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In 1969, Angela Davis, a twenty-six-year-old black activist, was fired from her teaching position at UCLA, accused of involvement in a shootout that resulted in the deaths of four men, put on the FBI’s Most Wanted List, and spent several months as a fugitive. In October, she was arrested in New York and returned to California to stand trial. Her image became the focus and the tool of an unprecedented international effort to free an incarcerated black woman. Her trial and acquittal, in 1972, made her a lightning rod for fears and hopes on the right and left about revolutionary change and she has remained an active agent of change in the years since.

Textures synthesizes research in history, fashion, art, and visual culture to reassess the “hair story” of peoples of African descent. Long a fraught topic for African Americans and others in the diaspora, Black hair is here addressed by artists, barbers, and activists in both its historical perceptions and its ramifications for self and society today. Combs, products, and implements from the collection of hair pioneer Willie Morrow are paired here with masterworks from artists including James Van Der Zee, Sonya Clark, Lorna Simpson, Mary Sibande and Zanele Muholi. Exploring topics such as the preferential treatment of straight hair, the social hierarchies of skin, and the power and politics of display, Textures is a landmark exploration of Black hair and its important, complicated place in the history of African American life and culture. The exhibition is organized by the KSU Museum with co-curators, Joseph L. Underwood, assistant professor of art history at KSU and Tameka Ellington, associate professor at the Fashion School at KSU.

„In Wiesbaden man erwartet mich schon.“ Alexej von Jawlensky an Karl Im Obersteg, 31. Mai 1921 Vor 100 Jahren – im Juni 1921 traf Alexej von Jawlensky (1864-1941) sehr spontan, die Entscheidung, sich in Wiesbaden niederzulassen. Alles, was in den Jahren bis zu seinem Tod geschah, ist Thema der Jubiläumsausstellung. Es gab viele Erfolge. Er wurde neben Kandinsky, Klee und Feininger Teil der Künstlergruppe „Die Blaue Vier“ und in Amerika populär. Aber Ende der 1920er-Jahre erkrankte er an Arthrose, die Nationalsozialisten stempelten ihn als „entartet“ ab, das Museum Wiesbaden gab seine Werke ab. Nach dem Krieg wurde Jawlensky einer der identitätsstiftenden „Söhne“ der Stadt, sein Leben wurde erforscht und seine Kunst gesammelt. Die 111 Werke im Bestand des Museums, die sein gesamtes Schaffen von den frühen expressiven Köpfen bis zum seriellen Werk umreißen, werden erstmals komplett präsentiert.

ReVisión: Art in the Americas will be the first exhibition to open in the Martin Building. A strong selection of nearly 180 objects from the museum’s ancient American and Latin American art collections, hailed as one of the best in the country, will tell a visually compelling narrative about the formation of the Americas from 100 B.C. to today. The thematic presentation will explore land, people, and place by linking ancient and contemporary artworks that address political and social issues at the heart of the region’s cultural heritage as well as expand the narrative through voices that include women artists and contemporary voices that speak to the diversity of the Americas.

Friedl Dicker-Brandeis (1898–1944) zählt zu den bedeutendsten Schülerinnen des Weimarer Bauhauses. Das künstlerische Multitalent spezialisierte sich zunächst auf textile und grafische Gestaltung, später arbeitete sie als Designerin und Innenarchitektin. Ihre Gemälde spiegeln die tiefgehende Auseinandersetzung mit der klassischen Avantgarde wider. Detailliert zeichnet der Band das vielseitige kreative Schaffen einer politisch verfolgten Künstlerin nach.

Das Gehirn ist eines der letzten großen Rätsel des menschlichen Körpers. Was haben wir eigentlich im Kopf, und wie stellen wir uns die Vorgänge im Gehirn vor? Ist unser Ich etwas anderes als unser Körper, und wie machen wir uns einen Reim auf die Welt um uns herum? Wie sieht das Gehirn der Zukunft aus: Werden wir zu computergestützten Cyborgs? Es bedarf der Zusammenarbeit vieler Disziplinen, um sich diesen Fragen zu nähern. Die Hirnforschung liefert uns fortwährend aktuelle Erkenntnisse, steht aber auch noch vor vielen ungelösten Fragen. Die Kunst kann dabei helfen, frei über Denken und Fühlen, Bewusstsein und Wahrnehmung, Erinnerung und Traum nachzudenken. Assoziativ verbundene Werke aus Kunst und Kulturgeschichte treffen in dieser Ausstellung auf wissenschaftliche Forschung, um das menschliche Gehirn – wie ein unbekanntes Territorium – zu erkunden und besser verstehen zu lernen.

Die Hamburgerin Mary Warburg, geb. Hertz (1866–1934), gehört bis heute zu den weitgehend unbekannten Künstlerinnen der Moderne. Bereits zu Lebzeiten stand sie im Schatten ihres Ehemanns, des Kunsthistorikers Aby Warburg (1866–1929), der durch seine Kulturwissenschaftliche Bibliothek und den epochalen Bilderatlas Mnemosyne Berühmtheit erlangte.

"I am interested in the instant and the processes that occur so that an image can become consolidated, or not, in memory" -Oscar Muñoz, 2011 Oscar Muñoz: Invisibilia is the first retrospective of this Colombian artist’s work in the United States. Beginning with his early charcoal drawings from the late 1970s, the exhibition will include approximately 40 exemplary works from his most evocative series created between then and the present day. Since the late 1980s, Muñoz has sought to reinvent the medium of photography, creating hybrid works that splice photographic processes with drawing, painting, printmaking, installation, video, and sculpture, as well as interactive works. He turns photographic processes inside out to underscore the intrinsic fragility and transient nature of the image. And he also highlights how the act of opening the aperture to light instantaneously transforms the present into the past, life into memory: “The photograph, as we all know, becomes memory at the moment when it not only receives the light rays from the exterior, but is also capable of fixing them. That is the moment when a photograph turns into the past.” This project is long overdue. It seeks to elucidate the philosophies and the poetics underlying this seminal artist’s body of work, as well as the unstable imagery he has created, which, nevertheless, becomes indelible in our imaginations. Organized by Vanessa Davidson, Curator of Latin American Art, Blanton Museum of Art

Die eigene Garderobe gehört zum persönlichsten Besitz eines Menschen. Nichts ist uns körperlich näher. Neben ihrer praktischen Funktion ist sie außerdem ein nuancenreiches Mittel der Kommunikation und der Selbstgestaltung. Die Ausstellung Dressed. "7 Frauen – 200 Jahre Mode" stellt sieben modebewusste Frauen und ihre Garderoben vor, beginnend im 19. Jahrhundert bis heute. Im Mittelpunkt stehen die Trägerinnen, die zugleich Performerinnen und Konsumentinnen von Mode sind, ihre Persönlichkeiten und ihre Biografien. Ob Haute Couture, Alltags-, Protest- oder Avantgardemode: So unterschiedlich wie die Lebensläufe sind auch ihre Kleider. Sie erzählen von Ehefrauen der gehobenen Gesellschaft, von einem durch Krankheit gezeichneten Dasein, von „Power Dressing“ und Selbstbewusstsein in der Chefetage, von der Hamburger Punkszene und der widerständigen Ästhetik einer Kunst- und Designsammlerin. Die Ausstellung wird gefördert durch den Ausstellungsfonds der Freien und Hansestadt Hamburg, die Hubertus Wald Stiftung und die Ernst von Siemens Kunststiftung.

This exhibition showcases the breadth of the museum’s medieval Zen collections, highlighting rare and striking works from Japan and China to illustrate the visual, spiritual, and philosophical power of Zen. Rooted in the culture of medieval Japan, the lessons of Zen have become an important part of contemporary American life, as applicable today as they were in premodern times. Monastic Zen painting in medieval Japan (ca. 1200–1600) is one of the great artistic traditions of East Asia and of the world. The abbreviated, seemingly impromptu paintings in monochrome ink have influenced artists and enthusiasts for centuries. Many of the most accomplished artists of this era—Mokuan, Ryozen, Shubun, Sesshu, Sesson, and many others—were Zen monks credited by later generations as the creators of a unique and remarkable legacy of ink painting. Indeed, Zen monk-painters inspired a number of the most important professional painting lineages of Japan’s early modern period (ca. 1600–1868) and formed a thematic backbone of Japanese art and cultural identity in modern times.

Zwischen 1933 und 1945 kontrol­lierte das natio­nal­so­zia­lis­ti­sche Regime das künst­le­ri­sche Schaf­fen in Deutsch­land. Insbe­son­dere Künst­le­rin­nen und Künst­ler, die wegen ihrer Reli­gion, ihrer Herkunft oder poli­ti­schen Einstel­lung verfolgt wurden, flüch­te­ten vor den staat­li­chen Bedro­hun­gen in die Emigra­tion. Was aber passierte mit denje­ni­gen, die im Land blie­ben? Isola­tion, fehlen­des Publi­kum und mangeln­der Austausch präg­ten das Schaf­fen jener, denen im Natio­nal­so­zia­lis­mus die Arbeits- und Lebens­grund­lage entzo­gen wurde. Ihre Situa­tion wird oft pauschal als „Verfe­mung“ oder „innere Emigra­tion“ beschrie­ben. Ange­sichts der viel­schich­ti­gen und wider­sprüch­li­chen persön­li­chen Umstände grei­fen diese Begriffe jedoch zu kurz.

Käthe Kollwitz (1867–1945), die bedeutendste deutsche Künstler­persön­lich­keit der klassischen Moderne, thematisiert in ihren Werken wie keine Zweite Krieg, Armut und Tod, aber auch Liebe, Geborgenheit und das Ringen um Frieden in nachdrücklicher Weise. Mit ihren Zeichnungen, Druckgraphiken und Skulpturen erlangt sie bereits zu Lebzeiten weltweites Ansehen. Eine neue Monographie, die im Frühjahr 2022 erscheinen wird, stellt einen Überblick über ihr gesamtes künstlerisches Œuvre vor. Mit über 200 Werkabbildungen, nach Themen geordnet, beinhaltet der Katalog eine repräsentative Auswahl aus der Sammlung des Käthe Kollwitz Museum Köln. Mit ihrem weltweit größten Bestand an Zeichnungen, druckgraphischen Blättern und Plastiken ist die Kölner Kollwitz Sammlung eine engagierte Botschafterin der Künstlerin: Das neue Standardwerk mit Textbeiträgen der Kunsthistoriker*innen des Museums erscheint in einer deutschen und englischen Ausgabe. Die Buchvorstellung wird von einer Sonderausstellung im Käthe Kollwitz Museum Köln begleitet, die in Anlehnung an den Katalog die Themenfelder ihres Schaffens vorstellt. Aber nicht allein das künstlerische Können der Kollwitz fasziniert. Vor allem die zeitlose, emotionale Schlagkraft ihrer Arbeiten berührt Menschen in aller Welt bis heute. Daher wird die Schau um einen besonderen Aspekt ergänzt: Die Museumsmitarbeiter*innen stellen ihre Sammlungs-Highlights vor. Die subjektiven Werk­betrach­tungen vermitteln als persönliche Impulse eine tiefe Verbundenheit mit der Künstlerin.

Meret Oppenheim (1913–1985), Schöpferin der berühmten Pelztasse, schuf durch ihre einzigartige Affinität für unterschiedliche zeitgenössische Strömungen eines der eindrücklichsten Œuvres des 20. Jahrhunderts. Der Band präsentiert alle Phasen ihres experimentellen Gesamtwerkes, bestehend aus Objekten, Malerei, Skulptur und Zeichnungen von 1929 bis 1985.

Die Ausstellung «Cranach – Die Anfänge in Wien» in der Sammlung Oskar Reinhart « Am Römerholz» würdigt erstmals gemeinsam mit dem Kunsthistorischen Museum Wien die künstlerischen Anfänge Lucas Cranachs d. Ä.. Der aus Franken stammende Künstler schuf seine frühesten bekannten Werke um 1500 in Wien. Sie unterscheiden sich durch ihr ausgeprägt expressives Stilbild deutlich von der späteren höfisch-eleganten Formensprache, welche als typisch für Cranach gilt. Aus der künstlerischen Frühphase ist nur eine verschwindend geringe Anzahl von Arbeiten bekannt – die Schlüsselwerke befinden sich heute in Winterthur und Wien und stehen, ergänzt um hochkarätige Leihgaben, im Mittelpunkt der Ausstellung. Diese bietet einen einmalig umfassenden Überblick über das frühe Schaffen Cranachs.

Die ALBERTINA MODERN widmet Ai Weiwei - einer herausragenden künstlerischen Stimme unserer Zeit, einem unermüdlichen Aktivisten, stolzem Kritiker autoritärer Systeme und wahrhaftigem Dichter - die erste umfassende Museumsausstellung in Wien. In Search of Humanity setzt sich eingehend mit dem Aspekt der Menschlichkeit und der künstlerischen Verantwortung im Werk von Ai Weiwei auseinander.

Das male­ri­sche, foto­gra­fi­sche und fil­mi­sche Sicht­bar­ma­chen von Licht und Licht­far­be ist künst­le­ri­sches Lebens­the­ma der öster­rei­chi­schen Künst­le­rin Inge Dick (*1941). Im Zen­trum der Aus­stel­lung steht das vier­tei­li­ge Pro­jekt ​„jah­res licht weiss (2012 – 2015)“. In die­sem Jah­res­zei­ten­pro­jekt spürt die Künst­le­rin in expe­ri­men­tel­ler und gleich­sam poe­ti­scher Wei­se dem facet­ten­rei­chen Wesen des Lichts nach. Mit vier Digi­tal­fil­men macht sie die Ver­än­de­run­gen der Licht­in­ten­si­tät und den Wan­del der Licht­far­be über das Jahr hin bild­haft. Die Digi­tal­fil­me bil­den die Basis für den nach­fol­gen­den künst­le­ri­schen Aus­wahl­pro­zess, aus dem die im Lentos gezeig­ten Foto­ar­bei­ten ent­ste­hen. Die chro­ma­ti­sche Viel­falt der Wer­ke ver­ge­gen­wär­tigt die sich ver­än­dern­den Farb­stim­mun­gen im Lau­fe eines Jah­res, wel­che ein­zig durch den Rhyth­mus und Wech­sel der Tages­zei­ten und den Ein­fluss der Natur bestimmt werden. Inge Dick gilt als renom­mier­te Ver­tre­te­rin der öster­rei­chi­schen Gegen­warts­kunst. Für ihre ein­zig­ar­ti­ge Posi­ti­on im Bereich der zeit­ge­nös­si­schen expe­ri­men­tel­len Foto­gra­fie und des Films erhielt sie zahl­rei­che Aus­zeich­nun­gen, unter ande­rem im Jahr 2020 den Öster­rei­chi­schen Kunst­preis für Fotografie.

Gerd und Helga Plewigs Sammlung von Rindenmalereien aus Nordaustralien mit Werken vor allem aus den 1950er- bis 1970er-Jahren gilt gegenwärtig als die beste derartige Sammlung außerhalb Australiens. Sie beinhaltet Arbeiten aus dem Kimberley, Wadeye, den Tiwi Islands, Arnhem Land und Groote Eylandt von Künstlern wie Yirawala, Mawalan Marika und Mungurrawuy Yunupingu.

Xenia Hausner zählt zu den wichtigsten österreichischen Malerinnen unserer Zeit. Der schmuckvolle Band fokussiert auf den Aspekt der Inszenierung, den alle ihre Werke auszeichnen. Beginnend mit den frühen Arbeiten aus den 1990er-Jahren bis zur bewegenden Exiles-Serie entführt das Buch in eine weibliche Welt voller geheimnisvoller Beziehungen.

Ein Ausstellungsprojekt des LVR-LandesMuseum Bonn in Kooperation mit der Deutschen Fotothek Dresden und der Stiftung F.C. Gundlach Hamburg Die Zeit um 1980 war eine Phase tiefgreifender Umbrüche und zugleich eine Epoche großer Zukunftsängste. Globales Wettrüsten, grassierende Umweltzerstörung und massenhafte Arbeitslosigkeit befeuerten eine allgemeine Untergangsstimmung, sorgten jedoch zugleich auch für einen extremen Kreativitätsschub. Punk und Pop trieben wilde Blüten und beeinflussten die künstlerische Avantgarde. Eine bunte Jugendkultur behauptete sich als Motor feministischer wie homosexueller Emanzipation. Reformparteien und Öko-Bauern standen plötzlich hoch im Kurs.

Fragmente, Bruchstücke, Relikte, Reste und Spuren durchziehen das Werk von Franz Yang-Močnik wie der sprichwörtliche rote Faden. Sowohl in der Zeichnung wie auch in der Malerei sind seine Menschendarstellungen geprägt von Deformationen und Verzerrungen und seine Interieurs und Landschaften von strenger Ausschnitthaftigkeit. Das Groteske, das seine frühen Arbeiten auszeichnet, weicht mit den Jahren einer Zergliederung und Facettierung. Die Gesichter weisen Risse auf, die Integrität des Körpers erscheint meist aufgebrochen.

Die tschechische Künstlerin TOYEN (1902–1980) arbeitete im Herzen des Surrealismus. Pionierin innerhalb der Avantgarde ihrer Heimatstadt Prag wie ihres Pariser Exils, schuf sie ebenso poetische wie provokante Bilder, die mit Realität und Imagination, Verführerischem wie Abgründigem spielen. Einzigartig und farblich virtuos prägen sich ihre Werke tief ins Gedächtnis ein.

Die polnische Malerei um 1900 entführt in eine Welt der Mythen und Legenden, in träumerische Landschaften, in alte Traditionen und Bräuche, in die Tiefen der menschlichen Seele. In einer Nation ohne eigenen Staat – Polen war bis zu seiner Unabhängigkeit 1918 zwischen Russland, Preußen und Österreich-Ungarn aufgeteilt – trat eine junge Künstlergeneration an, die Malerei zu erneuern. Mit ihren Gemälden stifteten sie, was auf politischer Ebene fehlte: eine gemeinsame Identität. Inspiration fanden sie ebenso in der eigenen polnischen Geschichte, Kultur und Natur wie im Austausch mit Künstlerkreisen in Berlin, München, Paris, Sankt Petersburg oder Wien. Anhand von rund 130 bedeutenden Werken aus öffentlichen und privaten Sammlungen zeigt die Kunsthalle München erstmals in Deutschland eine so umfassende Schau zur Blütezeit der polnischen Kunst zwischen 1890 und 1918.

Der ganze Heinrich Vogeler am Original-Schauplatz 2022 steht das Künstlerdorf Worpswede ganz im Zeichen Heinrich Vogelers. Die vier Worpsweder Museen – Barkenhoff, Große Kunstschau, Haus im Schluh und Worpsweder Kunsthalle – würdigen den Universalkünstler anlässlich seines 150. Geburtstags am 12. Dezember 2022 mit der Retrospektive »Heinrich Vogeler. Der Neue Mensch«, die sein Leben und alle Werkaspekte und -phasen in einer ebenso facettenreichen wie faszinierenden Zusammenschau erlebbar macht. Im Zentrum stehen dabei das Menschenbild und die persönlichen und politischen Ideale Vogelers, die seine Kunst und sein bewegtes Leben gleichermaßen geprägt haben. Zeitgleich kommt im Frühjahr 2022 eine Doku-Fiktion in die Kinos, die die Lebensreise des Künstlers nachzeichnet. Der Film wurde mit Florian Lukas (Heinrich Vogeler), Anna-Maria Mühe (Martha Vogeler), Naomi Achternbusch (Paula Modersohn-Becker), Johann von Bülow (Rainer Maria Rilke) und weiteren namhaften Schauspielerinnen und Schauspielern teilweise in Worpswede gedreht. Diesem – und allen weiteren Besucherinnen und Besuchern – bietet das Künstlerdorf 2022 die einzigartige Möglichkeit, die originalen Schauplätze kennenzulernen und in den Worpsweder Museen anhand der Originalwerke zu vertiefen.

Museumsdirektorin Andrea Jahn ist es gelungen, die international renommierte Malerin Katharina Grosse nach Saarbrücken zu holen. Katharina Grosse (*1961 in Freiburg im Breisgau) zählt zu den richtungsweisenden und bahnbrechenden Künstlerinnen ihrer Generation. Besucher*innen erwartet eine Präsentation ihrer neuesten Leinwandarbeiten, die im großzügig dimensionierten Erweiterungsbau der Modernen Galerie ihre visuelle Kraft entfalten. Die in Saarbrücken ausgestellten Werke bringen die jüngst sehr unterschiedlich erprobten Arbeitsweisen von Katharina Grosse zusammen: in manche Leinwände sind Äste, Zweige und Treibholz eingearbeitet, die anschließend mit Sprühfarbe überzogen wurden, so dass Malerei, natürliche Materialien und skulpturale Strukturen miteinander verschmelzen. Andere Werke sind in ihrer Farbigkeit und ihren Dimensionen ganz auf Raumwirkung angelegt. So entsteht eine ortsbezogene Malerei-Installation, die zugleich das klassische Bild zum Thema macht.

Feinste Glaskunst und fotorealistische Gemälde im Großformat: Die in Hainfeld (NÖ) lebende Künstlerin Isolde Maria Joham ist eine Pionierin der Glaskunst und eine leidenschaftliche Malerin, deren vielfältiges künstlerisches Schaffen aus dem Blickfeld der öffentlichen Wahrnehmung gerückt ist. In der Landesgalerie Niederösterreich ist die herausragende Künstlerin in einer großen Retrospektive wieder zu entdecken!

Die beiden Zürcher Maler Varlin (1901-1977) und Wilfrid Moser (1914-1997) haben sich gegenseitig gekannt und geschätzt. Sie analysierten die Welt aus Distanz, waren kritisch und kompromisslos. Das Museum zu Allerheiligen stellt ihre selten und noch nie in dieser Breite gezeigten Spätwerke ins Zentrum einer grossen Ausstellung. Rund 90 Werke aus eigenen Beständen und Privatsammlungen werfen ein neues Licht auf ein grosses Kapitel der Schweizer Kunst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Zu einer Ausstellung der Bauhausschülerin Hedwig Thun, die mit Vriesen korrespondierte, ist es zu seinen Lebzeiten nicht gekommen. Die heute völlig vergessene Künstlerin, deren Nachlass ebenfalls neu aufgearbeitet wird, wird im Rahmen dieser Ausstellung umfangreich als Neuentdeckung vorgestellt.

Das Kunstforum Hermann Stenner zeigt eine groß angelegte Ausstellung, die erstmals das Werk eines Museumsdirektors und Ausstellungsmachers in ihr Zentrum stellt und dessen kunsthistorische Entdeckungen präsentiert. Gustav Vriesen (1912–1960) war der Stadt Bielefeld sehr verbunden, insoweit er von 1954 bis zu seinem frühen Tod das Städtische Kunsthaus, Vorläufer der heutigen Kunsthalle Bielefeld, leitete und dort vor allem auch den frühverstorbenen Expressionisten Hermann Stenner wiederentdeckte, den das Kunstforum zum Namensgeber des 2019 eröffneten Ausstellungshauses wählte. Zu einer Ausstellung der Bauhausschülerin Hedwig Thun, die mit Vriesen korrespondierte, ist es zu seinen Lebzeiten nicht gekommen. Die heute völlig vergessene Künstlerin, deren Nachlass ebenfalls neu aufgearbeitet wird, wird im Rahmen dieser Ausstellung umfangreich als Neuentdeckung vorgestellt.

Edward Hoppers eindrucksvolles Gemälde "Morning Sun" wird diesen Herbst als besonderer Gast aus dem Columbus Museum of Art in der Gemäldegalerie Alte Meister zu sehen sein. Gemeinsam mit grafischen Arbeiten Hoppers wird dieses Werk erstmals in einer Ausstellung in Dresden präsentiert. Gleichzeitig ist dies auch das erste Mal, dass ein Museum in den neuen Bundesländern sich dem Gesamtwerk des amerikanischen Künstlers in einer Ausstellung widmet.

Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) gilt als Vater der Landschaftsarchitektur in den USA. Seine innovativen Entwürfe für Stadtparks und Parkanlagen haben die amerikanische Landschaft beispiellos geprägt. Die Schwarz-Weiß-Aufnahmen der Bäume noch aus den Anfängen der Parks von Stanley Greenberg bieten eine außergewöhnliche Begegnung mit Olmsted und seinem Erbe.

Blumen verkörpern ein seit Jahrhunderten verbreitetes Motiv der Kunst. Seit dem Barock Ausdruck von Naturschönheit und irdischer Vergänglichkeit haben Blumen im 20. und 21. Jahrhundert für Künstlerinnen und Künstler nicht an Faszination verloren. Warum greift die moderne und zeitgenössische Kunst dieses facettenreiche Motiv so intensiv auf?

In December 1846 Thomas Cole excitedly began work in his new studio, but his early death left his great ambitions unfinished. The studio and its deep impact on future artists is described by renowned Cole scholar, Franklin Kelly and further contributors, bringing new understanding to the critical last phase of Cole’s career.

Die Ausstellung der Internationalen Tage widmet sich 2022 dem norwegischen Künstler Edvard Munch. Der 1863 geborene Munch entwickelt sich schnell zu einem der bedeutendsten und einflussreichsten Maler und Grafiker der frühen Moderne in Europa.

2022 zeigt das Museum den Werdegang Werner Bergs (1904-1981) in exemplarischer Übersicht. Von dem ersten Selbstportrait des jungen promovierten Staatswissenschaftlers, der 1927 gerade alle Karrierechancen ausschlagend an die Wiener Akademie gewechselt war, über dessen Jahre an der Münchner Akademie und dem lebensentscheidenden Entschluss, sich 1931 mit seiner jungen Familie auf einem entlegenen Bergbauernhof im slowenischsprachigen Teil Unterkärntens anzusiedeln, der Diffamierung als entarteter Künstler und seinem Einsatz als Kriegsmaler in Skandinavien, dem mühsamen Neubeginn auf dem Hof unter prekären Verhältnissen, den persönlichen Lebenskrisen und später erster Anerkennung des in selbstgewählter Isolation entstandenen Werkes bis zur Vereinsamung der letzten Lebensjahre wird ein weiter Bogen gespannt, wobei jedem Lebensjahr zumindest ein Werk zugeordnet und gezeigt wird. Ergänzt wird dieser in seiner Vollständigkeit einmalige chronologische Überblick durch exemplarische Fotos und Audiodateien zu den Ereignissen jeden Jahres mit den wesentlichen programmatischen Selbstzeugnissen Werner Bergs. Zusätzlich bietet die Wiedergabe des Briefwechsels Werner Bergs mit Dr. Heinrich Becker (1881-1972) und dessen Frau Martha (1889-1969) – von den 1930er bis zu den 1970er Jahren waren diese Freunde und Unterstützer durch alle Wechselfälle der Zeit – authentischer als es jeder retrospektiven Schilderung möglich wäre, Gelegenheit, den Künstler in seinem Denken, seiner Entwicklung und seinen Unternehmungen unmittelbar zu begleiten. So ermöglicht die Ausstellung dem Besucher einen bisher nie dagewesenen umfassenden Einblick in Leben und Werk des großen Künstlers vom Rutarhof.

Marielis Seyler (*1942 in Wels, Österreich) besuchte die legendäre Graphische Lehr- und Versuchsanstalt Wien, in der sie ihre fotografische Ausbildung absolvierte. Nach langjährigen Aufenthalten in Japan und Europa begann sie in den 1980er Jahren in Wien ihre künstlerische Auseinandersetzung mit dem Medium Fotografie. Im Fokus stehen dabei die Themen Natur sowie Frau.

Die Bundeskunsthalle zeigt regelmäßig Ausstellungen mit Werken aus der Sammlung des Bundes. Auch die neue Ausstellung präsentiert ausgewählte Arbeiten, die innerhalb der fünfjährigen Tätigkeit (2017– 2021) von einer ehrenamtlichen Fachkommission für die Sammlung der Bundesrepublik Deutschland angekauft worden sind. Zusätzlich kommen dieses Mal Ankäufe hinzu, die mit Mitteln von NEUSTART KULTUR von einer weiteren Ankaufskommission erworben werden konnten. Das kuratorische Konzept wurde im kollaborativen Prozess von zwölf Kurator*innen unter Moderation der Bundeskunsthalle entwickelt. Das Team verspricht sich von der Durchmischung der beiden Ankaufskonvolute eine größtmögliche Aktualität und einen repräsentativen Querschnitt der zeitgenössischen, mitunter auch der sehr jungen Produktion. Für die dialogische Konzeption der Ausstellung sind Themen und Cluster wie zeitgenössische politische und gesellschaftliche Relevanz, postkolonialer Diskurs, Posthumanität, Geschichtskonstruktionen, Urbanität oder auch eine werkimmanente Bildästhetik maßgeblich. Die Ausstellung trägt der im zeitgenössischen Kontext relevanten Sammlung des Bundes Rechnung und veranschaulicht, wie historische und aktuelle Entwicklungen, kollektive Sehgewohnheiten oder Hinterfragungen von Bildkonstruktionen künstlerisch und modellhaft umgesetzt werden. Die Auswahl der Werke macht deutlich, dass die gegenwärtigen künstlerischen Ausdrucksformen eine breite Palette an Techniken und Medien umfassen – von raumgreifenden Installationen, Zeichnung, Malerei und Skulptur bis hin zu Fotografie, Video und akustischen Arbeiten.

Marielis Seyler (*1942 in Wels, Österreich) besuchte die legendäre Graphische Lehr- und Versuchsanstalt Wien, in der sie ihre fotografische Ausbildung absolvierte. Nach langjährigen Aufenthalten in Japan und Europa begann sie in den 1980er Jahren in Wien ihre künstlerische Auseinandersetzung mit dem Medium Fotografie. Im Fokus stehen dabei die Themen Natur sowie Frau. Am Freitag, den 13. Mai um 18:30h wird JULIAN SCHUTTING aus dem neuen Buch „Momentum Frau“ lesen!

Das Bucerius Kunst Forum präsentiert die erste internationale Gesamtschau des in Hamburg geborenen Fotografen Herbert List (1903 – 1975) seit mehr als zwei Jahrzehnten. Die Retrospektive spannt den Bogen von seinen surrealistischen Werken vor 1945, in welchen er das Hintergründige und Mehrdeutige der Wirklichkeit sichtbar machen wollte, über seine bildgewordenen Träume einer lebendigen Antike und die umfassenden Bildreportagen außereuropäischer Kulturen bis zu den Männerakten, mit denen List ein Bekenntnis zur eigenen Homosexualität ablegte. Die Ausstellung ist der Beitrag des Bucerius Kunst Forums zur Triennale der Photographie Hamburg 2022.

Die Dinge haben eine Bestimmung, und die kommt aus dem Sehen! Dieser einst so prägnant vom Künstler Fritz Schwegler (1935–2014) formulierten Maxime haben sich Barbara Klemm wie auch Christoph Brech in ihrem jeweiligen Oeuvres verschrieben. Beiden gelingt – in der Verdichtung des Bildaufbaus zu einer oft weit über das Sujet hinausweisenden Aussage – ein ganz besonderer Blick auf Menschen, Landschaften und Kunstwerke. Barbara Klemm ist eine der bedeutendsten zeitgenössischen Fotografen Deutschlands. Sie ist bekannt durch minutiös entwickelte, analoge Schwarz-Weiß-Fotografien, die im Bildgedächtnis Deutschlands mittlerweile fest verankert sind – genannt sei hier der berühmte „Bruderkuss“ aus dem Jahr 1979. Christoph Brech schafft Video-Filme, Installationen und Farbfotografien von suggestiver Bildkraft. In seinen Werken spiegeln sich Phänomene der Zeit, der Übergänge, der Erinnerung wider. Die Musik spielt dabei eine große Rolle. Zuletzt schuf er eine Serie von Arbeiten für die Bayerische Staatsoper in München. Beide vermögen mit einem hohen Maß an Sensibilität, Details zu sprechenden Bildkompositionen zusammenzuführen, die eine große Sogwirkung entfalten. Im Diözesanmuseum Paderborn mit seinem offenen, emporstrebendem Innenraum trifft beider Werk zu einem spannungsreichen Dialog aufeinander. Zwischen Digital und Analog, bewegtem Bild und Fotografie, Farbe und Schwarz/Weiß. In die Ausstellung werden einige ausgewählte Objekte der Sammlung des Diözesanmuseums einbezogen, die sich so völlig neu präsentieren.

BMW M erreichte spektakuläre Siege auf allen namhaften Rennstrecken dieser Erde. Darüber hinaus steht die Marke für eine reiche Palette innovativer und leistungsstarker Limousinen, von denen zahlreiche einen Kultstatus und hohen Sammlerwert haben. Mitreißend schildert der Band 50 Jahre BMW M und zeigt, was hinter dem »stärksten Buchstaben der Welt« steckt.