. Zwölf Malerinnen der Romantik, mit ihren Meisterwerken, gespiegelt an den Arbeiten männlicher Kollegen, ist diese Ausstellung gewidmet. Kritisch beleuchtet werden Rollenzuweisungen und Rollenforderungen. Unsere Präsentation umfasst ca. 80 Gemälde und Zeichnungen, davon viele unbekannte Arbeiten.

Aenne Biermann (1898–1933) zählt zu den festen Größen der Fotografie der 1920er und 1930er-Jahre. In nur sieben Jahren wird aus der Autodidaktin eine bekannte Vertreterin der deutschen Avantgardefotografie, die an allen wichtigen Ausstellungen ihrer Zeit teilnimmt. Mit rund 130 Fotografien wird die gesamte Bandbreite ihrer Motivik gezeigt. Der zentrale Bestand der Sammlung des Museum Folkwang wird durch wichtige externe Leihgaben ergänzt.

Die ALBERTINA widmet ihre Frühjahrsausstellung 2020 einer der bedeutendsten Privatsammlungen der französischen Moderne. Die Sammlung Hahnloser entstand zwischen 1905 und 1936 im engen freundschaftlichen Austausch zwischen dem Sammlerpaar Arthur und Hedy Hahnloser-Bühler und ihren Künstlerfreunden, darunter Pierre Bonnard, Ferdinand Hodler, Henri Matisse und Félix Vallotton. Später wurden auch deren Vorläufer Cézanne, Renoir, Toulouse-Lautrec, Van Gogh u.a. Teil der Sammlung. Mit rund 120 Werken präsentiert die Ausstellung in der ALBERTINA einen Überblick dieser international einzigartige Sammlung der Moderne, und beleuchtet durch Leihgaben aus dem Kunstmuseum Bern oder dem Kunstmuseum Winterthur auch ihren kulturpolitisch vorbildhaften Aspekt.

This exhibition brings together a selection of drawings created by the Inuk artist Shuvinai Ashoona over the past two decades. In many of her drawings, Ashoona references traditional Inuit imagery—from quotidian life to the mythic—and she is celebrated for the imaginative way she combines these and other cultural references to develop a sophisticated and highly personal iconography. Derived equally from her environment and her imagination, Ashoona’s work is fed by her fascination with horror films, comic books and television. In this exhibition, visitors will encounter Ashoona’s wide-reaching interests that blur boundaries between the worlds of reality and fantasy, past and future. Organized and circulated by the Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto and curated by Nancy Campbell

Mit über 80 aufwendig reproduzierten Werken wird der Münchner Maler Carl Spitzweg in der Bandbreite seiner raffinierten Bildsprache präsentiert. Zum Teil noch nie öffentlich gezeigte Landschafts- und Genrebilder, aber auch bekannte Hauptwerke aus dem Besitz der großen Spitzweg-Sammlungen laden zu Entdeckungen zwischen feinstem Kolorismus und hintergründigem Humor.

Mit der Ausstellung „Juul Kraijer. Zweiheit/Twoness“ zeigt das Museum Sinclair-Haus eine zeitgenössische Künstlerin, die sich in ihren Werken mit der menschlichen Natur befasst. Zeichen für alles Menschliche ist dabei stets der Körper – er dient als Projektionsfläche für das gesamte Spektrum der menschlichen Wirklichkeit.

Das MdbK besitzt die umfangreichste Sammlung an Werken des Leipziger Künstlers. Zur 100-jährigen Wiederkehr seines Todestages wird dem bedeutenden Wegbereiter der Moderne eine umfassende Ausstellung gewidmet.

Otto Reitsperger (*1955) inszeniert den Raum zweidimensional. In seinen Werken setzt er sich subtil mit dem Verhältnis von Fläche und Räumlichkeit auseinander und lotet dabei die Möglichkeiten von Farbe und Helligkeitsstufen, Linien, Balken oder Rahmen im Bild aus. Ungegenständlichkeit und Illusionismus verbinden sich zu einer sinnlich-dichten Malerei voller Poesie und pulsierender Bewegtheit.

Eine Ausstellung des Kunstmuseums Bern in Zusammenarbeit mit dem Kunstforum Hermann Stenner. Das Kunstforum Hermann Stenner widmet seine dritte Ausstellung dem Schweizer Künstler und Bauhauslehrer Johannes Itten (1888–1967). Zum ersten Mal wird mit der Ausstellung „Johannes Itten. Kunst als Leben. Bauhausutopien und Dokumente der Wirklichkeit“ das utopische Projekt Ittens, Kunst und Leben auf ganzheitliche Weise zu verschmelzen, ins Auge gefasst. Schon bei der Gründung des Bauhauses hat sich Johannes Itten als Künstler mit dem Konzept, in allen Kunstformen eine „höchst mögliche Entmaterialisierung der Einzeldinge“ zu erreichen, radikal positioniert und diese Gedanken programmatisch im berühmten Bauhaus-Almanach „Utopia. Dokumente der Wirklichkeit“ formuliert.

Nearly seventy of the finest examples of Asian art in the United States, collected by John D. Rockeller 3rd and his wife Blanchette Hooker Rockefeller between the 1940s and '70s, will be showcased in an exhibition on loan from the Asia Society Museum. The extraordinary range of bronzes, ceramics, and metalwork reveals great achievements in Asian art spanning more than two millennia.

Agnes Pelton (1881–1961) was among the generation of American artists in the first decades of the twentieth century who rejected realism in favor of portraying their inner emotional states. But unlike her peers, who based their abstractions on the exterior world, Pelton used her vocabulary of curvilinear, biomorphic forms and delicate, shimmering veils of light to depict the unseen forces she believed exist in nature. Pelton’s art was included in the 1913 Armory Show, but her decision to remove herself from the art world meant that even within her lifetime she was relatively unknown except for her participation in the short-lived Transcendental Painting Group (1938–1942). Its members, like Pelton, believed in numerology, astrology, and faith healing. Agnes Pelton: Desert Transcendentalist, the first survey of her work in more than twenty-four years, brings together approximately forty paintings dating from 1917 to 1961 that will illuminate her artistic contribution to American modernism and place her art within the context of international spiritual and esoteric abstraction. Agnes Pelton: Desert Transcendentalist is organized by the Phoenix Art Museum, and curated by Gilbert Vicario, The Selig Family Chief Curator. The installation at the Whitney Museum is overseen by Barbara Haskell, curator, with Sarah Humphreville, senior curatorial assistant.

"The Beginning" bietet einen umfassenden Überblick über eine der innovativsten Epochen österreichischer Kunstgeschichte: vom Wiener Phantastischen Realismus über die frühe Abstraktion, den Wiener Aktionismus, die kinetische und konkrete Kunst sowie die österreichische Spielvariante der Pop Art bis zu dem für Wien so kennzeichnenden gesellschaftskritischen Realismus.

John Heartfield (1891-1968) zählt mit seinen politischen Collagen zu den innovativsten Grafikern der Weimarer Republik. Seine Fotomontagen und collagierten Buchumschläge, die ihre Herkunft in der Berliner Dada-Szene haben und sich gegen den Faschismus richten, sind noch heute von großer Sprengkraft.

"Frida Kahlo: Appearances Can Be Deceiving" examines how politics, gender, disability, and national identity influenced Kahlo’s diverse modes of creativity. The exhibition features highly personal items, which came to light in 2004 at her lifelong home, La Casa Azul (now Museo Frida Kahlo) in Mexico City—including approximately 30 photographs, 20 vibrant Tehuana costumes from her wardrobe, and personalized braces and prosthetics—alongside paintings and drawings by the artist and photographs reflecting her iconic style. Frida Kahlo’s oeuvre deals with many topics that were not only significant to the artist but are still relevant today.

Die Elemente von Astrid Lowacks (*1969) fotografisch-künstlerischer Transzendenz sind Bewegung und Wasser. Als Motoren des Lebens bewirken sie unaufhaltsam Veränderungen und reflektieren dabei unser Innerstes – unsere Gefühle und Erfahrungen. Ihre Momentaufnahmen sind dabei stete illusionistische Herausforderungen der menschlichen Wahrnehmung.

Wem ist sie nicht aufgefallen, die grosse Dominique, die die Besucher der Graphischen Sammlung ETH Zürich mit ihrem sanften Lächeln zu begrüssen pflegt. Das verblüffende Porträt, das mit seinem inneren Strahlen und einer ungeheuren Präsenz besticht und den Betrachter zwischen Faszination und Irritation schweben lässt, hängt im Korridor zum Ausstellungssaal. Als Franz Gertsch (*1930) 1988 die Realisierung des Holzschnittes in Angriff nahm, konnte er sich lange nicht entscheiden, ob er sich an dessen Stelle nicht an ein Landschaftsmotiv wagen sollte. Neben den Porträts, die mittlerweile zu den Ikonen der Schweizer Kunst zählen, ist der grosse Schweizer Künstler heute auch für seine berückenden Landschaften bekannt. Was weniger im allgemeinen Bewusstsein verankert ist, sind seine frühen Arbeiten. Und genau auf diese Phase seines umfassenden Schaffens fokussiert die geplante Präsentation, die Franz Gertsch zu Ehren seines neunzigsten Geburtstags ausgerichtet wird. Parallel zur Ausstellung im Museum Franz Gertsch Burgdorf («Zeitgeistbilder. Franz Gertschs Werke der 1970er Jahre», 21. März bis 16. August 2020) bietet die Auswahl einen Einblick in Gertschs frühes Werk, als er neben filigranen Holzschnitten auch romantisch anmutende Zeichnungen schuf. Gemeinsam mit dem Künstler wurden dafür einzelne Themengruppen aus dessen Sammlung sowie aus dem eigenen Bestand ausgewählt. Daneben sollen Farbproben, die im Verlauf des komplexen Drucks seiner unvergleichlichen monochromen Welten entstehen und die der Künstler liebevoll «études (de) couleurs» nennt, die Übersicht abrunden. Zur Ausstellung ist ein Katalog geplant.

Die Ausstellung Giorgio de Chirico. Die metaphysische Malerei zeichnet die Laufbahn sowie die künstlerischen und philosophischen Einflüsse nach, die den Künstler Giorgio de Chirico auf seinen Reisen von München über Turin und Paris (wo er die bildnerische Avantgarde seiner Zeit entdeckt) bis Ferrara prägten. Auf völlig neue Weise werden die Kontakte des Künstlers, der von Apollinaire entdeckt und dann vom Kunsthändler Paul Guillaume unterstützt wurde, mit den kulturellen und literarischen Kreisen in Paris beleuchtet. De Chirico wird in Griechenland geboren und unterliegt im Zuge seiner Ausbildung den tiefgreifenden Einflüssen der klassischen Kultur und späten deutschen Romantik. Er entwickelt die Grundlagen einer neuen künstlerischen Gestaltung an der Seite seines jüngeren Bruders Alberto Savinio. Er besucht ab 1908 die Kunstakademie in München und entdeckt die Gedankenwelt von Nietzsche und Schopenhauer sowie die Werke von Böcklin und Klinger. Nach kurzen Aufenthalten in Mailand und Florenz lässt er sich ab Herbst 1911 in der französischen Hauptstadt Paris nieder, wo er ein einzigartiges bildnerisches Vokabular im Kontakt mit den modernistischen Revolutionen im Bereich der künstlerischen Darstellung entwickelt. Sehr schnell werden bekannte Künstler seiner Zeit auf ihn aufmerksam. Guillaume Apollinaire, Maurice Raynal und André Salmon, aber auch André Breton, Paul Éluard, Jean Paulhan zählen zu den ersten, die sich für sein Werk interessieren und versuchen, es zu fördern. Die Ausstellung findet somit ihren Platz im Musée de l'Orangerie rund um die Figur von Paul Guillaume, den ersten Kunsthändler von Giorgio de Chirico. Nach seiner Rückkehr nach Italien 1915 wird er mit seinem Bruder Savinio aus militärischen Gründen nach Ferrare geschickt, wo er seine darstellerischen Nachforschungen fortsetzt. Die Periode in Ferrara (Juni 1915 - Dezember 1918) ist die Gelegenheit für die Maler Carlo Carrà und Giorgio Morandi, sich mit den beiden Brüdern anzufreunden. Dies führt zur Gründung einer Künstlergruppe, die später als "Metaphysische Schule" bezeichnet wird - und die Ausstellung abschließt.

"Breaking out of Tradition" spürt den bahnbrechenden Entwicklungen der Lackkunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Japan nach. Die Lackkünstler der Zeit setzten sich kritisch-kreativ mit den jahrhundertealten Traditionen auseinander, experimentierten mit innovativen Techniken und neue Materialien und erzielten damit auch in der westlichen Kunst neue Impulse.

In außerordentlicher Lebendigkeit und thematischer Vielfalt erzählen die Bildschnitzereien, die Meister Arnt von Kalkar und Zwolle zwischen 1460 und 1492 schuf, von den Heiligen Drei Königen, dem heiligen Georg oder der Heilsgeschichte. In großer Kunstfertigkeit verleiht er seinen Figuren Persönlichkeit, sodass sie in ihrer individuellen Beseeltheit beeindrucken.