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Die Klassische Moderne ist mit ihrer Vielzahl von neuen künstlerischen Stilrichtungen eine Inspirationsquelle für die nachfolgenden Künstlergenerationen. Sie bereitete den Weg für einen freien Umgang mit Farbe, Perspektive und Proportionen. Diesen Einfluss zeigt die Neupräsentation von 13 Sälen der Klassischen Moderne im Dialog mit 80 Werken der Gegenwartskunst aus der Sammlung Goetz. Dabei wird der Schwerpunkt Malerei medial um Fotografie, Skulptur und textile Arbeiten erweitert. Viele der Künstlerinnen und Künstler setzen sich aber auch kritisch mit diesem Erbe der abendländischen Kultur auseinander und werfen Fragen zum Umgang mit Körper, Geschlecht und Identität auf. Mit Francis Bacon, Max Beckmann, Louise Bourgeois, Fischli Weiss, Rodney Graham, Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc, Pablo Picasso, Oskar Schlemmer, Rosemarie Trockel, Woty Werner, Andrea Zittel u.a.

Agnes Pelton (1881–1961) was among the generation of American artists in the first decades of the twentieth century who rejected realism in favor of portraying their inner emotional states. But unlike her peers, who based their abstractions on the exterior world, Pelton used her vocabulary of curvilinear, biomorphic forms and delicate, shimmering veils of light to depict the unseen forces she believed exist in nature. Pelton’s art was included in the 1913 Armory Show, but her decision to remove herself from the art world meant that even within her lifetime she was relatively unknown except for her participation in the short-lived Transcendental Painting Group (1938–1942). Its members, like Pelton, believed in numerology, astrology, and faith healing. Agnes Pelton: Desert Transcendentalist, the first survey of her work in more than twenty-four years, brings together approximately forty paintings dating from 1917 to 1961 that will illuminate her artistic contribution to American modernism and place her art within the context of international spiritual and esoteric abstraction. Agnes Pelton: Desert Transcendentalist is organized by the Phoenix Art Museum, and curated by Gilbert Vicario, The Selig Family Chief Curator. The installation at the Whitney Museum is overseen by Barbara Haskell, curator, with Sarah Humphreville, senior curatorial assistant.

1503 fälschte der Nürnberger Bildhauer Veit Stoß einen Schuldschein. Die kriminelle Tat wurde aufgedeckt, der Künstler eingekerkert und gebrandmarkt. Er verlor Ehre wie öffentliches Ansehen und floh aus Furcht vor noch härterer Bestrafung nach Münnerstadt am Rand der Rhön. Dort bemalte er die Flügel des 1490/92 vom Würzburger Bildschnitzer Tilman Riemenschneider für die Stadtpfarrkirche geschaffenen Altarretabels. Farbenprächtig schildern diese Szenen die Legende des heiligen Kilian. Sie gelten als die einzigen Gemälde von Stoß. In der gleichen Zeit schuf er eine Reihe eindrucksvoller Kupferstiche. Wie die Malereien sind sie einzigartige künstlerische Zeugnisse der von der kriminellen Verfehlung überschatteten Phase seines Lebens, in der Aufträge ausblieben. Veit Stoß zählt zu den bedeutendsten Meistern der süddeutschen Spätgotik. Mit den genannten Gemälden, sämtlichen seiner graphischen Blätter, Arbeiten fränkischer Zeitgenossen sowie Objekten der Rechtsgeschichte und der Alltagskultur – vom Folterwerkzeug bis zum kostbaren Schmuck – erzählt die Ausstellung die spannende Geschichte des Münnerstädter Altars. Sie bietet den Genuss hochrangiger Kunst und lenkt den Blick auf den Zusammenhang von Verbrechen und künstlerischer Praxis.

Ausgehend von Helmar Lerskis herausragender Fotoserie “Metamorphose - Verwandlungen durch Licht“ (1935/36) präsentiert die Ausstellung „Faces” Porträts aus der Zeit der Weimarer Republik. In den 1920er- und 30er-Jahren erneuern Fotografinnen und Fotografen radikal das Verständnis des klassischen Porträts: Ihre Aufnahmen dienen nicht mehr der Darstellung der Persönlichkeit eines Menschen, sondern sie fassen das Gesicht als nach ihren Vorstellungen inszenierbares Material auf. Über das fotografierte Gesicht werden sowohl ästhetische Überlegungen der Avantgarde als auch gesellschaftliche Entwicklungen der Zwischenkriegszeit verhandelt. Modernistische Experimente, das Verhältnis zwischen Individuum und Typ, feministische Rollenspiele und politische Ideologien kollidieren und erweitern damit das Verständnis der Porträtfotografie.

Eröffnung am Sonntag, 14.2.2021 um 11 Uhr Der Maler Hans Purrmann (1880–1966) zählt zu den bedeutendsten Koloristen der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Im Laufe seines langen und etappenreichen Lebens in den Kunstmetropolen München, Berlin und Paris sowie später in Florenz und der italienischen Schweiz entwickelte er sich zu einem Künstler von europäischem Format mit weitreichenden Verbindungen. Seine Teilnahme an der legendären Sonderbund-Ausstellung 1912 in Köln bis hin zur ersten documenta 1955 in Kassel markiert den weitgespannten Bogen seiner künstlerischen Wirkung.

Mit dieser großen Retrospektive zum Werk der britischen Bildhauerin Phyllida Barlow (* 1944) eröffnet das Haus der Kunst 2020 eine Reihe von Ausstellungen im repräsentativen Ostflügel des Hauses, die zeitgenössischen weiblichen Stimmen gewidmet sind. Die skulpturalen Gebilde von Phyllida Barlow sind sperrig und nicht einfach zu erfassen: Bauholz, Pappkarton, Zement, Lehm, Kunststoffrohre und bunte Textilien türmen sich, breiten sich aus, versperren den Weg. Der Blick wandert über diese Landschaften aus Alltagsmaterialen, weiß nicht woran er sich festhalten soll, schweift in die Höhe, um die enormen Dimensionen zu begreifen. Barlows Arbeiten sind eine ständige Herausforderung, sie erobern sich den Raum, als führten sie ein Eigenleben. Sie fordern die Betrachter*innen auf, Räume zu erkunden, Volumina wahrzunehmen, die Sprache der Architektur zu hören.

Neo Rauch zählt international zu den herausragenden Malern der Gegenwart. Sein Werk ist singulär, vielleicht weil es in einem für die zeitgenössische Kunst außerordentlichem Maß aus der Innenwelt oder der vom Unter- und Unbewussten gespeisten Imagination des Künstlers schöpft. Unausdeutbar und beunruhigend erscheinen seine Bildwelten, rätselhaft die Figuren in ihren Handlungen. Die Ausstellung Der Beifang zeigt Papierarbeiten, die nach 2000 entstanden, viele davon in den 2010er Jahren. Die zumeist großformatigen Bilder stammen aus dem Privatbesitz des Malers und kreisen um Themen, die ihm am Herzen liegen – darunter auch biografische Erlebnisse oder sein Selbstverständnis als Künstler.

Seit einiger Zeit prägen angespannte Zustände unseren Alltag. Ob es sich um Ausgangssperren, Gewalt oder der Suche nach der eigenen Identität handelt, wir sind ständig dabei, uns neu zu orientieren. Auf die Verletzlichkeit und Verwirrung, die in Kontrollen, Rassendiskriminierung und Ausgrenzung stecken, nehmen Künstlerinnen und Künstler Bezug. Sie stellen die Unsicherheit und Instabilität, die wir täglich erleben, in ihren Werken dar. Die neue Sammlungspräsentation konfrontiert zeitgenössische Positionen aus der privaten Sammlung Scharpff-Striebich mit Werken aus dem 20. Jahrhundert aus dem eigenen Bestand der Staatsgalerie, die erst durch den retrospektiven Blick eine solche Aktualität gewinnen und die Komplexität und Widersprüchlichkeit unserer Gesellschaft hervorheben.

Die Schweizerin Sophie Taeuber-Arp (1889–1943) war eine Pionierin der Abstraktion. In ihrem interdisziplinären Schaffen ebnete sie mit scheinbar spielender Leichtigkeit die althergebrachten Grenzen zwischen Kunst und Leben ein. Die Experimentierfreude der Avantgarde-Zirkel von Zürich und Paris, denen sie angehörte, und ihre kunsthandwerkliche Ausbildung und Lehrtätigkeit verschmolzen zu einer gelebten, angewandten Abstraktion, mit der sie nahezu alle Lebensbereiche gestaltete. Bei ihrem tragischen Unfalltod 1943 umfasste ihr Œuvre Textilien wie Kissen und Tischdecken, Perlarbeiten, ein Marionettentheater, Kostüme, Wandmalerei, Möbel, Architektur, Grafikdesign, Malerei, Zeichnung, Skulptur und Reliefs.

Eine Ausstellung zu sieben Kapellen? Welche Kapellen sind das überhaupt und warum sind sie so außergewöhnlich, dass man sie in einer eigenen Sonderausstellung würdigt? Bei den sieben Kapellen handelt es sich um einen spannenden Beitrag zeitgenössischer Architektur im Bistum Augsburg. Sie entstanden zwischen 2018 und 2020 an Radwanderwegen in der Nähe der Donau. Die meisten dieser Kapellen liegen deshalb im Landkreis Dillingen. Die Siegfried und Elfriede Denzel Stiftung realisierte nach einer Idee und dem Konzept von Dr. Peter Fassl, Heimatpfleger des Bezirk Schwaben, das Sieben Kapellen-Projekt. Die Kapellen wollen eine religiöse architektonische Landmarke setzen, das die Tradition des Kapellenbaus in zeitgenössischer Gestaltung aufbricht und weiterentwickelt. Für die Ausführung wurden die Architekten Hans Engel (Augsburg), Wilhelm Huber (Betzigau), Alen Jasarevic (Mering), Frank Lattke (Augsburg), Prof. Christoph Mäckler (Frankfurt a. M.), John Pawson (London) und Prof. Volker Staab (Berlin) gewonnen. Die Architekten hatten zwei Vorgaben: Die Kapellen sollten auch als Referenz an die Stiftung, die aus einem Holzgroßhandel entstand, aus Holz sein und ein Kreuz besitzen. Die Ausstellung versucht, durch Fotografien, Pläne, Zeichnungen, Modelle und verschiedene verwendete Materialien die Strahlkraft dieser Bauwerke einzufangen und auch mittels eines eigens zur Ausstellung entstandenen Films zu vermitteln.

Ernst Ludwig Kirchner spent his last years between 1917 and 1938 recovering from a mental breakdown in Davos. The overwhelming impression of the Alps moved him to create colourful, visionary landscapes and paint the daily lives of the peasants. The publication shows vividly the significance of the mountain world as inspiration for Kirchner’s late works.

This international exhibition is organized by the National Gallery Prague, the Hamburger Kunsthalle and the Musée d'Art Moderne de Paris. Toyen is one of the most original and best-known twentieth-century Czech artists; she also rose to fame in her own lifetime in France, which became her permanent home in 1947. All over the world her distinct oeuvre and fresh attitudes have been attracting ever-growing interest both in her and her work, yet opportunities to see it in its entirety have been scarce.

Im ersten Ausstellungshöhepunkt des Jahres treffen die drei herausragenden Künstler Wilhelm Lehmbruck, Georg Kolbe und Ludwig Mies van der Rohe erstmals im Haus Lange in Krefeld aufeinander. Figurative Skulptur, wie sie von dem Architekten Mies van der Rohe immer wieder in Entwürfe und Gebäude integrierte wurde, steht somit im direkten Dialog mit dem Gebäude, dem Design und der Gartenanlage der Villa Lange. Hintergrund für das Zusammenspiel von Architektur und Skulptur bildet das naturphilosophische Klima, das zu Beginn des 20. Jahrhunderts ganz unterschiedliche Disziplinen beeinflusst hat. Zu sehen sind rund 25 Skulpturen von Lehmbruck und Kolbe als Teil des organischen Körpers von Haus Lange.

Beautiful and expressive art? Or images of racial thinking and oppression? This spring’s major exhibition at SMK tells a lesser-known, darker story about the two famous artists Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) and Emil Nolde (1867–1956). Two giants of modern art Kirchner and Nolde are both prominent figures within modern visual art. As painters, they played an important role in the Expressionist movement which quickly shot to fame in the early twentieth century, becoming known for its bold colours and strong, energetic brushstrokes.

Herausragender Erfinder, Chemiker, Ingenieur, Forscher, Künstler und Fotograf: Louis Alphonse Poitevin! Die Publikation bietet die einzigartige Möglichkeit anhand einer Vielzahl unterschiedlichster Fotografien und neuester Forschungsergebnisse einen allansichtigen Blick auf Leben und Werk des berühmten Pioniers der Fotografie zu werfen.

Das 19. Jahrhundert beginnt mit einer Krise des Subjekts: Die Menschlichkeit ist bedroht durch Kriege und findet ihren Sinn nicht mehr in Welterklärungsmustern der Kirche und Herrscherhäuser. Der Mensch und insbesondere Künstler*innen sind in ihren Gefühlswelten und ihrem Gewissen auf sich allein gestellt. Aus dieser Überforderung geht die Moderne hervor, die Suche nach einer Menschlichkeit, die durch das Individuum selbst und nicht mehr von außen bestimmt wird.

ICA Miami presents a comprehensive survey for Chakaia Booker, an artist whose iconic works have been under-recognized for their formal vitality and their contributions to American art. Since 1993 Booker has created a striking, beautiful, and political signature style, assembling cast-off tires into monumental landscapes. Spanning four decades of the artist’s work, this exhibition introduces Booker’s vital visual language while showcasing the variety of her explorations.

Mitreißende Gemälde, farbintensive Bildcollagen aus unzähligen Papierschnipseln, aufrüttelnde Fotocollagen – die Kunst von Tammam Azzam (*1980 in Damaskus) ist vielseitig, politisch und aktuell. Das Buch gibt einen umfassenden Überblick über das Œuvre des syrischen Künstlers und zeichnet seinen Werdegang über 20 Jahre nach.

Mit dieser Ausstellung zeigt die ALBERTINA eine der wichtigsten österreichischen Malerinnen unserer Zeit. Der Schwerpunkt der Schau liegt auf dem Aspekt der Inszenierung, der die Werke von Xenia Hausner auszeichnet. Für ihre Bilder konstruiert die Künstlerin, die früher als Bühnenbildnerin tätig war, vorab räumliche Settings in ihrem Atelier. Autofragmente oder Zugabteile werden zu Kulissen, triviale Alltagsgegenstände zu Mitspielern ihrer eigentümlichen Szenarien. Auch ihre Modelle arrangiert sie in diesem Umfeld. In einem vorwiegend weiblichen Kosmos lösen sich die Figuren von der ursprünglichen Person und nehmen eine eigene Rolle in Hausners Geschichten ein, die sich einer eindeutigen Lesart entziehen. In inszenierten Bruchstücken konfrontiert uns die Künstlerin mit den Widersprüchen, die in uns angelegt sind, mit Facetten, die wir nicht nach außen kehren. Gerade die Fiktion ermöglicht ihr, mit geschärftem Blick dem wahren Kern nachzuspüren und in ihren Bilder offenzulegen. Die Ausstellung ist retrospektiv angelegt, beginnend mit den ersten frühen Arbeiten aus den 1990er-Jahren bis zu Xenia Hausners jüngster bewegender "Exiles"-Serie.

The Palo Alto Art Center is pleased to present The Black Index, a group exhibition featuring the work of Dennis Delgado, Alicia Henry, Kenyatta A.C. Hinkle, Titus Kaphar, Whitfield Lovell, and Lava Thomas. The artists featured in The Black Index build upon the tradition of Black self representation as an antidote to colonialist images. Using drawing, performance, printmaking, sculpture, and digital technology to transform the recorded image, these artists question our reliance on photography as a privileged source for documentary objectivity and understanding. Their works offer an alternative practice—a Black index—that still serves as a finding aid for information about Black subjects, but also challenges viewers’ desire for classification.

The Philadelphia Museum of Art is the only East Coast venue for a major traveling exhibition devoted to Senga Nengudi, a leading figure of the 1970s Black American avant-garde and a pioneering artist of our time. Marked by her innovative use of everyday materials that range from water and sand to pantyhose and air conditioning units, Nengudi’s work bridges the mediums of sculpture and performance, offering a cross-disciplinary investigation into the personal experiences of the Black female body and the collective impulses of community and ritual.

Mit Thomas Demand, Philip-Lorca diCorcia, Andreas Gursky und Jeff Wall widmet sich die Ausstellung vier meisterhaften Fotografen, deren bildhafte Konstruktionen Möglichkeiten und Grenzen der menschlichen Wahrnehmung und des fotografischen Mediums hinterfragen. Sowohl analog als auch digital entwerfen die Künstler eigenwillige Sichtweisen auf die Wirklichkeit. Das Motivspektrum reicht dabei von flüchtigen Alltagsszenen über rätselhafte Geschehnisse bis hin zu historischen Ereignissen. Der Berührungspunkt der Werke liegt in der Absicht der Künstler, den traditionell dokumentarischen Aspekt der Fotografie mit fiktiven Elementen zu kombinieren. Damit rufen sie visuelle Irritationen hervor und animieren dazu, eigene Wirklichkeitseindrücke zu hinterfragen.

Im Winter 1954-55 setzte Pablo Picasso (1881-1973) einen lang gehegten Wunsch um: Der bereits 73-Jährige malte eine Antwort auf die berühmte Darstellung von Eugène Delacroix‘ „Die Frauen von Algier“, die in zwei Versionen als Erinnerung an eine 1832 erfolgte Reise nach Nordafrika entstand. In drei Monaten schuf Picasso eine Serie von fünfzehn Ölgemälden, welche von gut hundert Zeichnungen und Lithographien begleitet wurden. Diese Bilderstrecke blieb aber nur für kurze Zeit als geschlossenes Ensemble erhalten. Heute ist das Museum Berggruen das einzige öffentliche Museum in Europa, in dem ein Gemälde dieser Serie zu sehen ist. Die Ausstellung wird neben Gemälden und Arbeiten auf Papier aus der „Femmes d’Alger“-Serie auch Werke zeigen, welche Picasso inspirierten und solche, die wiederum von Picasso inspiriert wurden.

This exhibition is the first ever to chart the transformative central decades of Rembrandt’s career in the context of the Amsterdam art market, from his arrival in the mid-1630s to the emergence of his late style in the mid-1650s. Bringing his paintings, prints and drawings into dialogue with masterpieces by friends, followers and rivals, Rembrandt in Amsterdam will immerse you in the thriving Amsterdam art market of Rembrandt’s time, revealing the exhilarating and stimulating atmosphere that inspired a young artist from Leiden to become the world-renowned painter, draftsman and printmaker we know today. This is the first major Rembrandt exhibition in Canada since 1969, as well as the first ever to be presented at the National Gallery of Canada.

Das Museum der Moderne Salzburg zeigt anlässlich des 100jährigen Jubiläums der Salzburger Festspiele die erste retrospektive Ausstellung des britisch-nigerianischen Künstlers Yinka Shonibare CBE (1962 London, UK) in Österreich. Shonibare ist einer der bedeutendsten und vielseitigsten Künstler Großbritanniens. In seinen Arbeiten untersucht er das Erbe von Kolonialismus und Sklaverei und dessen Spuren in der Gegenwart. Bekannt wurde er durch Installationen mit kopflosen Figuren in historischen Kostümen aus bunten Batikstoffen, mit denen Shonibare auf theatrale Weise die Vergnügungen und Verhaltensweisen der sogenannten Leisure Class inszeniert. Die Ausstellung versammelt rund 60 Arbeiten der letzten 30 Jahre.

Vor unseren Augen entfaltet sich eine fantastische Welt jenseits unseres Wahrnehmungshorizonts. An Farbgebung und Zusammenstellung wird deutlich, dass Leif Trenkler sich nicht nach der Natur richtet, sondern die Elemente seiner Darstellungen aus seinem Bildgedächtnis bezieht. In der Malerei verbindet er sie dann zu einer frei der Vorstellungskraft entspringenden Komposition. Trenkler wurde 1960 in Wiesbaden geboren. Er studierte an der Städelschule in Frankfurt und an der Kunstakademie in Düsseldorf. Heute lebt er in Köln. In seinem Werk befasst sich der Maler vorrangig mit Menschen, Landschaften und Architekturen, aber auch der Kosmos hat Einzug in seine Bildwelt genommen. Rechtzeitig zur Ausstellung erscheint im Münchner Hirmer Verlag eine große Monografie zu Leif Trenkler.

Die Große Landesausstellung, anlässlich des 500. Jahrestags der Landung des spanischen Eroberers Hernán Cortés im Golf von Mexiko, eröffnet dem Besucher einen neuen, vertiefenden Blick auf die Kultur der Azteken. Beginnend mit der Peripherie des aztekischen Imperiums (ca. 1430 – 1521 n. Chr.) und der natürlichen und kulturellen Vielfalt Mexikos, nähern wir uns dem Inneren des Reiches und seiner Hauptstadt Tenochtitlan. Im Fokus dieses Teils der Ausstellung stehen zwei von weltweit noch vier erhaltenen Federschilde der Azteken sowie eine hochwertige Grünsteinfigur. Nach dem Durchschreiten des Herrscherpalastes des Kaisers Moctezuma betritt der/die Besucher*in das Innerste des Imperiums: den heiligen Bezirk mit dem Haupttempel Templo Mayor. Als Leitfaden der Ausstellung dienen die Tribute, die das aztekische Imperium seinen eroberten Provinzen auferlegte. Sie flossen nach Tenochtitlan und in hoher Zahl weiter in den Templo Mayor, als Gaben an die Götter.

August Gaul (1869– 1921) war der Zoologe unter den Künstlern der Moderne. Seine mal monumentalen, mal possierlichen Skulpturen und Plastiken machen wie seine Zeichnungen die Tiere als gerade das sichtbar, was vielen Menschen an ihnen besonders unverständlich ist: ihr Wesen als nach Form und Charakter souveräne Kreaturen.

Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969) zählt zu den herausragenden Vertretern des Neuen Bauens. Legendäre Berühmtheit erreichte er als Direktor des Bauhauses in Berlin ebenso wie als Lehrer am IIT in Chicago. Der 1929 errichtete Pavillon auf der Weltausstellung in Barcelona und das ein Jahr später fertiggestellte Haus Tugendhat in Brünn wurden zu Inkunabeln der Moderne.

Die bislang wenig bekannte Künstlerin Mary Warburg, geb. Hertz (1866-1934), Ehefrau des Hamburger Kunst- und Kulturhistorikers Aby Warburg, steht im Mittelpunkt dieser ersten umfassenden wissenschaftlichen Monografie. In zahlreichen Aufsätzen, einem kommentierten Werkverzeichnis sowie biographischen Dokumenten werden Leben und Werk der bedeutenden Zeichnerin, Grafikerin und Bildhauerin einprägsam vor Augen geführt.

Pakistani American artist Shahzia Sikander is internationally celebrated for bringing Indo-Persian miniature-painting traditions into dialogue with contemporary art practice. This exhibition tracks the first fifteen years of this artistic journey, from her groundbreaking deconstruction of miniature painting in Pakistan to the development of a new personal vocabulary at RISD, expanded explorations around identity as a Core fellow at the Glassell School of Art at the Museum of Fine Arts, Houston, and her global outlook during her first years in New York. During this period, Sikander richly interrogated gender, sexuality, race, class, and history, creating open-ended narratives that have sustained her work as one of the most significant artists working today.